Micromuseo - Bitácora

¡¡¡RUGE LA NAVIDAD!!!

2011-12-24T11:10:00.003-05:00

NO SOY INVISIBLE 2: Triunfo histórico del proletariado: "Las malas intenciones" gana otra batalla por el cine peruano

2011-10-27T00:16:00.011-04:00

UVK Y CINEMAX-PERÚ REPROGRAMAN LA PELÍCULA EN HORARIOS LÓGICOS Y RETIRAN LA ABSURDA CALIFICACIÓN DE "MAYORES PARA 14 AÑOS"

CINEPLANET PERSISTE EN SU ACTITUD MALICIOSA

El peso de la opinión crítica logró imponer una cuota de sensatez y al menos dos cadenas de exhibición cinematográfica han reconocido la arbitrariedad de los horarios y de la calificación para adultos absurdamente impuestos a la película nacional Las malas intenciones. Cine Planet ha quedado solitaria en el empecinamiento de impedir el ingreso de menores de catorce años de edad para un filme que carece en absoluto de imágenes de sexo o violencia (ni siquiera asoma un tímido desnudo). Además todas y cada una de sus escenas están enteramente rodadas desde la mirada y presencia de una niña de ocho.

El abuso de los exhibidores –interesados en arrinconar cualquier propuesta de cine arte para dedicar sus espacios exclusivamente a los rentables blockbusters– dio lugar al delirio de que se le prohibiera espectar la película a su propia protagonista. Fátima Buntinx (sí, es mi hija) irónicamente comentaba que para verse en la pantalla tendría que volver a la ciudad de Berlín, en cuyo festival la cinta fue finalista.

El escándalo suscitado por esas actitudes impactó a todos los medios locales y varios internacionales. Quedó así en interesante evidencia la estructura oligopólica de un sistema de distribución de películas que favorece el abuso, haciendo a los agentes comerciales los árbitros finales de todo, HASTA DE LA CALIFICACIÓN QUE DETERMINA EL ACCESO DE MENORES DE EDAD A LAS PELÍCULAS. Todo esto atenta contra los principios liberales más elementales de división de poderes y libre mercado. La lucha que enfrentamos no es por un estatismo controlista, sino por un capitalismo genuino y democrático.

Así lo han entendido muchos y el Ministerio de Cultura anuncia iniciativas legales para lograr una estructura más justa en la industria cinematográfica. Algunos la han empezado a llamar la "Ley Cayetana", en alusión al nombre del personaje que da alma, corazón y vida a Las malas intenciones.

A continuación la noticia completa publicada hoy por el diario El Comercio:

Tras polémica, "Las malas intenciones" es reprogramada en salas de cine

Ministerio de Cultura informó sobre reunión con Asociación de Exhibidores. UVK calificó la cinta como apta para todo público

Jueves 27 de octubre de 2011 - 07:31 am

El Ministerio de Cultura emitió un comunicado en el que informa que se reunieron con representantes de la Asociación de Exhibidores, y con los distribuidores y productores de la película “Las malas intenciones” para conversar acerca de la exhibición comercial que ha tenido esta producción nacional en los cines peruanos.

“Luego del diálogo entre las partes, se logró llegar a acuerdos significativos como la reprogramación de la película en mejores horarios en ocho salas de la capital, así como el inicio de su exhibición en el ámbito regional”, reza el comunicado. Además, se hace hincapié en que las salas no pueden prohibir el ingreso a sus instalaciones a niños menores de 14 años que estén acompañados por sus padres. Esto, luego de que la joven protagonista del filme, Fátima Buntinx, fue impedida de ver la propia cinta que grabó. Ante ello, la cadena de cines UVK calificó la cinta como apta para todo público.

Solo queda esperar para ver los nuevos horarios en los que será programado el filme de Rosario García-Montero.

NO SOY INVISIBLE: Cadena oligopólica de cines prohibe el ingreso de Fátima Buntinx a las salas en que se exhibe la película de la que es protagonista

2011-10-24T23:39:00.014-04:00

TAMBIÉN EL MINISTERIO DE CULTURA PROTESTA CONTRA LOS MALTRATOS IMPUESTOS A LAS MALAS INTENCIONES

Se comprenderá, espero, que vuelva sobre un tema que me concierne de modo personal, pues involucra a una hija producto de mis amores con Susana Torres Márquez. Me refiero a Fátima Buntinx Torres, de diez (10) años de edad, quien hoy fue informada por la cadena Cineplanet de que estaba prohibida de ingresar a las salas donde se proyecta la película Las malas intenciones, pues absurdamente la misma distribuidora le ha impuesto una calificación de no apta para menores de catorce (14) años.

Por cierto no hay en la cinta –dirigida por la notable Rosario García-Montero– nada que justifique semejante aberración, pero además el tema se torna delirante si se considera que Fátima es no sólo la protagonista del filme entero sino también la presencia principal en todas y cada una de sus escenas. Una empresa privada se atribuye así el derecho extravagante de impedir a una actriz espectar su propia imagen y trabajo.

El tema parece absurdo, pero en realidad responde al absurdo mayor de un sistema de distribución y exhibición concebido para minimizar el desarrollo del cine arte en la protoindustria fílmica nacional. Haciendo usufructo abusivo de su dominio del mercado, los distruibuidores marginan y arrinconan las películas de densidad especial, buscando expulsarlas del circuito para maximalizar las ganancias de blockbusters internacionales o cintas locales de carácter comercial en cuya producción han invertido capitales. Todo ello configura probables prácticas oligopólicas que bien ameritarían un escrutinio legal y las investigaciones pertinentes por parte de INDECOPI.

Pruebas al canto: además de las restricciones irracionales al acceso de menores a Las malas intenciones, se han retirado de las salas todos sus afiches y se han cubierto casi todas sus vallas publicitarias en las vías públicas. Y a pesar de los resultados de taquilla en su semana de estreno, de inmediato se la ha relegado a los horarios más inverosímiles (10:30 AM, 1 PM., 3:00 PM...). Atención al hecho que todas estas decisiones son tomadas por apenas un par de agentes, distorsionando gravemente cualquier noción de libre mercado y competencia.

La situación en realidad desborda el caso específico de esta película y pone otra vez en el urgente orden del día la discusión de propuestas para un sistema que democratice nuestras avasalladas industrias culturales. Su grito de batalla bien podría ser aquél esgrimido por la propia Fátima en la escena final de la película: "¡No soy invisible!"

De clara pertinencia es el comunicado que acaba de emitir el Ministerio de Cultura sobre estos y otros maltratos escandalosos impuestos a Las malas intenciones. "Por tal motivo, y como autoridad cinematográfica del país", concluye ese documento, "demandamos tengan a bien reprogramar la exhibición de la película Las malas intenciones en la tercera semana en las salas de cine de sus asociados, con los horarios y en las condiciones en la que fue estrenada, puesto que el cine peruano merece un trato mínimamente digno en su propio país."

Transcribo a continuación el informe que al respecto publica la página web de El Comercio:

Ministerio de Cultura exige a cines mejores horarios para 'Las malas intenciones'

El filme peruano ha sido relegada a horas de poca concurrencia. “Pareciera confirmar que no les interesa en absoluto el desarrollo de nuestra cinematografía”, asegura entidad estatal

Lunes 24 de octubre de 2011 - 09:38 pm

El Ministerio de Cultura expresó su “sorpresa e incomodidad” a la Asociación de distribuidores y exhibidores cinematográficos por haber relegado a la película peruana “Las malas intenciones” a horarios poco atractivos para el público.

“No cuestionamos que el cine sea para ustedes un negocio y como tal debe regirse por las leyes del mercado”, recuerda el Ministerio de Cultura en un comunicado. “Pero el trato dado a esta película, como a otras cintas peruanas estrenadas en los últimos años, pareciera confirmar que no les interesa en absoluto el desarrollo de nuestra cinematografía y más bien quisieran obstaculizar su llegada al público”, continúa el pronunciamiento público.

“Las malas intenciones”, dirigida por Rosario García-Montero ganó el premio a la mejor película peruana en el XV Festival de Cine de Lima y el Premio Especial del Jurado por la calidad de dirección de niños en el 39° Festival de Cine de Gramado, en Brasil. Asimismo, fue ovacionada durante la última versión del Festival de Berlín. Pese a ello, en su segunda semana en la cartelera limeña no ha sido destacada en los horarios estelares.

Para el Ministerio de Cultura, ello es una muestra de que a las producciones nacionales “no les brindan las consideraciones que si le dan a las películas extranjeras”. Ello no solo se refleja en los horarios anticomerciales, sino en “súbitas suspensiones de función, impedimento de acceso a la entrada a menores acompañados de sus padres, descuido con el material de promoción, entre otros hechos de conocimiento público”.

En efecto, “Las malas intenciones”, en la mayoría de cines, está programada esta semana entre las 3:00 p.m. y 5:30 p.m., horas en las que pocas personas acuden a las salas de cine.

LAS MALAS INTENCIONES: Sugestiva lectura de Ricardo Bedoya en "El Comercio"

2011-10-20T09:57:00.006-04:00

No suelo comentar las iniciativas surgidas de mi entorno familiar más cercano, salvo cuando ellas involucran las propuestas e ideales mayores de Micromuseo. Tolerancia pido para la excepción en la que ahora incurro, aunque en realidad se trate no de una declaración mía sino de un testimonio y de un señalamiento. Me refiero a la sugestiva lectura que el reconocido crítico Ricardo Bedoya le dedica a la película Las malas intenciones en la edición de hoy, jueves 20 de octubre, del diario El Comercio. La directora de la cinta es Rosario García-Montero y su protagonista –Fátima Buntinx Torres– es hija de mi esposa (Susana Torres Márquez) con este humilde servidor. Susana es además la codirectora de arte del proyecto, junto a Patricia Bueno.

Fátima tenía apenas ocho años al momento de la filmación. Dudamos mucho en autorizar su participación, por cierta incomodidad nuestra con la sociedad y las culturas del espectáculo, pero la revisión del guión disipó cualquier duda. Se vislumbraba allí una visión seria, poderosa, aguda –personalísima– sobre los inicios de la gran violencia en el Perú de la década de 1980, tal como ella fue entonces vivida por algunos sectores limeños: un rumor lejano pero creciente y ominoso. Misterioso. Tal vez uno de los logros mayores de la película sea ese ingreso oblicuo a la tragedia nacional desde el registro sensible de una niña en realidad atrapada por sus desgracias personales. Y el entrecruzamiento –en la realidad y en la fantasía– de ambas circunstancias. La historia realmente vivida por seres humanos concretos. Y el heroismo de la vida cotidiana.

Transcribo a continuación el artículo publicado en El Comercio.

CRÍTICA DE CINE

Las malas intenciones

Por: Ricardo Bedoya

El Comercio, jueves 20 de octubre de 2011

“Las malas intenciones”, primer largometraje de Rosario García Montero, es el retrato de Cayetana de los Heros (Fátima Buntinx), una niña sensible, inteligente y acosada por mil fantasías de exclusión y muerte. Se ciernen sobre ella los malestares del asma; los descuidos de un padre negligente; las ausencias prolongadas de una madre viajera; la enfermedad de Jimena, su tía y amiga cercana; la violencia de un entorno político cada vez más hostil; la memoria de las gestas fallidas de los próceres y héroes de nuestra historia. Y para colmo, la peor de las noticias: el nacimiento próximo de un hermano, el hecho de que en su activa fantasía tanática la sacará de modo definitivo de escena, hasta volverla invisible.

La película fecha y sitúa la acción. Transcurre entre los meses finales de 1982 y los primeros días de mayo de 1983. Son tiempos de horror y masacres como la de Uchuraccay. Hechos vistos y filtrados por la mirada curiosa y penetrante del personaje de Cayetana, que impone su punto de vista en la película.

Pero son también épocas de transformación. En compañía de la niña asistimos a un proceso de ruptura, tránsito y reintegración problemática a la familia y la vida social. Desde que se entera del embarazo de la madre hasta el nacimiento del hermano, Cayetana se sitúa en el umbral. La película la sigue en esa fase de tránsito a través de una multiplicidad de incidentes. Ellos le permiten despejar las ilusiones sobre su padre, al que aprende a llamar Francisco, para aceptar al nuevo esposo de su madre, aunque sea un deportista perdedor. Comprobar que la muerte ronda en torno de Jimena, de los héroes o de tercos animales, como los cuyes, que ella trata de salvar pero que regresan a la jaula para terminar en la parrilla. Pero también encontrar su afinidad esencial con la vida, a través de la empatía póstuma con el chofer y el gesto final hacia el hermano al que ofrece torpes y apurados “soplos de la vida”, como antes vertió leche sobre los moribundos gatos.

Lo mismo ocurre con los miembros de su familia. En esos meses comprueban que ya perdieron el control de sus tiempos, espacios y diversiones. La madre acelera contra el tráfico para atravesar un Centro de Lima amenazante; los padres y abuelos cambian la casa de mosaicos sevillanos donde reciben la Navidad cantando villancicos por una playa de Ancón desbordada donde su lancha será empujada y conducida por niños de otra clase y otro lugar; Ramón es despojado de sus prendas y trofeos deportivos por una incursión aleccionadora de los terrucos en la mansión de campo. Desde un punto de vista de clase, es el tiempo en que las escenografías familiares se degradan: el interior del auto familiar da cuenta de ello. Don Isaac (Melchor Gorrochátegui), el chofer de la familia, pleno de bonhomía, que conduce mientras escucha canciones criollas, es reemplazado por un ‘chaleco’, conductor del auto, ahora protegido por unas lunas polarizadas que pretenden una invisibilidad que Cayetana rechaza a gritos.

“Las malas intenciones”, más allá de algunos altibajos –concentrados en las escenas “imaginarias”–, muestra un estilo personal, una sensibilidad, un humor singular, una dirección artística impecable, una de las actuaciones más sorprendentes y emocionantes del cine peruano –la de Fátima Buntinx–, un temple narrativo y un mundo particular más bien oscuro y obsesivo que ya se vislumbraba en los cortometrajes de Rosario García Montero, una realizadora a tener muy en cuenta.

DAÑO COLATERAL: Significativa polémica sobre derechos humanos provocada por una caricatura de Carlín

2011-10-09T01:58:00.005-04:00

La caricatura de Carlos Tovar (Carlín) que arriba aparece fue publicada por el diario limeño La República el pasado 7 de octubre. Al día siguiente, el mismo medio acogió la carta de Horacio Delgado que argumenta contra esa imagen resumiendo algunas de las razones esgrimidas por el sector de las fuerzas armadas que se opone a las investigaciones por violaciones de los derechos humanos. El dibujante responde en la misma página.

Reproduzco en este post esos tres documentos, cuya significancia no debe pasar desapercibida.

Daño colateral

Señor Director:

Con respecto a la caricatura de hoy (ayer) de Carlín, pregunto: ¿Qué contribución brinda al esfuerzo de esta guerra, que también es suya? Él es peruano y goza de los beneficios directos e indirectos de esta guerra que vivimos y ganamos.

Una guerra es eso, una guerra. Tiene sus consecuencias, y generalmente, son más malas que buenas. Pero las consecuencias de no hacer nada, son peores. Los excesos son, lamentablemente, inevitables, y cuando son de los vencedores se conocen como “daño colateral” y cuando son hechos por los vencidos, “crímenes de guerra”. Los militares son los primeros en lamentar las guerras. Asimismo, nuestro Perú es el único país donde los vencedores de una guerra terminan enjuiciados. Basta con ver casos de la historia y actuales. Incluso hay películas recientes que ayudan a ilustrar toda esta “niebla de guerra”. Quizá él no esté de acuerdo con la existencia de las FF.AA., pero hay que ver varios Estados fallidos actuales para entender su necesidad.

Como buen caricaturista que es lo invito a que indague más en la indignación de tantos de los que comentan de buena o mala forma, que pida ir al VRAE, a Pichari y alrededores, que conviva con la gente de las FF.AA. que opera ahí y vaya con ellos de patrulla. Que sienta la falta de logística, de tecnología necesaria y existente pero de la que carece nuestro Perú, la falta de amparo legal, las incertidumbres y dilemas a los que se exponen al no saber si serán felicitados o enjuiciados. Quizá después de eso pueda hacer una caricatura más objetiva y que realmente contribuya desde su trinchera a este esfuerzo de guerra del que también se beneficia.

Horacio Delgado

Respuesta

Lamento discrepar con el Sr. Delgado cuando dice que los excesos del vencedor son simplemente “daños colaterales” y menos considero que sean inevitables. El maltrato de los prisioneros está condenado por las propias leyes de la guerra.

En EE.UU., a pesar de la orientación claramente derechista del anterior gobierno, se ha condenado y sancionado los abusos cometidos en la prisión de Abu Graib por soldados estadounidenses. En la operación de rescate de los rehenes de la embajada japonesa, en Lima, se infiltró, por orden de Montesinos, un comando siniestro, dirigido por un coronel Zamudio (ahora prófugo) que manchó la operación, y el uniforme, al liquidar a prisioneros rendidos e inermes. Exigir que se castigue a los culpables de ese delito no es atacar a las FF.AA. sino, por el contrario, defender la limpieza de las mismas y el honor de los uniformes que vistieron Grau y Bolognesi. Tampoco creo que los espantosos asesinatos de indefensos campesinos, incluidos mujeres y niños, que por desgracia se cometieron en varias comunidades de la sierra, hayan contribuido en nada en la derrota del terrorismo, ni mucho menos que fueran inevitables.

Carlos Tovar

ÉXODO / LLAQTA PUCHUKAY - HISTORIAS DE MIGRACIÓN Y VIOLENCIA EN LAS PINTURAS DE SARHUA: Inauguración hoy 1 de setiembre en la Galería Pancho Fierro

2011-09-01T19:24:00.015-04:00

Este jueves 1 de setiembre, a las 7:30 de la noche, Micromuseo (“al fondo hay sitio”) inaugura en la Galería de Arte Pancho Fierro de la Municipalidad Metropolitana de Lima una inquietante exposición histórica. Bajo el título bilingüe de Éxodo / Llaqta puchukay, la curaduría de Gustavo Buntinx y Gabriela Germaná recopila casi un centenar de imágenes para desentrañar los modos en que esas obras codifican las experiencias extremas de migración y violencia vividas por los campesinos del pueblo ayacuchano de Sarhua entre 1980 y 2000.

Dos décadas traumáticas en las que los pobladores de esa región vieron su comunidad devastada por las incursiones tanto de los subversivos como de los militares, con un grave costo en vidas asesinadas o expulsadas hacia las ciudades de Ica y de Lima. Una tragedia silenciada por la casi total ausencia de registros periodísticos u oficiales, pero reconstruida por los propios pobladores que han encontrado en sus particulares y antiguas tradiciones pictóricas un arma poderosa para los combates por la memoria.

Así procura evidenciarlo esta exposición, confrontando la pintura pasada de los campesinos con las creaciones testimoniales más intensas de los migrantes que en la capital reinventaron esas manifestaciones tradicionales para mejor expresar las heridas y evocaciones de sus vidas trastornadas.

La muestra reúne, por vez primera, las imágenes fundacionales de las tres principales series temáticas hoy identificadas con la plástica de Sarhua: la remembranza de la cultura y las costumbres rurales; el trastrocamiento brutal de esas tradiciones por la guerra; la ardua y atormentada construcción de una existencia nueva en la gran ciudad.

El efecto de conjunto es el de una portentosa sublimación cultural. Una gran creación iconográfica, paradójicamente surgida durante el momento más difícil y letal en la vida republicana de Sarhua. Una prueba de connotaciones incluso bíblicas, como lo sugiere el nombre principal de esta muestra –Éxodo– tomado de los propios cuadros. Un término traducido al quechua por sus artífices como Llaqta puchukay: el acabamiento fáctico de un pueblo.

Y su renacimiento artístico.

Esta exposición es la tercera entrega de la serie Partes de guerra,

una iniciativa de Micromuseo que busca rescatar

el registro sensible de las experiencias de violencia y dictadura

vividas en el Perú durante las traumáticas décadas de 1980 y 1990.

"EJÉRCITO ROSA" EN EL PROGRAMA "MESA DE NOCHE" DEL CANAL N

2011-07-16T14:52:00.006-04:00

Sigue siendo impresionante la concurrencia masiva de visitantes a la actual exposición de Micromuseo, Ejército rosa: la feminización de lo marcial (1992-2011). A ese interés popular se le vienen sumando comentarios y reportajes diversos en la prensa. Cuelgo en la apertura de este post el reportaje transmitido la semana pesada en el programa Mesa de Noche del canal Plus TV de la televisión peruana.

La muestra continúa hasta el 31 de diciembre en la Sala Luis Miró Quesada Garland de la municipalidad del distrito limeño de Miraflores, en la esquina de la avenida Larco y la calle Diez Canseco. El horario de atención es de las 11 a las 21 horas, todos los días salvo los lunes. Mañana domingo 16, sin embargo, la galería estará cerrada por razones excepcionales.

"EJÉRCITO ROSA" BATE TODOS LOS RECORDS DE CONCURRENCIA EN LA SALA LUIS MIRÓ QUESADA GARLAND. Hoy jueves 14, visita guiada con Buntinx, Coca y Tokeshi

2011-07-14T16:31:00.007-04:00

Video con imágenes de algunas de las obras expuestas en Ejército rosa, preparado por la Sala LMQG

Con la exposición Ejército rosa: la feminización de lo marcial, Micromuseo ha logrado batir todos los récords de número de visitantes registrados durante las varias décadas de existencia de la Sala Luis Miró Quesada Garland de la Municipalidad de Miraflores. En apenas cuatro días de apertura al público (los lunes la galería cierra por mantenimiento) son ya seis mil setecientos sesenta y cuatro (6,764) las personas que han sucumbido al magnetismo de sus irradiaciones fucsias. El solo sábado 9 de julio fueron dos mil doscientos noventa y cuatro (2294) los concurrentes que pugnaron por someterse a esos fulgores, generando incluso algunos problemas de control de multitudes.

Esas cifras se tornan aún más alentadoras si se considera la complejidad de las propuestas que se articulan bajo la pulsión retiniana de las provocadoras obras allí reunidas. Imágenes perturbadoras que condensan arte, sexo, política, violencia, exigiendo lecturas que van desde la estética hasta la historia, pasando por el sicoanálisis y la antropología.

Un festín para los sentidos. Y para el sentido mismo.

Para ponderarlo, en la noche de hoy, jueves 14 de julio, a las 19:30 horas, se ofrecerá una segunda visita guiada abierta a todo público. Participarán en ella el curador (Gustavo Buntinx) con dos de los artífices expuestos: Claudia Coca y Eduardo Tokeshi.

EJÉRCITO ROSA: LA FEMINIZACIÓN DE LO MARCIAL. Hoy jueves 7 de julio se inaugura exposición de Micromuseo en la Sala Luis Miró Quesada Garland

2011-07-06T20:56:00.016-04:00

Este jueves 7 de julio, a las 7:30 de la noche, Micromuseo ("al fondo hay sitio")inaugura en la Sala Luis Miró Quesada Garland de la Municipalidad de Miraflores una exposición de altos rigores y provocaciones. Bajo el nombre de Ejército rosa: la feminización de lo marcial, la curaduría de Gustavo Buntinx ensaya una mirada oblicua a nuestra más reciente historia plástica. Y política.

"A la guerra interna durante la República de Weimar Peruana (1980-1992)", argumenta el ensayo que sustenta la muestra, "le sucedió una dictadura que hasta el 2000 pretendió imponernos sus políticas fascistoides de la marcialización y del simulacro. Una paralizante condición de época que intenta prolongarse hasta nuestros días, pero desde el primer momento enfrentada por la escena artística en sus franjas más críticas. Que son a veces las más paródicas: la feminización de lo marcial ha sido una de sus principales estrategias refractarias a la militarización de los sentidos y del sentido común. La revelación y liberación oblicua de las tensiones sexuales atrapadas en la regimentación castrense".

Esta muestra explora cierta línea rosa de resistencia artística a todo ello. Una educación cívica distinta, tal como se desarrolla a partir de 1992, el propio año del golpe de estado, desde algunas de sus expresiones más agudas.

Es interesante la frecuencia con que resultan ser mujeres (pero no siempre) quienes con mayor fricción entonan esos cantos paralelos. Fricción y drama y gracia y perturbada ambivalencia. Sexual, racial, política. Mediante estrategias sesgadas, como la sensualización del uniforme o la cópula utópica de los vehículos motorizados de la guerra, incluso el empoderamiento fálico de la mujer, est@s artífices logran un comentario cifrado a las identidades cambiantes y los vaivenes inciertos de violencias que entre nosotros se desatan sin derrotero previsible.

La feminización de lo marcial se constituye de ese modo en un recurso privilegiado. Casi un signo de los tiempos. Así procura comprenderlo esta exposición, reuniendo obras de una docena de los protagonistas más agudos y reconocidos de nuestra escena: Patricia Bueno, Patricia Camet, Claudia Coca, Natalia Iguíñiz, Luz Letts, José Antonio ("Cuco") Morales, Cecilia Noriega-Bozovich, Eduardo Tokeshi, Susana Torres Márquez, Paul Vallejos, Alice Wagner, Moico Yaker. También Giuseppe Campuzano, quien presenta una nueva intervención de su Museo Travesti del Perú, concebida especialmente para esta ocasión.

El resultado es impresionante. Por el goce sensorial, incluso lúdico, de su notable despliegue de técnicas y talentos, sin duda. Pero también por su alto nivel de criticidad, por la complejidad de su inteligencia. Visual y política y erótica y artística (¿cuál es la diferencia?).

EL CRISTO (Y EL INKA) DE LA DISCORDIA III: EL PERÚ ARRASADO POR SUS AUTORIDADES. Alcalde del Cusco imita al Presidente y desfigura la Plaza Mayor

2011-07-02T11:33:00.015-04:00

Continúa imparable el arrasamiento edil –o ejecutivo– de todo lo que en nuestro país queda de bello o natural o digno. A la vergüenza cósmica del monumento fariseo al llamado Cristo de la Discordia –erigido por orden del Presidente con las baratas fibras de vidrio que caracterizan a la estética "Las Vegas" de los casinos locales– se le suma ahora un monigote ridículo (¿de bronce?) que desfigura la histórica Plaza Mayor del Cusco con la pretendida semblanza de un Inka (pobres Inkas). Los argumentos con que el alcalde Luis Florez justifica este despropósito ponen de manifiesto su ignorancia abismal de cualquier noción de arte, de historia, de cultura, de urbanismo. De ciudad y de ciudadanía: el burgomaestre se niega incluso a entregar cuentas e informes técnicos, ubicándose en una actitud probablemente delictiva.

Por cierto, la Dirección Regional de Cultura (DRC) ha exigido ya a la Municipalidad del Cusco que retire el esperpento. Pero ese acto elemental de justicia y sentido común se ve socavado de antemano por la desdichada defensa que el Ministro de Cultura, Juan Ossio, hizo de la ya citada violentación del Morro Solar.

Esas declaraciones últimas constituyen uno de los documentos más trágicos, más tristes, de la historia intelectual del país. Al respecto reproduzco a continuación la carta abierta al Ministro de Cultura circulada hace pocos días por Víctor Vich. No comparto necesariamente el calificativo final sobre el Presidente, pero en todo lo sustancial su argumentación es impecable.

CARTA ABIERTA AL MINISTRO DE CULTURA

Víctor Vich

Quizá en un país como el Perú nada hubiera podido impedir que Alan García instalara ese Cristo en el Morro Solar. La falta de instituciones (y de unos medios de comunicación que nunca ayudan a redefinir la política) da pie a que ella siga entendiéndose como la necesidad de hacer “grandes obras” y nunca como la urgencia por construir aparatos institucionales sólidos y descentralizados que impidan el paso de la autoridad al autoritarismo. La falta de instituciones en el país promueve que un Presidente, cual Rey, pueda hacer lo que quiera, como quiera y donde quiera.

Pero en esta historia del Cristo en el Morro Solar, sí hay un responsable adicional y es necesario decirlo aunque ello me cueste el saludo y la amistad universitaria. Me refiero al Ministro de Cultura Juan Ossio. Me explico mejor: si ha existido alguna autoridad que pudo haber contribuido a frenar tal barbaridad, esa debió haber sido el Ministro de Cultura, quien debió mostrar su disenso y no defender lo indefendible. ¿Por qué no lo hizo? La respuesta no es difícil: porque en el Perú hasta los sectores más ilustrados siguen entendiendo la política como una “prebenda” y como un conjunto de favores que hay que agradecer; porque en el Perú la política sigue siendo una suma de complicidades con el “amo tutelar” a quien nunca hay que cuestionar y al que hay que apañar en todos su engreimientos.

El Ministro Ossio debió discrepar de tal atentado contra la ciudad y liderar la oposición contra ese monumento vergonzoso que es una ofensa múltiple a nuestra propia tradición religiosa, al espacio público, a todos los artistas del país y a las propias políticas culturales que en este momento muchos colectivos, intelectuales y activistas están intentado ejecutar en el Perú. El Ministro Ossio debió renunciar a su cargo y hacer entrar en razón al presidente, o enfrentarse a él. Quizá, si él renunciaba, hubiera existido una pequeña crisis de gabinete y algo se hubiera podido negociar. El propio Ministro hubiera podido liderar la oposición con todo el sector cultural y ello hubiera contribuido a su mayor cohesión. No conozco a nadie del sector cultural que se encuentre a favor de ese monumento atroz e indefendible. No hay que ser ningún radical para afirmar que se trata de una obra absolutamente demencial.

Pero lo que más llama la atención de toda esta historia es que el Ministro Juan Ossio sea un antropólogo de profesión, es decir, una persona que apuesta por las particularidades locales y que las defiende y las fomenta. La antropología, hasta donde yo sé, hace todo lo contrario a promover la imitación burda de otras culturas y ha sido justamente esa disciplina la que ha descubierto que ese tipo de prácticas son siempre un gesto autoritario de poder.

Da mucha pena que el Ministerio de Cultura termine así su primer periodo de funcionamiento. Hoy sabemos que la aprobación de tal monumento sólo duró un día en Ministerio de Cultura. Es muy triste haber descubierto eso. O quizá haya que decirlo mucho más académicamente: en lugar de convertir a la cultura en un agente que contribuya a la construcción de una mayor ciudadanía garantizando, sobre todo, el derecho de las minorías, lo que hoy tenemos son las muertes de Bagua, Islay, la crisis actual con la comunidad Aymara y los decretos que fomentan la impunidad en la gestión pública; en lugar de utilizar la cultura para introducir nuevas representaciones que cuestionen a los poderes existentes, lo que tenemos es un ministerio que se somete al poder y que avala la imposición de una copia. Mucho más aún: en lugar de fomentar a la cultura como la instancia más crítica de una sociedad (al estilo de la crónica de Guamán Poma), lo que hoy se nos entrega es su conversión en una institución servil a un presidente loco. Tristísimo. O patético, por decir lo menos.

CORPUS CHRISTI / TAITA SARA: La sexualidad andina de Cristo

2011-06-23T18:54:00.020-04:00

Carmen Reátegui. Taita Sara. 2011.
Pictoinstalación (óleo e impresión sobre tela, piedra de Huamanga, pan de oro, paño, vidrio, acero).
(Detalles del cuadro superior y del sarcófago inferior).

Hoy, 23 de junio, es Corpus Christi, la conmemoración católica del misterio supremo del Cuerpo de Cristo, su corporalidad divina y terrena al mismo tiempo, sufriente y sanadora. Circunstancia precisa para desplazar la gran polémica sobre el monumento megalómano al llamado Cristo de la Discordia, ilegalmente impuesto al histórico Morro Solar por Alan García durante los últimos días de su presidencia.

Ante tanta miseria, política y estética, permítaseme por un momento desviar la mirada hacia el arte otro, el arte genuino, que ensaya aproximaciones propias y discretas –auténticas– a la religión y sus tradiciones. Una espiritualidad atenta también a nuestras circunstancias. Humanas, sin duda. Pero además históricas y telúricas.

Con ese fin publico ahora un escrito mío que me importa de manera singular, quizá por ubicarse tan fuera del registro hegemónico en la república de las artes. Y en nuestros desangelados tiempos sin Dios. Lo redacté hace exactamente un mes, con motivo de la primera presentación –íntima y doméstica– de la última de las varias conmovedoras ofrendas con que Carmen Reátegui nos viene inquietando desde hace varios años. Se trata esta vez de Taita Sara, una sugerente transfiguración de la Lamentación ante el Cristo muerto de Mantegna, cuya imagen reproduzco al finalizar el texto entero, que consta de tres partes. La Trinidad.

CORPUS CHRISTI / TAITA SARA

Gustavo Buntinx

–I–

La teología vuelve a ser una praxis de radical vigencia. De radical urgencia en nuestros tiempos liminares, transicionales, transgénicos. Un umbral impredecible para la condición humana, para su propia naturaleza en mutación incierta. Para la espiritualidad nueva que así emerge, intuitiva y dispersa entre los signos cruzados de la catástrofe y del resurgimiento.

No puede ser casual que la imagen sexualizada de Jesús esté otra vez en el vórtice de tantos procesos artísticos actuales, analogando la revolución post-humana de esta era con la revolución humanista del Renacimiento: ese momento singular de Occidente en el que desde la plástica se generaliza la ostentación de los genitales de Jesús, de la cuna a la tumba, asociando incluso perturbaciones íntimas y misterios místicos al vincular erección y resurrección. La potencia manifiesta de la Encarnación en toda su plenitud y su gloria.

Una ostentatio genitalium comparable a la canónica ostentatio vulnerum, la exhibición de las heridas de Cristo. Así lo argumenta Leo Steinberg en el revolucionario estudio de 1983 que analiza cientos de esas imágenes, no como meras ilustraciones de doctrinas textuales sino como fuente primaria y fuerza viva en la forja nueva del pensamiento religioso. Un protagonismo de la reflexión icónica que pareciera ahora reeditarse en el Perú mediante varias expresiones impactantes. Desde las eruditas promiscuidades neo-barrocas del proyecto A Imagen y Semejanza, por ejemplo, hasta las vertientes populares exploradas por Christian (Cristiano) Bendayán. Pasando por la exaltación fílmica de Madeinusa, la película iniciática de Claudia Llosa. Y culminando ahora en Taita Sara, la última, la más cargada y densa de las múltiples ofrendas con que Carmen Reátegui ha permeado los límites entre arte y religión, entre representación y ritual, a lo largo del milenio que se inicia.

–II–

Los límites también entre culturas y entre razas y entre géneros. Desde el título mismo: “taita” es una expresión española pero arcaica que el quechua incorpora y actualiza como afectuosa denominación paterna, y en particular para el Padre celestial. “Sara” es el nombre nativo, el nombre originario del maíz, la planta oriunda y genésica de América cuyo fruto reúne sugerencias masculinas y femeninas. Pero el azar no existe, y Sara es además la esposa de Abraham, quien aún estéril y anciana conocerá la fecundidad anunciada por Yaveh (Gen. 18:9-15), como en una premonición veterotestamentaria de la Anunciación mayor referida en los evangelios (Lucas 1: 26-38, Mateo 1: 18-21).

Polisemias puestas al servicio de un mestizaje otro en la obra de Carmen, mixta también en sus condensaciones de sentidos, de lenguajes, incluso de técnicas: fotografía, impresión, óleo, talla, sobredorado, confluyen para una reinterpretación subyugante de la pintura escultórica de Andrea Mantegna, su dibujo casi pétreo, consagrados para siempre en la admirada imagen suya del Cristo yacente. El cuerpo carnal de Jesús transfigurado por Reátegui mediante las infiltraciones pictóricas de maíces que se traslucen o asoman entre sus pies y entre sus piernas y en el bajo vientre. Hasta por último materializarse en el gran sarcófago de acero y cristal que bajo el lienzo contiene otro sudario desbordado por choclos marmóreos. La reafirmación andina, subvertida, del más grave ilusionismo en el Mediterráneo clásico.

El cuadro escogido no podía ser más pertinente. La Lamentación sobre el Cristo muerto fue pintada por Mantegna a fines del siglo XV, acaso para su propia capilla funeraria. Una sobrecogedora obra maestra que aún hoy sorprende por la violencia compositiva de su escorzo impresionante, privilegiando al centro mismo de toda mirada la poderosa insinuación genital bajo el drapeado mórbido de una mortaja que deja además el torso expuesto a la contemplación mística. O sensual.

O doliente: a un costado asoman el perfil orante de San Juan y el de la Virgen, cuyo llanto magnifica el pañuelo de pliegues análogos a los del sudario. El detalle es significativo: según la tradición popular, son las lágrimas no contenidas por ese paño las que transfiguran con vetas blancas el mármol rosáceo bajo el bulto divino. La Piedra de la Unción, cuya más antigua imagen es precisamente este cuadro, quizás el modelo para la losa que en la Basílica del Santo Sepulcro se venera como auténtica desde el siglo XIX, en reemplazo de otra de origen medieval perdida tras la Cuarta Cruzada (1204). El nombre deriva del hecho que la escena descrita por Mantegna es la preparación del cadáver con telas y ungüentos (“tomaron pues el cuerpo de Jesús, y envolviéronlo en lienzos con especias, como es costumbre de los Judíos sepultar”, Juan 19:40), y así lo confirma el atributo marginal pero definitorio del frasco que contiene los aceites sacros.

En una decisión crucial, Reátegui mantiene esa presencia casi imperceptible, aún cuando desaparece las muy marcadas del apóstol y María para mejor exacerbar el efecto dramático de la perspectiva. Un efecto finalmente sexual: es Cristo entero el que así deviene falo, en los sentidos arcaicos del principio libidinal, pero también en los términos lacanianos del Nombre-del-Padre, significante de todo significado. Incluso del significado femenino más amplio: a las sugerencias viriles del zuro o de la coronta se le suman las ovulares de los granos que de ese miembro se desprenden. Como en el conjunto de esta obra se desprenden las representaciones pictóricas del maíz para transmutarse en los volúmenes de las amorosas esculturas en Piedra de Huamanga, ese alabastro andino tan propio de Ayacucho, el “rincón de los muertos” en quechua.

El rincón de los muertos: la alusión inevitable es aquí también a las violencias terribles que en las últimas décadas asolaron a esa región y desde allí al país entero. Una fractura histórica, una falla casi geológica, que sin embargo exhala aires de redención. Como las lágrimas de la Virgen aquí trastocadas en choclos germinales. Como las emociones eróticas provocadas por las impresionantes heridas de Jesús, las cavidades insinuantes de su cuerpo penetrado. Su religiosidad perverso-polimorfa.

–III–

Su fecundante ser fecundado: el sacrificio deviene don, condensa ofrenda y gracia. Corpus Christi, transustanciación y promesa de vida nueva, incluso en la propia materialidad de la obra, su presencia fáctica o representada: la pintura tórnase talla, el vegetal vuélvese mármol. Y éste eleva entre sus fragmentos los oros que recubren a un solo alabastro erecto. Como los perfumes rituales recubrieron al cuerpo transicional del Hijo: el Cristo, el Kristos, el Mesías, el ungido, en la cadena etimológica que nos devuelve a los sentidos allí enterrados del griego y el hebreo.

Los sentidos exhumados de la tierra misma. De la tierra toda, pero sobre todo de la rota tierra peruana. Ese lecho de maíces pétreos es también la dislocada, la ambivalente geografía nuestra. La patria, la matria, la madre patria, tantas veces quebrada por la historia y recompuesta por el arte, por el mito, por el espíritu. Santo.

No hay Resurrección sin Viernes Santo.

Andrea Mantegna..Lamentación sobre el Cristo muerto. ca. 1480-1490.
Óleo sobre tela. Pinacoteca de Brera, Milan.

EL CRISTO DE LA DISCORDIA II: Nuevo manifiesto contra la violentación del Morro Solar de Lima

2011-06-17T23:50:00.008-04:00

El presidente del Perú, Alan García Pérez, agota los últimos días en el gobierno imponiéndole arbitrariamente a la ciudad sus delirios monumentales: una trillada escultura de proporciones y efectos megalómanos (treinta y siete [37] metros de altura, veinte [20] juegos de luces), que ya el ingenio popular ha empezado a denominar el Cristo de la Discordia. Pero crecen las expresiones razonadas contra esa política de hechos consumados que violenta la historia y la naturaleza del Morro Solar en el distrito limeño de Chorrillos. Reproduzco a continuación otro de los manifiestos que sobre el tema circulan en la red:

CONTRA LA VIOLENTACIÓN

DEL HISTÓRICO MORRO SOLAR

Sin que medie consulta técnica alguna ni concurso público, el presidente Alan García ha ordenado imponer en el Morro Solar de Chorrillos, Lima, un Cristo gigantesco que remeda al del Corcovado en Río de Janeiro. Ante este acto ilegal que violenta uno de los espacios más emblemáticos del paisaje urbano y natural de Lima, manifestamos lo siguiente:

a) Los gobernantes no son dueños del espacio público y no pueden hacer con él lo que les da la gana. Los gobernantes deben generar una mayor participación ciudadana en la toma de decisiones y deben ser los principales articuladores en la búsqueda de consensos políticos. Desde su Título Preliminar, el Código del Medio Ambiente y los Recursos Naturales que rige como ley mandatoria en todo el país, se establece el derecho inalienable de los ciudadanos “a la preservación del paisaje y la naturaleza”, precisándose además que “todos tienen el deber de conservar dicho ambiente”. Las autoridades tienen que ser las primeras en cumplir la ley sometiendo a consulta técnica y a concurso público cualquier intervención en el espacio de todos. La ciudad es de la ciudadanía, no de los gobernantes de turno.

b) Desde los tiempos prehispánicos y coloniales, el Perú es un país rico en simbologías religiosas que han respetado su contexto integrándose al paisaje con sensibilidad y mesura, como es el caso de tantas huacas y las llamadas cruces-de-camino. El despropósito de García es un acto de desprecio a esa tradición propia, reemplazándola por grandilocuencias retóricas que empobrecen no sólo a la ciudad sino además a la espiritualidad genuina. Es el propio sentimiento religioso el que se ve agraviado por esta manipulación grotesca.

c) Las imágenes que hasta ahora se han difundido de esta infeliz iniciativa ponen en evidencia su extrema pobreza artística, agravada por la megalomanía implícita en sus dimensiones extravagantes. Esto atenta contra todo sentido actual y democrático de lo que deben ser las intervenciones urbanas, particularmente en zonas tan cargadas de valores históricos y naturales como el morro que define a la gran bahía de la ciudad, sobre el que además se libró una de las batallas decisivas de la Guerra del Pacífico.

d) No podemos continuar construyendo nuestra modernidad sobre la base de imitaciones y copias. Las distintas ciudades del mundo son atractivas por sus particularidades locales y una capital como Lima (y un país tan pleno como el Perú) no debe perder su identidad improvisando versiones degradadas de monumentos de otros contextos.

e) En el Perú existen importantes artistas y colectivos culturales de primer orden que casi nunca son convocados por las autoridades existentes para enriquecer el espacio público con la potencia de sus símbolos. La ausencia de políticas culturales ha generado una perversa inercia en las autoridades que se han acostumbrado a trabajar al margen del sector artístico, favoreciendo intereses particulares para dudosos emprendimientos monumentales. Una escultura como la que se pretende imponer hoy en la ciudad ofende a nuestro trabajo y a nuestra creatividad.

f) La imposición en la ciudad de esta imagen trasnochada de Cristo responde a una tradición autoritaria. Rechazamos tajantemente tales hechos y aspiramos a que los nuevos gobernantes corrijan tales actitudes, comenzando a construir una verdadera cultura cívica en el país.

Lima, junio de 2011

EL CRISTO DE LA DISCORDIA I: No a la violentación del Morro Solar

2011-06-12T15:28:00.013-04:00

Transcribo con urgencia el manifiesto de alarma y resistencia cívica lanzado por el arquitecto Augusto Ortiz de Zevallos ante el inminente agravio contra el histórico Morro Solar de Chorrillos, en Lima. Un despropósito penosamente propiciado por el saliente presidente de la república, Alan García Pérez, al imponer la erección de un Cristo de proporciones y características hiperbólicas –treinta y siete (37) metros de altura y luces con más de veinte (20) colores diferentes– sobre uno de los espacios más distintivos de nuestro paisaje y de nuestra historia (allí se libraron algunas de las batallas finales por Lima durante la Guerra del Pacífico).

Prescindo de comentarios mayores, dada mi concordancia plena con este elocuente comunicado, pero me permito tres señalamientos puntuales:

1. Destacar que nada en esta discusión tiene que ver con la fe religiosa. De hecho, la Iglesia debería ser una de las opositoras principales a esta iniciativa que manipula y malversa tan groseramente los símbolos cristianos.

2. Insistir en que sea la autoridad la primera en cumplir la ley, sometiendo a consulta técnica y concurso general cualquier intervención en el espacio público. No hay derecho local o internacional o cósmico que autorice un ejercicio tan arbitrario y despótico del poder por parte de funcionario alguno, y en particular durante la agonía final de su régimen. No creemos estar bajo una dictadura fascista o comunista (¿cuál es la diferencia?). Devolvamos la ciudad a la ciudadanía.

3. Precisar que el modelo verdadero para el monumento megalómano de Alan no está en Río de Janeiro sino mucho más cerca, en Chosica, donde un alcalde inenarrable ha terminado de destruir con estructuras esperpénticas lo que antes fuera uno de los espacios urbanos más armoniosos y gratos del país. Me refiero, en este caso específico, al "Cristo de Corcovado" que Luis Bueno –acaso el burgomaestre más enjuiciado del Perú– perpetró inconsultamente para arruinar una de las vistas emblemáticas de los antes espléndidos cerros de esa ciudad. Podrá causar extrañeza la cortedad de miras del presidente García, pero en realidad nada sorprende ya después de su extravagante alianza con otro muy cuestionado alcalde, Carlos Burgos de San Juan de Lurigancho, para el desmembramiento absurdo de Lima Metropolitana.

Impresionante la persistencia con que en el Perú agravamos nuestras proverbiales carencias sometiéndones a mandatarios aún más carenciados (aunque excepciones hay).

En el país de los tuertos, el ciego es rey.

CONTRA LA VIOLENTACIÓN DEL PAISAJE DE LIMA

Arq. Augusto Ortiz de Zevallos

No hay ni razón ni derecho para que Lima sea violentada en su paisaje mas distintivo, el litoral y la bahía, con esta implantación de una gigantesca estatua que además de empequeñecer el histórico Morro Solar y alterar nuestro espacio urbano y natural es una parodia tardía de otra, el Cristo del Corcovado de Rio de Janeiro, cuyo simbolismo y correspondencia con su paisaje son otros y ajenos.

Lima es Lima. Una ciudad anterior y diferente de otras. Su paisaje, su geografia y su hechura urbana no son ni deben ser copias ni calcos ni ecos de otras. Y menos sin sentido de tiempo de significado y de lugar. Este anacronismo monumentalista y retórico, cuyo primer antecedente hace dos milenios fue el Coloso de Rodas, fue retomado en el siglo XIX en operaciones de prestigio nacional de tono imperial conmemorativo y grandilocuente como en los casos celebratorios de la Estatua de la Libertad, torres seguidoras de la Eiffel y faros u obeliscos. Modas que llegaron con su monumentalismo hasta los años 40 y siempre como distintivo de poderes e ideologias autoritarios. Franco, Stalin, Mussolini y por cierto Hitler, además de Mao y la Europa del Este de Ceaucescu o muchos regímenes militares, han entendido el espacio publico como uno subordinado para dar mensajes y no para vivir la ciudad como una experiencia creativa viva y plural. Por eso hace medio siglo o más que en las ciudades y mentalidades modernas estos gestos y presencias fetichistas no se hacen más. Y en todas ellas cualquier iniciativa de esta naturaleza sería materia de información, debate y consulta, además de la obvia exigencia intelectual para cualquier diseño que pretenda corresponder en tiempo y lugar a su encargo de tener pertinencia en sus referentes al país y la ciudad.

Y esta imposición violenta también la naturaleza laica de nuestra ciudad y nuestro país. El propio Haya de la Torre objetó y esclareció en su momento los gestos de similar grandilocuencia que quiso implantar un régimen autoritario.

Esto es un despropósito sin sentido ni validez. Ni estética ni histórica ni simbólica. Es un gesto desmesurado y autoritario que invade una vez más el fuero municipal y devalúa la ciudadanía de los limeños al imponerles por sorpresa y con una politica de hechos consumados lo que la ciudad ni conoce ni necesita ni aprueba.

Los ciudadanos de Lima exigimos detener este abuso.

No a la estatua del Morro.

El "Cristo de Corcovado" del arruinado distrito de Chosica.

Patético modelo de la megalomanía monumental
que el agónico régimen de García
pretende imponer al histórico Morro Solar de Chorrillos.

SU CUERPO RESPIRA: La cumbiera intelectual, contra la resaca electoral (peruana)

2011-06-07T10:31:00.014-04:00

Se evitó lo peor, qué duda cabe. Sobre lo que vendrá serán los hechos –no los oráculos– los que nos permitirán opinar con fundamento. Pero quedan enseñanzas. Una de ellas es que la política resulta demasiado importante para dejársela a los políticos. Otra es la pregunta reactivada sobre el lugar de los intelectuales en un activismo nuevo que sirva como propulsor y garante de democracia. Tema amplísimo y urgente y denso sobre el que ojalá tenga posibilidad de volver. Me limito, por el momento, a sacudir ciertas tristezas con La cumbiera intelectual: música suave y caliente y graciosa (plena es de gracia) para repensar ese lugar. Desde el goce y desde el cuerpo que, como bien dice esta canción de Kevin Johansen, todavía respira.

ALEGORÍA Y SÍMBOLO: La "Apacheta" de Carlos Runcie Tananka se instala permanentemente en el Museo de Arte Contemporáneo de Arequipa

2011-06-04T20:39:00.017-04:00

Mejor prender un cirio que maldecir la oscuridad. A vísperas de las elecciones en que el Perú tienta otra vez el abismo, importa saludar los gestos de esperanza y regeneración articulados por y desde el arte. Hace apenas dos días, el pasado 2 de junio, el Museo de Arte Contemporáneo de Arequipa instaló en su patio y de modo permanente una de las obras más significativas de nuestra plástica actual. Se trata de la Apacheta, de Carlos Runcie Tanaka, ya exhibida en esa ciudad hace varios años pero recién ahora reconstruida con nuevos e importantes elementos que exaltan su presencia y su sentido.

"El acto tuvo como marco la inauguración de la muestra Objetos y memoria, en la que participan quince artistas visuales arequipeños, quienes junto a Runcie Tanaka celebraron así el mes de los museos", informa la nota de prensa: "La Apacheta de Runcie ocupa 66 metros cuadrados y está levantada íntegramente en sillar por alarifes de las canteras de Añashuayco, bajo la dirección de su creador, el distinguido ceramista. Esta obra es considerada un símbolo de la identidad andina, así como una representación de la identidad arequipeña por el uso del material emblemático y base de la arquitectura colonial mistiana".

Publico arriba la imagen de ese nuevo emplazamiento, y al final de este post la secuencia fotográfica de Javier Silva Meinel que registra el antecedente de la acción de 1987 en que Runcie arma y contempla otra acumulación de piedras en el desierto peruano. Además reproduzco de inmediato un texto interpretativo de esa y otras piezas, fragmento del escrito curatorial con que en 2006 acompañé la exposición Sumballein: antología rota de Carlos Runcie Tanaka, en el Museo de Arte del Centro Cultural de San Marcos.

ALEGORÍA Y SÍMBOLO

"Al productivizar la ruptura aleatoria de sus piezas, Runcie Tanaka logra una objetualidad expresiva de radical ambivalencia. Tras la voluntad simbólica de reparar lo quebrado (sumballein: juntar, reunir) asoma ese concepto de alegoría (allos agoreuin: hablar lo otro) que brota desde la exhibición irradiante de la fractura.

Pulsiones opuestas que varias piezas del artífice tornan complementarias al restablecer la unidad perdida mediante costuras y suturas dramáticamente realzadas por la aspereza visible de su argamasa. Cicatrices matéricas de alta textura a las que Runcie Tanaka se refiere con el sintomático nombre de venas. Reintegrar es aquí también evidenciar la fisura. Irritarla como en el acto de sanar echando sal a la herida.

Ya otros han señalado la importancia del vínculo que así se establece con piezas prehispánicas como las encontradas en la Galería de las Ofrendas de Chavín, o los vasos ceremoniales andinos que se exhibieron en el Centro Cultural de San Marcos, precisamente debajo de las salas ocupadas por Sumballein (el azar no existe). A veces esos objetos ofrecen a la vista dramáticos amarres que recuerdan algunos otros utilizados por Runcie Tanaka –como en aquella poderosa cortina de cincuenta grandes piezas que insinúan ondas marinas a la vez que petos corporales. Una cerámica sonora y levitante, elevada a los cielos musicales del arte por la robusta trama de cables de acero que tensa la estructura al tiempo mismo que la suspende con engañosa ligereza en el aire.

Lo que tras la recuperación arcaica o actual del fragmento pareciera expresarse es un sentido de reparación ritual y religiosa que también se expresa en el reiterado interés del artífice por la elaboración de apachetas: esos túmulos erigidos como un “pago-pagapu” a la vera de los caminos por la acumulación de piedras que van dejando los viajeros. El efecto logrado impresiona tanto por la unidad resultante como por la expresiva variedad de sus fragmentos. Alegoría y símbolo al mismo tiempo".

Carlos Runcie Tanaka. Acción en el desierto. 1987

(Fotografía: Javier Silva Meinel)

HOY CULMINA LA EXPOSICIÓN DE CECILIA NORIEGA-BOZOVICH

2011-05-27T00:29:00.030-04:00

Hoy, viernes 27 de mayo de 2011, culmina en la Galería Vértice de Lima la exposición Casa / País: Inquilina / Ciudadana, de Cecilia Noriega-Bozovich. Un proyecto en el que me inscribo no como curador sino como interlocutor: un observador a la distancia pero en continuo diálogo. Con la artífice y con sus obras, tan sintomáticas del arduo momento transicional en el que nos encontramos: de una década de rutilancias comprobadas a otra de probables oscuridades.

A continuación el texto resultante de aquellas conversaciones, publicado en el catálogo de la muestra.

CUÁN VERDE ERA MI VALLE

(Meditaciones sobre un ladrillo,
una mampara y una baldosa)

Las palabras "lujuria" y "lujo" comparten una misma raíz latina.
Luxus, dicen, habría primero aludido
a los brotes torcidos en el tronco de algunas plantas.
Luego el término se aplicó al exceso de aquellas presencias desviadas.
Y por último a toda desmesura en el refinamiento.
Ese “lujo”, esa “demasía en el adorno, en la pompa y en el regalo”,
como pulcramente nos instruye la docta Real Academia Española.
Una deformación que se transforma en estilo.
Como el barroco,
nombre originalmente acuñado para ciertas perlas preciosas por imperfectas.

Pero luxus significa también “dislocado”,
en asociación probable con el verbo luctari, o “luchar”.
Alianza y lucha de sentidos cifrados en el hechizo de las palabras.
Otra histeria: una palabra atrapada en el cuerpo.

También en el cuerpo deseante del arte.
Este arte, esta artífice
–Cecilia Noriega Bozovich–
reconstruyendo una casa imaginaria
para el hogar fácticamente acribillado.

El hogar personal.
Pero de igual manera el no menos propio, no menos doloroso,
de la comunidad inimaginada.
La nación inexistente.
La patria, la matria.
Por regenerar.

–II–

Se apaga en el Perú una década de rutilancias.
De dispendios impresionantes en algunos sectores.
También de ilusiones grandes,
desbordadas por la corrupción de los sentidos, del sentido mismo.
El blanco prístino que entre nosotros trastoca sus connotaciones impolutas
por las de la corrupción narcotizante que todo lo penetra y envilece.
Empezando por su propia materia prima. De la coca a la cocaína.
De la hoja sagrada al clorhidrato estupefaciente.

El lumpencapitalismo
que perversamente se articula desde la estructura misma del goce.
Y de las culturas originarias.
La liberación hedónica y la ritualidad andina,
trastornadas en instrumentos de opresiones nuevas.

La contaminación generalizada de los poderes públicos.
La desmoralización de la clase política.
La instrumentalización de pueblos que devienen mesnadas.
Los cadáveres esporádicos entre los desperdicios del otrora río Rímac.
De tantos ríos otros.
La profanación de la tierra.

Cuán verde era mi valle:
siempre será fantaseable la sacralidad nativa
ya exaltada desde el arte por las ofrendas amorosas de Carmen Reátegui.
O por el amoroso pespunteo vegetal
con que Marta Arroyave cose un manto cocario,
una pampa, a su preciso decir.

Pero esas imágenes icónicas de hace apenas un lustro
encuentran ahora un correlato demasiado actual
en las transparencias turbias de los polímeros
con que Noriega Bozovich atrapa hojas de coca y casquillos de balas
para hacer de ellos un ladrillo, una baldosa, una mampara.

Un ara:
esa “losa o piedra consagrada, que suele contener reliquias de algún santo”,
concebida para la celebración de la eucaristía (RAE).
Una “primera piedra” para la construcción de una iglesia.

Una ecclesia:
no un edificio sino una comunidad,
postulada aquí desde la paradoja de esta belleza constructiva
obtenida con los signos de su destrucción.
El metal quemado, el vegetal marchito,
pero enaltecidos ambos por los acrílicos
que los aprisionan y al mismo tiempo los exaltan.

Como en el ámbar,
la resina de árboles fósiles donde se transparentan insectos
o plantas capturadas en tiempos prehistóricos.
Vidas detenidas que ahora devienen
joyas excéntricas por su cárcel tornasolada.

Hay una analogía sugerente
entre esa mineralización de lo orgánico
y el lujo que Noriega Bozovich erige desde la degradación de lo sagrado.
Una sacralidad que sin embargo persiste como latencia:
atención a las connotaciones áureas
de las hojas doradas por el envejecimiento.
Y a las energías retenidas en esas prisiones:
es desde la palabra griega para el ámbar
que por primera vez se nombra la electricidad.

Atención también a la inquietante extrañeza de la materialidad así contenida.
Así reprimida:
aquello que nos es tan familiar y propio pero se desconoce y se niega
vuelve para desestabilizarnos con un reconocimiento desplazado.
Y siniestro. Unheimlich.

–III–

“No existe documento de civilización
que no sea al mismo tiempo un documento de barbarie”,
escribe Walter Benjamin.
Y suscriben estas obras desde el efecto de perturbación
logrado por su agresiva ostentación de belleza,
por su lujo dislocado.
Que es el de una guerra ignorada
sobre cuyos frutos se erige la prosperidad falaz de nuestros tiempos.

Esa violencia es el ámbar, el magma que nos congela y nos reluce.

¿Soy ciudadana o soy inquilina de este país nuestro?,
se pregunta Cecilia ante la noche que sobre nosotros asoma.
Tal vez apenas materia orgánica
atrapada en los desbordes petrificados de sus resinas.
Históricas.

LAS EXHUMACIONES DE ATAHUALPA: Conversatorio hoy martes 19 de abril

2011-04-19T14:11:00.007-04:00

Esta noche, en el Museo de Arte de Lima (MALI), una discusión de súbita actualidad: la elocuente vigencia que en el Perú mantiene la imagen de la muerte del Inca, y la fantasía de su resurrección. Las exhumaciones de Atahualpa es precisamente el título que escogí para este conversatorio en torno a las reelaboraciones contemporáneas del cuadro Los funerales de Atahualpa, realizado en grandioso y grandilocuente estilo académico por Luis Montero entre 1865 y 1867.

Aquel lienzo gigantesco se exhibió entonces primero en Florencia (donde fue pintado) y luego en los puertos americanos de Río de Janeiro, Montevideo y Buenos Aires, antes de ingresar triunfalmente a Lima. No mucho después fue llevado a Santiago de Chile como botín de guerra, hasta su retorno al Perú gracias a las gestiones personales de Ricardo Palma.

Desde el primer momento la imagen despertó enorme interés, dando lugar a reproducciones múltiples –incluso en billetes y estampillas– que se prolongan hasta ciertas formas del arte popular del siglo XX. Pero lo que más sorprende es el interés sostenido en esa composición por manifestaciones eruditas recientes: sendos poemas de Antonio Cisneros y Mario Montalbetti, por ejemplo. Y las reinterpretaciones artísticas de Miguel García, Jesús Ruiz Durand o Marcel Velaochaga.

Para discutir esa perturbadora actualidad participarán en la mesa los tres últimos, acompañados por el historiador Juan Carlos Estenssoro y este humilde servidor, que además moderará el encuentro (con característica inmoderación).

La oportunidad será propicia para visitar –una vez más– la exposición Una historia recuperada: Los funerales de Atahualpa, de Luis Montero, curada por Natalia Majluf.

La cita es a las 7:30 PM. El ingreso es libre.

REVOLUCIÓN EN LA REVOLUCIÓN XVI: "ACCIÓN TÁCTICA" EN HARVARD POR AI WEIWEI, EL NOTABLE ARTÍFICE SECUESTRADO POR LA DICTADURA COMUNISTA EN CHINA

2011-04-13T01:17:00.008-04:00

Aunque desbordado de trabajo y casi insomne, no quiero dejar de insistir en el tema ominoso del secuestro de Ai Weiwei por la dictadura comunista en China, que sólo gracias a la presión internacional admitió haberlo detenido. Aunque ahora pretende acusarlo de "crímenes económicos", en realidad se trata de una más de las muchas detenciones y otras acciones represivas con las que se pretende contener la posible expansión a ese país de los movimientos libertarios en el mundo árabe.

Ai Weiwei, como se sabe, es uno de los artífices más importantes de todo el Oriente, y así lo reconocía hasta hace poco el propio gobierno chino. El creciente giro de su persona y su obra hacia temas vinculados a la dignidad ciudadana, los derechos humanos y la libertad de expresión, sin embargo, lo han convertido en un disidente perseguido hasta el silenciamiento más burdo: las redes de internet han sido intervenidas por el régimen para bloquear las búsquedas relacionadas al nombre del artífice. (Ver posts anteriores).

Una situación harto aleccionadora para nuestra propia sociedad, la peruana, donde con irresponsable ligereza se pretende tantas veces desdeñar el valor supremo de la libertad. Importante sería que de la comunidad artística y crítica surgieran propuestas aunadas al impresionante movimiento internacional por el rescate de Ai Weiwei.

Al respecto cuelgo al comienzo de este post el video que registra la "acción táctica" realizada hace apenas cuatro días en el foro de la Universidad de Harvard que tenía desde hace meses programada la participación de Ai Weiwe. Que su presencia-por-ausencia en ese espacio nos lleve a todos a la reflexión. No hay "dictaduras buenas".

COPIO A CONTINUACIÓN EL TEXTO EXPLICATIVO CIRCULADO POR EL "COLECTIVO SACOS DE SEDA" (SILK COATS COLLECTIVE). PIDO DISCULPAS POR NO PODER EN ESTE MOMENTO TRADUCIRLO DEL INGLÉS: EL TEMA ES URGENTE Y SU DIFUSIÓN NO ADMITE DILACIONES.

On April 8th, 2011, a planned event at Harvard University's Graduate School of Design (GSD) in Cambridge, Massachusetts was briefly interrupted by a tactical action to protest the recent detention of the acclaimed artist Ai Weiwei by Chinese authorities.

The action, documented in this eight and half minute video, began shortly after the opening talk (3:50 mins into the video) with a student running to place a chair and a Chinese coat (designed by another artist who worked with Ai Weiwei in Beijing) on the stage to represent where Ai Weiwei would've sat during the talk. The action continued to play out during the course of the 2-hour event with the removal (at 5:20 mins) and reappearence of another coat (at 6:20 mins) on stage, as the hidden video camera among the audience dramatically documents.

The discussion was part of the exhibit "The Divine Comedy" (http://thedivinecomedy.org ), showcasing the work of three artist/architects Ai Weiwei, Olafur Eliasson and Tomas Saraceno. Eliasson and Saraceno were in attendance for the event moderated by Sanford Kwinter, the curator of the exhibit at the GSD.

Description of action by a member of the audience: "The mood is serious. Audience applauded when third chair was placed on stage. Tomas and Olafur and the moderator, Sanford Kwinter, all acknowledged the absense of Ai Weiwei. Olafur speaks about ideas of unpredictability, the desire (of insurers ie) to negate risk by making the world predictable but it isn't. At one point a student approaches the stage and removes the coat, another student returns the coat to the stage later in the discussion and the conversation pauses deferntially. Lecture ends with applause and thanks for Ai 'in effigy.'"

Read more about this action and Ai Weiwei's detention here:
http://hyperallergic.com/22275/ai-weiwei-watch/

Silk Coats Collective, CopyLeft, April 8, 2011

LAS ELECCIONES SEGÚN MAFALDA (contribución de Víctor Vich, uno de los más incisivos colaboradores de Micromuseo)

2011-04-09T17:50:00.002-04:00

REVOLUCIÓN EN LA REVOLUCIÓN XV: El Consejo Internacional de Museos exige la liberación de Ai Weiwei, detenido ilegalmente por la dictadura china

2011-04-06T11:09:00.016-04:00

El Consejo Internacional de Museos (ICOM) y el
Comité Internacional del ICOM
para los Museos y Colecciones de Arte Moderno (CIMAM)
acaban de publicar un manifiesto por la liberación de Ai Weiwei,
el notable artífice detenido hace pocos días
por la dictadura comunista de China.
En los últimos años Ai se ha constituido como
uno de los referentes más significativos
en la lucha por los derechos cívicos y humanos de ese país,
dando así motivo a crecientes hostigamientos y persecuciones
por parte del sistema de partido único que allí gobierna.

Un terrible llamado de atención a quienes desde las artes
alientan fantasías totalitarias en América Latina,
contribuyendo (probablemente sin quererlo)
a la expansión de la sombra fascista
que sobre nuestro continente se extiende.
No importa cuáles sean los ideales
que supuestamente animan las propuestas políticas:
si éstas implican recortes sobre las libertades ciudadanas
los regímenes así impuestos
devienen inevitablemente en dictaduras reaccionarias.

A continuación, el comunicado oficial del CIMAM.
Encabezando este post, el informe sobre la desaparición de Weiwei
difundido por la Public Broadcasting Corporation,
el medio televisivo más progresista de los Estados Unidos.
Importa destacar allí el interés otorgado
al proyecto artístico-político de Ai Weiwei,
incluyendo el impresionante logro
de la revelación de las identidades
de los miles de niños muertos en China
debido a la deficiente construcción de escuelas
por las incompetentes y corruptas agencias del Estado.
El mismo Estado que luego prohibiría
la difusión de hasta los nombres de las víctimas.
El fascismo comunista.

CALL FOR THE RELEASE OF AI WEIWEI

5-Apr-11

Honourable Minister Mr. Cai Wu
Ministry of Culture of the People's Republic of China

The International Council of Museums (ICOM) and the International Committee of ICOM for Museums and Collections of Modern Art (CIMAM) condemn the detainment of Chinese artist Ai Weiwei and appeal to the Chinese government to release Ai Weiwei immediately and to provide clarification regarding his arrest. The detention of artists and activists is not only inconsistent with China's commitment to the fundamental freedoms guaranteed in the Universal Declaration of Human Rights and in China's own constitution, it is also inconsistent with the Chinese government's pledge, through the Ministry of Culture, to promote all artistic disciplines and to advance artistic ideas.

As organisations that represent modern and contemporary art around the world, such actions and the obscurity surrounding them are diametrically opposed to our values. They are of grave concern and consequence for the well-being of Ai Weiwei and for the artistic community at large, and hinder future collaboration with the Chinese colleagues we welcomed at our recent annual meeting in Shanghai.

REVOLUCIÓN EN LA REVOLUCIÓN XIV: Campaña internacional por la libertad de Ai Weiwei, artífice ilegalmente detenido por la dictadura comunista en China

2011-04-05T10:34:00.008-04:00

Ai Wewei en su instalación Pipas de girasol en la Tate Modern de Londres, en octubre de 2010 (Fotografía: REUTERS/Stefan Wermuth)

Alentadas por la revolución árabe, las batallas por la libertad se intensifican en todo el mundo. También las actitudes represivas de los regímenes totalitarios. Como en China, donde la dictadura comunista ha desatado persecusiones nuevas contra la disidencia democrática procurando impedir que se extiendan las manifestaciones allí surgidas tras los procesos liberadores en el oriente medio.
Esta vez las detenciones han llegado a la propia escena plástica, afectando incluso a un artífice tan notable y reconocido como Ai Wewei, quien hasta la fecha se mantiene desaparecido.
Se ha iniciado ya una campaña internacional para su liberación inmediata a la que Micromuseo se suscribe.
Transcribo a continuación las informaciones proporcionadas sobre el tema por la Radio Televisión Española.

La detención del disidente y renombrado artista chino Ai Weiwei ha provocado una reacción internacional para pedir su liberación y la de otros opositores detenidos por las autoridades de Pekin.

El nuevo embajador de la Unión Europea en China, el alemán Markus Ederer, ha pedido que se detengan las detenciones arbitrarias "bajo cualquier circunstancia".

Ederer ha mostrado en un comunicado su preocupación "por el incremento del uso de las detenciones arbitrarias de defensores de los derechos humanos, abogados y activistas en China".

Amnistía Internacional (AI), por su parte, considera que la detención de Ai supone un "desarrollo problemático" en la fuerte persecución de disidentes en China de los últimos meses, que coincide con la convocatoria de protestas inspiradas en las revueltas árabes.

Desde febrero, numerosos activistas chinos han sido detenidos, como reflejo de la preocupación de las autoridades por un posible contagio de las revueltas a China, pero el arresto de Ai lleva la situación a "otro nivel", según la organización, puesto que no tuvo nada que ver con las convocatorias de las protestas.

"Si las autoridades se atreven a detener a este artista de renombre mundial a plena luz del día en el aeropuerto de Pekín, es aterrador pensar en cómo pueden tratar a otros disidentes menos conocidos", señala un comunicado de Amnistía Internacional.
Sin noticias de Ai

Ai fue detenido por la policía china el pasado domingo cuando se disponía a tomar un avión con destino a Hong Kong y desde entonces ni su esposa ni sus colaboradores han podido contactar con él ni han recibido ninguna explicación por parte de las autoridades. "Esta vez es muy serio", dice su esposa, Lu Qing.

Los agentes registraron el estudio y la casa del artista y confiscaron ordenadores, portátiles, discos duros y otros materiales del artista, que fue el asesor artístico en la construcción del Nido de Pájaro, para los Juegos Olímpicos de Pekín de 2008

Además de arrestar a Ai, la policía detuvo a ocho de sus colaboradores, puestos en libertad tras ser interrogados, en uno de sus estudios, donde también arrestaron al activista y periodista Wen Tao, en paradero desconocido desde entonces.

Campaña en Internet

Mientras tanto, en las redes sociales ha comenzado una movilización para pedir la liberación del artista. Más de 1.500 personas han firmado una petición en este sentido en un microblog de Twitter.

Muchos de los firmantes parecían ser chinos, aunque en el interior del país la censura en Internet impide recibir información sobre temas sensibles.

En un artículo relacionado con esta petición, el académico y realizador de documentales Ai Xiaoming explica: "Hoy todos podemos acabar siendo Ai Weiwei".

CANTUTA: EL LIBRO / Presentación este martes 8 de marzo a las 7:30 PM

2011-03-06T16:15:00.016-05:00

En el Museo de Arte Lima (MALI), este martes 8 de marzo, a las 7:30 PM, mediante un conversatorio y proyección de videos se presentará un libro excepcional: Cantuta. Cieneguilla – 27 junio 1995, de Ricardo Wiesse, reúne todos los materiales expuestos en 2008 por Micromuseo en relación a las intervenciones taumatúrgicas de este artífice en las fosas de Cieneguilla donde se pretendieron ocultar los restos de los desaparecidos de la universidad popular identificada con el nombre de la flor heráldica de los Incas. Una de las ediciones que conforman el registro de esta acción fue adquirida por el Museo de Arte de Lima en 2009, formando por ello parte de la exposición Diálogos en la colección de arte contemporáneo del MALI. Adquisiciones y donaciones 2009-2010, que se clausura el próximo 27 de marzo.

Gustavo Buntinx y Víctor Vich, curadores de la muestra organizada por Micromuseo, ahora publican sendos ensayos con reflexivas lecturas sobre esas acciones, prologados por un texto de Carlos Iván Degregori, ex integrante de la Comisión de la Verdad y Reconciliación. El libro además incluye todas las impresionantes fotografías tomadas por Herman Schwarz en el preciso momento de los hechos, así como un DVD con el video realizado también entonces con el trabajo de cámara de Augusto Rebagliati. La coedición reúne los sellos del Instituto de Estudios Peruanos, el DED Servicio Alemán de Cooperación Social-Técnica / Programa Servicio Civil para la Paz ZFD, además del propio Micromuseo.

La mayor parte de las instantáneas y el video casi entero se encuentran inéditos, en los dos sentidos del término: no han sido objeto de manipulación correctiva ni han tenido exhibición pública hasta la ocasión de la muestra de 2008. El conjunto reunido suma así un invalorable sentido documental a su alta carga artística, complementándose con el notable afiche, también de 1995, confeccionado por Manuel Figari y el propio Wiesse para la campaña de inmediato emprendida contra la ley del olvido por el Instituto de Defensa Legal (IDEELE) y otros organismos de derechos humanos.

Ésa y otras historias serán re-flexionadas en la mesa redonda especialmente concebida para la presentación, donde además de proyectarse el video intervendrán tanto Buntinx y Vich como el propio Wiesse.

Es importante precisar que la fecha de las acciones documentadas –el 27 de junio de 1995– está en estrecha relación con la promulgación trasnochada de la ilegal Ley de Amnistía impuesta por la dictadura de Alberto Fujimori y Vladimiro Montesinos. A lo clamoroso de esa injusticia se le opuso una voluntad artística dispuesta a asumir los mayores riesgos para marcar en la geografía y en la historia la emoción indignada de aquellos tiempos infames.

Este libro es la segunda entrega de la colección Partes de guerra, una iniciativa editorial mediante la que Micromuseo busca rescatar el registro sensible de las experiencias de violencia y dictadura vividas en el Perú durante las traumáticas décadas de 1980 y 1990. El primer título correspondió a las conmovedoras fotografías y videos que los hermanos Anamaría y Kevin McCarthy lograron de los estragos provocados por el coche-bomba senderista detonado el 16 de julio de 1992 en la calle Tarata del distrito limeño de Miraflores.

REVOLUCIÓN EN LA REVOLUCIÓN XIII: Que la ola árabe de revoluciones liberadoras llegue a Cuba y Venezuela

2011-02-27T15:11:00.016-05:00

Viva Cuba libre:
Los Aldeanos y el nuevo arte revolucionario de Cuba en la lucha
contra la dictadura vitalicia y hereditaria de los hermanos Castro

CONTRA EL INENARRABLE APOYO DE CASTRO, CHÁVEZ Y ORTEGA

A LA TIRANÍA ASESINA DE GADAFI

Hace unas semanas intercambiaba alturadamente opiniones con un curador que podría definirse como joven y explícitamente enrolado en las filas del pensamiento crítico. Me manifestaba él su acuerdo básico con las varias entradas que en esta bitácora hemos colgado sobre las cruciales luchas por la libertad en Cuba. Un tema de radical urgencia –casi una prueba de fuego– para cualquier ánimo que en América Latina pueda proclamarse democrático y de genuina izquierda.

Sin embargo mi interlocutor me manifestaba la inconveniencia de hacer públicas esas posiciones en un medio artístico todavía sometido a las fantasías políticas reaccionarias que han hecho del socialismo un pretexto para la justificación de dictaduras vitalicias y hereditarias, como en Cuba y a la larga también en Venezuela. Resulta complicado y desgastante, me explicaba, enfrentar las retóricas y las estructuras (económicas y mentales) aún vigentes para cierta intelectualidad en relación a ese y otros regímenes totalitarios. Más pragmático, insistía el colega, era cultivar una agenda crítica desde los convencionales y establecidos términos de la lucha estandarizada contra el "neoliberalismo", aunque reconocía que este último era un término de casi ninguna utilidad seria, por haber sido utilizado con tanta arbitrariedad para cualquier cosa que el demagogo de turno considerara antagónico.

Mi discrepancia con tales conformismos es tajante. El pensamiento crítico lo es sólo cuando se atreve a serlo también hacia las mistificaciones y aberraciones que lastran incluso la praxis del propio campo en el que pretendemos actuar. No es enarbolando por enésima vez la estampa trillada del Che Guevara que podremos contribuir a las renovaciones políticas y culturales tan urgidas en nuestro continente, sino cuestionando radicalmente, desde las raíces mismas –como el mismo Marx reclamaba– el sentido común capturado y petrificado por las Medusas de una mal llamada izquierda.

La necesidad imperiosa de ello se vio confirmada hace un par de días cuando, uno tras otro, Fidel Castro, Daniel Ortega y Hugo Chávez proclamaron su adhesión a Guamar Gadafi. Un régimen aberrante que hoy agoniza en Libia, abandonado hasta por su propio cuerpo diplomático mientras el líder esperpéntico de la supuesta "Revolución Verde" bombardea al pueblo y fusila a los pilotos que se niegan a participar en esa masacre desesperada.

Asistimos, así, no sólo a la caída de las tiranías populistas del norte de África sino también al último desmoronamiento moral de nuestra izquierda oficial. La primera y más actual tarea de la izquierda genuina es terminar de una vez con la gran pesadilla histórica en que se ha convertido el otrora sueño revolucionario de América Latina. Que los vientos liberadores del mundo árabe inspiren las enterezas y los heroismos necesarios para que la democracia se manifieste también en Cuba y Venezuela.

CASSINELLI Y LA REPÚBLICA DE WEIMAR PERUANA: HOY 23 DE FEBRERO MICROMUSEO INAUGURA UN RESCATE HISTÓRICO

2011-02-23T03:14:00.009-05:00

Este miércoles 23 de febrero, a las 7:30 p.m. y en la Casa O'Higgins de la Pontificia Universidad Católica del Perú, MICROMUSEO ("al fondo hay sitio") inaugura una exhibición excepcional, en términos tanto artísticos como históricos. Una retrospectiva que es, al mismo tiempo, la primera exposición del artífice. La primicia de cerca de ciento cincuenta obras seleccionadas entre las muchas otras que Ricardo Cassinelli (Lima, 1957) logró generar privada, casi clandestinamente, durante el período traumático que se proyecta desde la caída del gobierno militar en 1980 hasta el golpe de Estado de 1992.

Doce inclementes años dominados por la hiperinflación, el desgobierno, la violencia sin límites. Nuestra República de Weimar Peruana, en los términos propuestos por la curaduría de Gustavo Buntinx. Un abismamiento histórico que forzaría ensimismamientos varios, pero a la vez, paradójicamente, el reconocimiento abrupto del otro, de la diferencia, como instancia constitutiva de la fracturada sociedad peruana.

La obra de Cassinelli abarcó ambos registros. Un diario personal que sin embargo se proyecta hacia los trastornos del entorno social más amplio. Retratos, autorretratos y paisajes alternan con alegorías complejas y crónicas descarnadas de la violencia. Pero todo siempre desde una impresionante vocación solitaria.

El suyo es de veras un arte de necesidad interior, autodidacta y prácticamente nunca ofrecido a galería o exposición alguna en un circuito plástico que Cassinelli no frecuenta y más bien rehuye. Ajeno a esa escena y a sus rutilancias, este pintor retraído, secreto, elaboró centenares de imágenes espontáneas, logradas con tanta frescura como destreza sobre papeles, cartulinas, cartones. Exabruptos (así los denomina el propio autor) donde hasta la precariedad aparente de los soportes modestos habla de las fragilidades históricas -y personales- que animan su producción intensa. Extensa, aunque finalmente trunca: hacia 1992, por motivos que van de lo social a lo íntimo, Cassinelli abandona el trabajo sostenido con los materiales plásticos. Y la mayor parte de su producción supérstite se enrolla y olvida bajo los óxidos de una máquina inútil en la curtiembre quebrada de la familia.

Como una cápsula del tiempo: el reciente hallazgo y recuperación de esas imágenes, a instancias de MICROMUSEO, nos revela no sólo un raro y desconocido repertorio de imágenes, sino además un excepcional testimonio de las intensidades de aquellos años extremos. De sus tensiones máximas, pero aquí desplazadas con frecuencia hacia registros personales, tácitos, oblicuos. Ludismos y erotismos varios se confunden con alusiones sesgadas a la violencia e interpretaciones desbordadas del desborde popular.

También en su sesgo racial: asunto recurrente y fundamental en esta iconografía es el protagonismo de una presencia mestiza, potenciada por el propio mestizaje del lenguaje ensayado para expresarla. Hasta el punto que hoy este acervo desconocido podría verse como una suerte de eslabón perdido entre algunas de las más importantes transformaciones estilísticas de nuestra plástica contemporánea. Entre el pop achorado y el neo-expresionismo, digamos. Entre el taller E.P.S. Huayco y Carlos Enrique Polanco. O Piero Quijano: durante largos momentos los trazos y sentidos articulados por Cassinelli podrían relacionarse con los que años después consagrarían a un pintor tan notable como este último y sus agudas miradas sobre la (post)modernidad popular.

Reunir y rescatar la obra perdida de Cassinelli es, así, no sólo un acto de justicia con el arte personalísimo de su autor, hasta ahora ignorado, sino un emprendimiento de amplias trascendencias. Una apuesta histórica.

(Con ocasión de esta muestra, MICROMUSEO publicará en breve un libro monográfico que es el primero de una nueva serie editorial, dedicada a las manifestaciones visuales concebidas por fuera de la escena artística).

LA CASA O'HIGGINS SE ENCUENTRA EN EL JIRÓN DE LA UNIÓN 554
EN EL CORAZÓN DEL CENTRO HISTÓRICO DE LIMA

Ricardo Cassinelli. Calato con bandera. 1985.
Acuarela sobre papel. 38 x 44 cm.

ÁNGELA DELGADO VETADA DE LA EXPOSICIÓN QUE ELLA MISMO ORGANIZÓ

2011-02-03T01:01:00.008-05:00

Las complejidades, las dificultades, de la vida real me impiden con frecuencia mantener una vida virtual. Desatiendo p0r ello durante semanas esta bitácora, en la desesperación por ganarle algunas horas a la existencia fáctica que se nos escurre. Sin embargo no puedo dejar de difundir ahora el video que registra e investiga el veto absurdo impuesto sobre la presencia de Ángela Delgado en el Museo de Arte Contemporáneo de Arequipa. La censura proviene del Centro Cultural Peruano Norteamericano de esa ciudad andina, entidad en la que Ángela cumplió una labor brillante como gestora de iniciativas artísticas de notable agudeza y calidad.

Sus criterios y audacias hicieron vislumbrar una descentralización efectiva del quehacer cultural nacional, haciendo de Arequipa un espacio sorprendente para el intercambio de fluidos y creatividades. A fines del pasado año, sin embargo, esa gestión fue interrumpida por la incomprensión de los directivos del CCPN, dando lugar a una generalizada protesta entre los sectores más serios de la escena plástica. La reacción oficial no podría ser más infantil: se pretende impedir el ingreso de Ángela incluso a la inauguración de una muestra –la de Alejandra Ballón– que ella misma había organizado. Detalles en el video siguiente. (Continuará).

VANDALIZADOR VANDALIZADO: Ataque de graffiteros a la exposición de José Carlos Martinat en Buenos Aires

2010-11-19T21:12:00.009-05:00

La desesperada búsqueda de trasgresiones nuevas en el arte contemporáneo logra un retorcimiento adicional: la exposición de los graffitis que José Carlos Martinat expropió de las calles de Buenos Aires fue a su vez expropiada de la mirada pública mediante un "asalto" a la galería Ignacio Liprandi de esa ciudad. Una acción de "guerrilla cultural" organizada por los propios afectados. Es decir, los graffiteros mismos, y en apariencia también vecinos que se sentían identificados con las expresiones literalmente borradas del mapa urbano.

Con armas propias (tubos de aerosol) y ajenas (los extinguidores de la misma galería Ignacio Liprandi), los street artists deshicieron la muestra de desechos pictóricos durante su inauguración, manchando incluso la cámara del artífice y la camisa del marchand. Una acción reminiscente de la irrupción de los graffiteros brasileños en la penúltima Bienal de Sao Paulo, cuando colmaron con sus marcas repentistas la solemnidad de las paredes del pabellón de Ibirapuera que se habían dejado vacías como un aserto cuasi filosófico de la curaduría. (Esa historia terminó peor: ventanales rotos, policías, algún arresto).

Habrá, sin duda, necesidad de re-flexionar sobre la sintomatología de estas dialécticas. El goce tal vez buscado por Martinat era el de vandalizar la vandalización, en el mismo gesto que recupera para el mercado la visualidad anárquica de la calle. O quizá lo contrario, si así lo quiere el discurso que se intente adoptar. Pero en cualquier caso hay cierto materialismo vulgar en creer que el soporte material del graffiti es la fisicalidad del muro, en vez de la sociablilidad de las relaciones que hacen de esa intervención un acto destructivo o constructivo de comunidad, según el caso.

Era probablemente indispensable hurgar críticamente en las complejidades de esta circunstancia última para lograr una densidad artística significativa. Obviar tales tareas debilita la obra, conceptual y políticamente, pero también en su sostenibilidad, como pareciera sugerir la experiencia de Buenos Aires.

La sola descripción de los hechos es ya de por sí instructiva. Para lograrlo, me apropio a continuación de la narrativa publicada por Carlos Iglesias en Radar, el suplemento cultural del periódico porteño Página 12.

PARED CONTRA PARED

La sorprendente represalia en una muestra de graffitis apropiados

Claudio Iglesias

El peruano José Carlos Martinat viene exponiendo en diversas galerías graffitis apropiados. Y esto quiere decir literalmente apropiados: los trata con químicos en las paredes de la ciudad donde los encuentra, desmonta trozos de esas paredes, deja un hueco y expone lo que se lleva en una galería. Pero cuando lo hizo en la galería Liprandi, hubo una variable que no contempló: lo que se apropió en las calles de Buenos Aires no eran graffitis sino street art con dueños concretos. Dueños que tomaron por asalto la galería en un operativo comando digno del Guasón.

Si a alguien le propusieran apropiarse de un graffiti, seguramente pensaría en pintar uno sobre un graffiti ajeno, o en usar la idea de otro para dale forma a uno nuevo. Pero nadie imaginaría arrancar literalmente un trozo de pared de dos metros de lado que previamente debe ser tratado con resinas durante un largo proceso en la vía pública y con bastante infraestructura. El resultado sería un ominoso rectángulo de pared hueca y un graffiti que pierde su hogar para siempre. José Carlos Martinat (1974) entiende la apropiación de esta forma tan literal y, en algún sentido, sobrecogedora. El título de la brevísima muestra que el artista peruano inauguró en Buenos Aires, Ejercicios para galería, además nos aclara cuál es el destino de las imágenes: colgar de ganchos en una sala de exhibición, como guerreros de una raza vencida, a la espera del comprador o del diletante que las examine. Una serie de maquetas de espacios públicos en miniatura para “vandalizar” con marcador y unas cuantas paredes despellejadas de la misma galería completaban la muestra, en cuya inauguración en la galería Ignacio Liprandi ocurrió lo que debe haber sido la primera acción mundial contra la trata de graffitis organizada.

Martinat no se imaginaba muchas cosas: ni que los dueños de las imágenes elegidas tuvieran una afección autoral por sus criaturas, ni que los vecinos de los barrios donde los graffitis fueron secuestrados iban a extrañarlos al ver paredes descascaradas donde había colores y anécdotas, ni que todos los involucrados iban a llenar el muro de Facebook de la galería de comentarios, insultos o amenazas, incluso antes de la inauguración. Tal vez no imaginó tampoco que no estaba extrayendo “graffitis” en sentido estricto sino piezas de street art, una expresión cultural absolutamente consensual que ya no tiene nada de vandalismo, marca de identidad subalterna, grito tribal o lo que se quiera. Tampoco debe haber imaginado la acción ideada por sus contrincantes, los graffiteros expoliados, tan fecundos en recursos como él a la hora de poner en juego derivados de la industria química: entrar en la inauguración en grupo, vaciar en las salas el contenido de todos los matafuegos del edificio, generando una atmósfera de humo blanco, graffitear las paredes (esta vez en serio: spray rojo, texto monocromo y nada de pistolitas de pintura), arruinar la camisa del galerista y la lente del artista que no podía dejar de sacar fotos y abandonar la escena rápidamente, tras darse el gusto de hacer la cosa más malévola y digna del Guasón que un artista callejero puede imaginarse (sólo que sin gas de la risa, sin grabador y sin MoMA).

Al lado quedaron, aleladas, las maquetitas del Congreso y la Secretaría de Inteligencia en las que el artista invitaba a dejar risueñas pintadas de marcador. Verboseos contra Macri y recuerdos a algún coleccionista estuvieron en la pobre cosecha de comentarios. El muro de Facebook, en cambio, siguió creciendo y diversificando sus nichos de público: graffiteros en plan amenazante, vecinos indignados (“¿tiene derecho este tipo a arruinar las calles y apropiarse de algo público de una ciudad que ni siquiera es la suya?”), profesores de arte con citas abajo del brazo, trolls ocasionales y defensores del patrimonio tratando de aparatear la situación en su provecho alimentaron una sopa de comments llena de referencias a Cindy Sherman, argumentaciones pseudo jurídicas y consabidas menciones a Tinelli (para parafrasear la ley de Godwin: si se prolonga lo suficiente, toda discusión cultural en la Argentina acaba en una comparación con Tinelli).

La muestra fue levantada, pero la polémica siguió circulando en un espacio que el artista no previó. Martinat ahora tiene otra muestra en San Pablo, una ciudad en la que el conflicto entre el sector formal del arte contemporáneo y el segmento de la cultura de los “pixadores” está mucho más a flor de piel y tiene larga historia (incluyendo dos ciclos de virtuosismo vandálico, escándalo y causas penales en las últimas ediciones de la Bienal). Es de temer, por lo tanto, que si se mete con los graffiteros de esa ciudad le pinten algo más que la cámara.

RECUADRO:

Así quedó la galería de Ignacio Liprandi (acá con la camisa manchada) tras el ataque comando de vecinos y street artists de Buenos Aires: vaciaron los matafuegos del edificio, pintaron con aerosol sobre paredes y personas y se esfurmaron. Lo consideran un ojo por ojo.

IN MEMORIAM VIRGINIA PÉREZ-RATTON

2010-10-08T21:14:00.008-04:00

La fractura: tema incisivo en la obra plástica de Virginia

Nuevas razones para la melancolía. Virginia Pérez-Ratton acaba de dejarnos. El cáncer interrumpió su vida en el pico de una plenitud prolongada hasta los últimos momentos. Consciente del trance que enfrentaba, en los meses finales logró transformaciones e impulsos decisivos en casi todos los proyectos que hicieron de su existencia un aporte crucial para el arte crítico de América Latina. Para su creación, para su pensamiento, para su institucionalidad incluso.

Los logros de su pensamiento y de su centro operativo –TEOR/Ética– han quedado probablemente resguardados. Pero resta la urgente labor de recopilación y puesta en valor de su propio trabajo plástico. Un cuerpo fragmentado de obras incisivamente fragmentadas, a la espera de la visión comprehensiva que hurge en la organicidad de esas rupturas múltiples.

Tarea tantas veces postergada por Virginia misma en su priorización continua del apoyo a la labor de tantos otros. Motivo adicional para una reflexión que no puedo iniciar ahora, bajo la conmoción de la noticia fatal. Me permito, por ello, como recurso excepcional, reproducir el post que sobre Pérez-Ratton colgué en esta misma bitácora hace apenas seis meses.

El pretexto de esa nota era el Premio Nacional de Cultura que ella acababa de recibir en Costa Rica. La motivación profunda era la necesidad absoluta de acompañarla y transmitirle en algo la importancia y el valor que para nosotros Pérez-Ratton siempre ha tenido. Permítaseme apenas recordar aquí las vivencias compartidas durante su magnífica curaduría de la muestra antológica de Priscilla Monge en el Centro Cultural de San Marcos (y durante la Bienal de Lima), cuando me correspondió dirigir aquel espacio. Priscilla, por cierto, acaba de pintar para el velorio y en los muros de TEOR/Ética una blanca escalera al cielo.

Atención a la entrevista que cierra la nota. Conmueve allí en particular la respuesta última de Virginia a la inquietud por su pregunta existencial más recurrente: cuánto tiempo tengo, es su escueta frase final.

No hay interrogante más decisiva. Para todos y cada uno.

VIRGINIA PÉREZ-RATTON RECIBE EL MÁS IMPORTANTE PREMIO DE COSTA RICA (ACASO DE CENTROAMÉRICA)

(Post publicado en esta bitácora el jueves 22 de abril de 2010)

Artífice, curadora, museóloga, historiadora, mente ágil y pensante de la cultura latinoamericana. Es difícil encasillar a Virginia Pérez-Ratton en cualquier definición profesional o vocacional vinculada al arte visual, porque ella las abarca todas. Y hasta les ha logrado una magnífica y conjunta expresión institucional en TEOR/Ética ese espacio singular en Centroamérica que ella crea en 1999 para nunca dejar de evolucionar. En tributo a tantos atributos, el Estado de Costa Rica acaba de entregarle el Premio Nacional de Cultura Magón, sin duda el reconocimiento mayor que en ese país –y acaso en toda Centroamérica– se le concede a estos menesteres.

Para Micromuseo Virginia es, claro, una amistad preciada desde hace más de una década. Pero además es un referente y un estímulo en la ardua e incierta tarea de construir institucionalidades alternas. Junto con el Museo del Barro (de Asunción), TEOR/ética ha demostrado con el ejemplo –y con grandes sacrificios personales– la posibilidad fáctica de generar espacios autónomos para una criticidad nueva, independiente de los poderes y del Poder. Del Estado y del mercado, de los políticos (de cualquier signo) o del gran capital (de cualquier procedencia). Honor al mérito. E inspiración total.

Reproduzco, a continuación, la breve entrevista que se publicó en la versión web de la revista Su Casa cuando se anunció el galardón.

VICKY PÉREZ-RATTON:
BOCETO DE ARTISTA INDEPENDIENTE

Virginia Pérez-Ratton no quiere que le pregunten, por ejemplo, cuántos pares de zapatos tiene. Sin embargo, hasta esa podría ser una pregunta pertinente para quienes le siguen la pista a la ganadora del premio Magón 2009: los suyos han sido pasos regionales.

No es que Virginia se niegue a responder cuántos pares de zapatos tiene, es que se niega a que se lo pregunten. Apuesto a que nadie le preguntó eso a Felo, el año pasado, cuando le dieron el Magón, dice, medio en serio y medio en broma, a propósito de cierto tipo de acoso periodístico. Con o sin zapatos, ella es una mujer que sabe plantarse, como prueban los hechos. Artista plástica, curadora, primera directora del Museo de Arte y Diseño Contemporáneo (MADC), investigadora, traductora y sobre todo instigadora del arte regional de los últimos tiempos, Virginia Pérez-Ratton conoce prácticamente todos los caminos que, en Costa Rica, conducen a la gestión cultural pública y privada. Desde el pasado 12 de enero, cuando le anunciaron que había ganado el Premio Nacional de Cultura Magón, Virginia Pérez ha estado dispuesta a confirmar que, ciertamente, su nombre y el de su Fundación Teorética son referentes culturales en este lado del mundo: si alguien ha dotado de un discurso a las artes visuales centroamericanas contemporáneas, ha sido ella. O gracias a ella. Ahora el Estado costarricense le devuelve los favores, si es que eso es posible.

-¿Cuándo supo que era considerada para el premio Magón?

-El Ministerio de Cultura me pidió mi currículum en varias ocasiones, para diversas cosas, y la última vez fue como en octubre o noviembre, pero la verdad es que yo no pensé que me estaban considerando para nada en particular; no sé, no tengo costumbre de pensar en premios.

-¿Qué piensa de los premios, en general?

-Creo que los Premios Nacionales se crearon en un momento en el que no había ningún tipo de estímulo para la gente en cultura, y tienen su razón de ser. Sin embargo, me parece que necesitan una refrescadita, y que la ley cambie para actualizarlos. Creo que hay demasiados, sería mejor uno por disciplina y mejor dotado para que la gente pueda hacer algún proyecto luego. En relación con los premios, es decir, cualquier premio, es algo estimulante y que complace al ego definitivamente, pero hay que pensar que cada vez que se da un premio es una decisión subjetiva pues es un jurado, y si fuera otro, pues posiblemente otro sería el premiado. Creo que hay que agradecerlos, aprovecharlos, pero tampoco desvelarse por ellos.

-¿Qué piensa de su premio, en particular?

-Que me ha hecho ver cuánta gente aprecia el trabajo, pero por otro lado también cuánta gente ignora lo que uno hace y le encaja roles que no tiene. Por esto ha habido gente que se ha opuesto, pensando que han premiado a una galerista...

-Como primera directora del Museo de Arte y Diseño Contemporáneo le dio prioridad al arte regional. ¿Por qué?

-Creo que era el momento de quebrar ese sentimiento nacionalista de que Costa Rica era el ombligo del mundo, y ver para afuera, y recuperar un espacio que existía desde tiempos prehispánicos como área cultural. Además, somos demasiado pequeños y el MADC podía asumir una labor más amplia. Por otro lado, era necesario dar a conocer tanto aquí como fuera del istmo lo que somos, lo que hacemos, lo que producimos y lo que necesitamos.

-¿Reconoce diferencias entre su labor en el MADC y en Teorética?

-Sí, en el MADC estaba amarrada por la burocracia, aunque era mil veces menos complicada que ahora, y uno tiene una responsabilidad como funcionario público y como subordinado de un ministro. En TEOR/éTica las decisiones se toman más ágilmente, se trabaja con menos dinero pero con más eficiencia y se tiene una libertad total.

-¿Se puede actuar en el ámbito público y el privado bajo los mismos principios?

-Si se trata de ética, creo que son los mismos, pero hay cosas legales que no son iguales: por ejemplo, en la función pública solo se puede hacer lo que la ley permite, y en la función privada se hace todo lo que no está prohibido. En la función pública hay que mantener claro que uno tiene una responsabilidad ante la comunidad pues la infraestructura se mantiene con el dinero del pueblo, y en el ámbito privado, uno mismo se arma la comunidad con la que quiere trabajar.

-¿Cuál debería ser el futuro del MADC?

-Creo que el MADC va por buen camino, pues se sigue trabajando a nivel regional, pero hay que cuidar la colección y completarla con obras mayores de los años 90 a 2010, que aún están disponibles, y proceder a una rigurosa catalogación. El futuro del MADC es poder consolidar su trabajo de los primeros 15 años y ampliarlo a más proyección latinoamericana, de intercambio por ejemplo, de generación de exposiciones itinerantes, de investigación. Pero creo que todo esto está en la carpeta de Fiorella...

-¿Es cierto, como afirmaba una revista local, que es usted una de las mujeres más influyentes de Costa Rica?

-Eso no lo puedo ni afirmar ni negar, es una percepción de los otros, y ¡yo no tengo mi propia percepción separada de mí! Sin embargo, es cierto que uno maneja una cierta cuota de poder, y eso puede influir en la gente. Lo que es importante es saber cómo usar el poder para cambiar las cosas...

-¿Qué es lo primordial que toda persona debería saber sobre el arte?

-Que no hay reglas para definirlo.

-¿Cómo se distingue una obra de arte contemporánea de un objeto de bisutería?

-Por la intención.

-¿Cuál es la pregunta existencial más recurrente en su cabeza?

-Cuánto tiempo tengo.

*Adaptación para Revistasucasa.com, el artículo completo se encuentra en la revista impresa.

MELANCOLÍAS SOBRE WALTER BENJAMIN (A LOS SETENTA AÑOS DE SU DESAPARICIÓN)

2010-10-03T10:18:00.020-04:00

Heidegger & Benjamin.
Video colgado en YouTube por Enrico Cocuccioni el 8 de noviembre de 2008.

El pasado 27 o 28 de setiembre (hasta la fecha es incierta) se cumplieron setenta años de la desaparición de Walter Benjamin. Sobredosis nocturna de morfina en un hotel de Port Bou, entre Francia y España, donde la policía franquista había interrumpido su escape desesperado del avance de las tropas nazis. Al día siguiente, sin embargo, los también retenidos compañeros con que había emprendido esa fuga lograron el tránsito que los llevaría al Atlántico y a la libertad.

Una historia demasiado sintomática. En casi todas sus vidas –personal, profesional, social, política– Benjamin fue casi siempre un perdedor y un incomprendido. También un solitario. Un alma ensimismada y cósmica al mismo tiempo, "bajo el signo de Saturno", en las palabras que dan título al memorable ensayo de Susan Sontag sobre "el último intelectual".

La constelación de Benjamin, en efecto, fue la de la melancolía, y a ella él le dedicaría reflexiones conmovedoras. La melancolía, acaso la teología: recuérdense las complejidades de su "Fragmento teológico-político".

"Todo hombre culto es un teólogo, y para serlo no es indispensable la fe", escribía Jorge Luis Borges. Pero el caso de Benjamin es más denso pues en él la duda metódica y el mesianismo coexistían. Arduamente.

En parte por la extremidad de sus tiempos. Tal vez también la de los nuestros: es impresionante la voracidad con que desde la década de 1970 el mundo académico internacional descendió sobre las ruinas de Walter Benjamin. Aunque al respecto nuestro reloj local exhibiría las morosidades consabidas.

Hasta no hace mucho, en el Perú argumentar desde Benjamin era una excentricidad. Una erudición considerada por muchos risible todavía a finales de los ochenta, que es cuando generacionalmente me tocó incursionar en su pensamiento. Sin embargo ya en 1981 Mirko Lauer había publicado en Hueso Húmero su ensayo pionero sobre el retablo andino bajo la advocación de ese nombre entonces esotérico entre nosotros ("In memoriam Walter Benjamin: representación y soporte material", HH 9, abril-junio 1981, pp. 45-55). Era el primer anuncio de Crítica de la artesanía, un crucial libro suyo editado por DESCO apenas un año después.

Fernando Bryce. De la serie Walter Benjamin. 2002. Tinta sobre papel.

También en eso el nuestro es ahora un país transformado. Hoy el nombre de Benjamin está integrado al discurso cultural. Incluso a sus imágenes, con resultado a veces felices. Ya en esta década Rodrigo Quijano curó una pertinente muestra en relación al tema. Entre otras piezas, se exhibió allí la precisa serie de Fernando Bryce sobre la semblanza física y documental del filósofo. Una secuencia gráfica cuyo punctum señalado es el registro burocrático del paso terminal de Benjamin por el pueblo de Port Bou.

Un término y un comienzo. También para las teorías paranoicas de la historia, otra vez en boga. Todo en torno a la muerte de Benjamin parece indicar un suicidio, incluyendo la nota última dejada por él mismo. Pero, por supuesto, no han faltado versiones de un asesinato clandestino, cometido por agentes del fascismo o del comunismo. Dos fórmulas finalmente intercambiables, como la historia con pena ha demostrado.

Una disgresión pertinente, dada la politización ingenua, maniquea, que parece rondar tras algún mandato cultural. No me refiero, claro, al compromiso auténtico y vivencial de amplias franjas del pensamiento crítico. La alusión es a lo elemental y falaz en el discurso de cierta vulgata neomarxista ignorante de esa máxima de Marx que excepcionalmente mantiene su vigencia plena: el criterio último de toda teoría es la práctica. La praxis. Y pocas cosas en la historia moderna han fracasado más absolutamente que el comunismo. A un inmenso, trágico costo. Incontables miserias, ecónomicas y humanas. Centenares de millones de vidas tiranizadas. Dictaduras vitalicias y hasta hereditarias.

Que no terminan: en Corea del Norte acaba de anunciarse la probable designación de Kim Jong Un para la sucesión de su padre, Kim Jong-il, obligatoriamente referido como "Querido Líder", "Líder Supremo" y "Gran Dirigente". Éste a su vez sucedió al "Gran Líder" y "Presidente Eterno de la República", Kim Il Sung, su propio padre. Una megalomanía dinástica hoy abocada a la proliferación nuclear.

A esas indignidades hemos llegado, en nombre de la igualdad y la justicia.

Algo de todo ello pudo atisbar Benjamin en el albor articulado del estalinismo soviético y el nazismo alemán. Una competencia de horrores de la que él también fue víctima, a su peculiar manera.

La agudeza de esa mirada suele opacarse tras su fetichización mediática. Pero agotadas tales rutilancias –incluso comerciales– quizá podamos volver a la irradiación profunda del aura contenida en la inteligencia barroca de Benjamin. La densidad contradictoria de sus imágenes dialécticas, de su imaginario materialista y místico-libidinal al mismo tiempo. Complejidades de urgencia radical en tiempos confrontados por la condición liminar de la (in)condición humana. Y por nuestra inevitable tecnomutación incierta.

Tal vez una de las maneras más provocadoras de asumir ese reto sea desde el video mínimo que ubico al inicio de esta entrada. Sólo ocho segundos para la transfiguración continua del rostro de Martin Heidegger en el rostro de Walter Benjamin. Y viceversa. Un efecto tecnológico colgado en YouTube por el italiano Enrico Cocuccioni, posiblemente sin mayor conciencia de la significancia de su gesto. Su trascendencia oculta: apenas dieciochomil trescientas quince (18,315) visitas desde noviembre de 2008.

Algo esencial, sin embargo, se mueve en esa fusión recíproca de contrarios. Atención a la gestación casi simultánea de las reflexiones estéticas capitales de Heidegger y de Benjamin: El origen de la obra de arte (1935-1936), y La obra de arte en la era de su reprocción mecánica (1936), respectivamente. Sincronías que acentúan las inquietudes compartidas tanto como las diferencias. flagrantes. El existencialista nazi, el judío mesiánico, friccionados y homologados por la relación profética de ambos con la fuga de los dioses, con el ahuecamiento de la tierra, con el oscurecimiento del mundo. Con la trituración del aura.

Tristes tiempos tristes.

Fernando Bryce. De la serie Walter Benjamin. 2002.
Tinta sobre papel.

ARDE SAO PAULO: Comunicado en apoyo de la obra censurada por el tribunal electoral del Brasil

2010-09-28T16:28:00.009-04:00

El antes y después de la censura ejercida sobre la parte más visible de

El alma nunca piensa sin imagen,
la obra de Roberto Jacoby y la Brigada Argentina por Dilma en la última Bienal de Sao Paulo.

La Bienal de San Paulo se erige otra vez en plataforma privilegiada para la controversia política. En varias instancias, pero me detendré aquí tan sólo en la intervención censurada por orden del tribunal brasileño "que consideró el episodio como violatorio de la ley electoral, dada la prohibición de proselitismo en lugares de bien común", según las informaciones de la agencia ANSA vinculadas a las elecciones presidenciales del próximo domingo 3 de octubre. Todo ello sin tomar demasiado en cuenta que el tema convocante de la bienal entera era, precisamente, "arte y política". De la adversidad vivimos, decía el artífice carioca Helio Oiticica. También de la contradicción.

Ese dictamen determinó que se cubriera –mediante connotativos papeles de embalaje– el gran díptico infográfico que exhibía sesgadamente las efigies de los dos principales candidatos en la contienda: la oficialista Dilma Rousseff (del Partido de los Trabajadores) y el opositor José Serra (del Partido Social Demócrata). Parte, en realidad, de una obra más compleja que se desplegaba también mediante conferencias, discusiones, etc., así como acciones varias de proselitismo abierto en favor de la candidata del gobierno. Y ahora a través de la polémica que se proyecta interminable en incontables mensajes electrónicos donde no faltan el pleito anecdótico y la querella personal.

Con el ánimo de no prolongar esa agonía (agon también significa lucha en griego) me limito por el momento a reproducir –y suscribir– el comunicado emitido por los principales afectados: el artífice argentino Roberto Jacoby y los miembros de la Brigada Argentina por Dilma, cuyos nombres aparecen más abajo. Ojalá me fuera concedido el tiempo vital necesario para desconstruir la obra no en sus apariencias (ya ampliamente discutidas) sino en sus efectos mediáticos. Que son, claro, parte constitutiva y programática y crucial de ella.

Otro tema a ponderar son lo que a veces llamo las estrategias de la literalidad en el arte político de América Latina. Pero atención además a la paradoja (contradicción aparente) y la ironía de que la censura sea ejercida sobre una postura que favorece al partido en el poder. También allí hay que re-flexionar la teoría de la contradicción.

A continuación el comunicado.

ARDE SAN PABLO: el fantasma de la política en la Bienal

“La 29º Bienal de San Pablo está anclada en la idea de que es imposible separar el arte de la política". A tenor de lo sucedido en las últimas 48 horas, hay serios motivos para dudar de la honestidad de esta declaración.

La obra de la Bienal de San Paulo que promete ser la más interesante no ha sido realizada por ningún artista, sino por la propia institución cuando ordenó cubrir unos imponentes paneles con papel de embalar, para impedir que puedan verse dos ampliaciones fotográficas: el rostro amistoso y atractivo de Dilma Rousseff frente al gesto agrio de José Serra, su opositor socialdemócrata en las elecciones a la presidencia de Brasil.

La obra propuesta por el argentino Roberto Jacoby ha consistido en socializar su espacio para que sea gestionado por una Brigada Argentina por Dilma que se dispuso a diseminar abiertamente propaganda favorable a la candidata del Partido de los Trabajadores en sucesión de Lula, apostando a ser parte del momento histórico excepcional de unidad, solidaridad, redistribución y democracia que se abre en América Latina.

De acuerdo con la —poco convincente— justificación hasta ahora emitida por la Fundación Bienal de San Pablo, un informe de la Procuraduría Electoral General habría decretado que la obra incurre en un "delito electoral" por quebrantar la Ley que impide la "vehiculación de propaganda de cualquier naturaleza" en espacios cuyo uso dependa de los poderes públicos. Sin embargo fue la propia Bienal la que concurrió a sede judicial para denunciar la obra que habían invitado.

Uno de los curadores de la Bienal, Agnaldo Farias, ha declarado a la prensa que "no podemos contestar la decisión de la justicia, porque corremos incluso el riesgo de que nos lleven presos. Si hubiésemos conocido de antemano que se trataba de Dilma, sabedores de que habría habido problemas, hubiéramos avisado al artista". El argumento de los curadores de que habrían “sido sorprendidos” por el desarrollo de la pieza no se sostiene, ya que la misma fotografía censurada figura tanto en el catálogo de la Bienal como en su sitio web.

A esta afirmación pusilánime no se puede sino responder con una pregunta: ¿qué piensa que convoca un curador de arte establecido cuando invoca la palabra "política"? Más allá de este caso puntual, no son infrecuentes las propuestas curatoriales que apelan a la relación “arte y política” para exhibir cementerios documentales o retratos de pobres o raros distantes. Esta obra política de Jacoby se opone eficazmente a esta despotenciación del arte político que ejerce actualmente el institucional

Pero ¿qué sucede cuando un artista se toma en serio la necesidad de convertir un espacio artístico en un espacio público, para producir confrontación política —y no falso consenso— en tiempo real y en el mismo vientre del sistema del arte? El alma nunca piensa sin imagen —que así se titula la obra— consiste en algo más que la propaganda electoral favorable a Dilma: el espacio de la muestra asignado a Jacoby se transformó además en una máquina de producir antagonismo entre opiniones diversas, tomando partido e imponiendo al establishment artístico implicarse en una discusión sobre el hecho constatable de que, en un espacio geopolítico como América latina, existe hoy más experimentación, más creatividad y —en definitiva— más esperanza en el área de la política y de lo político —desde las estructuras institucionales hasta el campo de los movimientos sociales— que en el sistema del arte contemporáneo.

Jacoby participa en la Bienal por partida doble, pues integró asimismo el colectivo de artistas, sociólogos, militantes de varias ciudades que en 1968 produjo la histórica Tucumán arde, documentada erróneamente —y se trata de un síntoma grave y elocuente— en el web de la Bienal como una obra del Grupo de Arte de Vanguardia rosarino. Ésta fue clausurada en la central obrera en Buenos Aires, bajo presiones militares durante la dictadura del general Onganía: su provocación consistía en desbordar el sistema del arte para abrazar el movimiento de protesta social en contra del sistema vigente. A la inversa, El alma nunca piensa sin imagen parece haber sido censurada por instalar en el centro del sistema del arte una a favor de un proceso extraartístico que sucede en la institución política. La Brigada Argentina por Dilma nos lo expone como algo mucho más real —porque resulta más imperfecto y complejo al fin— que la pulcritud inmaculada con que habitualmente brilla la palabra "política" en los textos curatoriales.

Buenos Aires / San Pablo, 23 de septiembre de 2010

Integran la Brigada:

Adriana Minoliti, Alejandro Ros, Ana Longoni, Alina Perkins, Cecilia Sainz, Cecilia Szalkowicz, Daniel Joglar, Fernanda Laguna, Francisco Garamona, Florencia Hipolitti, Paula Bugni, Hernán Paganini, Javier Barilaro, José Fernández Vega, Julia Ramírez, Kiwi Sainz, Laura Escobar, Lidia Aufgang, Lucas Rubinich, Mariano Andrade, Mariela Scafati, Mariela Bond, María Granillo, Nacho Marciano, Roberto Jacoby, Santiago Villanueva, Syd Krochmalny, Tomás Espina, Víctor Florido, Victoria Colmegna.

Adhieren (nuevas adhesiones: elalmanuncapiensasinimagen@gmail.com):

Marcelo Expósito (Barcelona/Buenos Aires).
Gachi Hasper (Buenos Aires)
Diana Aisenberg (Buenos Aires)
Cecilia Sainz (Buenos Aires)
Federico Geller (Buenos Aires)
Helena Chávez (México)
Fernanda Nogueira (Sao Paulo)
Miguel López (Lima)
Francisco Reyes Palma (México)
Marina de Caro (Buenos Aires)
Octaviano Moniz Barreto (Bahia)
Damián Ríos
Inés Patricio (Rio de Janeiro)
Hugo Salas
Guadalupe Maradei (Buenos Aires)
Federico Brollo (Buenos Aires)
Hugo Vidal (Buenos Aires)
Leo Ramos (Resistencia)
Ramiro Larraín (Buenos Aires)
Inés Martino (Rosario)
Compartiendo Capital (Rosario)
David Gutiérrez Castañeda (México/Bogotá)
Hernán Rodolfo Ulm (Argentina)
Beba Eguía (Buenos Aires)
Ricardo Piglia (Buenos Aires)
Mariana Serbent (Mendoza)
Laura García Hernàndez
Magdalena Jitrik (Buenos Aires)
José Curia
Leandro Katz (Buenos Aires)
Adrián Pérez (Buenos Aires)
Eduardo Grüner (Buenos Aires)
Carolina Senmartín (Còrdoba)
Mariana Botey (México)
Carlos Aranda (México)
Daniel Duchowney (Argentina)
Aldo Ambrozio (Brasil)
Carlos Banzi (Argentina)
José Luis Meirás (Buenos Aires)
Gabriela Nouzeilles (Princeton)
Lía Colombino (Asunción)
Museo del Barro (Asunción)
Taller Crìtica (Asunción)
Fernando Davis (Buenos Aires)
William López (Bogotá)
José Ignacio Otero (Buenos Aires)
Leonardo Retamoso Palma (Santa María)
Emilio Tarazona (Lima)
María Cristina Pérez (Rosario)
Gustavo López (Bahía Blanca)
Marcelo Diaz (Argentina)
José Luis Tuñón (Comodoro Rivadavia)
Carlos Dias (Brasil)
Claudia del Río (Argentina)
Juan Manuel Burgos (Còrdoba)
Marcos Ferreira de Paula (Sao Paulo)
Amalia Gieschen (Argentina)
Suely Rolnik (Sao Paulo)
Cristina Ribas (Rio de Janeiro)
Gustavo Marrone (Barcelona)
Marcelo Novoa
Darío Corbeira (Madrid)
Mane Adaro (Chile)
Cuauhtémoc Medina (México)
Clemente Padín (Montevideo)
Diana Laurencich (Buenos Aires)
Saulo di Tarso (São Paulo)
Jorge Gaggero (Buenos Aires)
Víctor Costales (París/ Quito)
Claudia Crea (Buenos Aires)
Victoria Sacco (Buenos Aires/Barcelona)
Bernadette Siqueira Abrão (Brasil)
Enrique Aguerre (Montevideo)
Rosalía Maguid
Rosario Güiraldes (Argentina)
Tania Bruguera
Ana Tiscornia
Halim Badawi (Bogotá)
Emilia Casiva (Córdoba)
Pablo Andrés Carvajal (Rancagua, Chile)
Andrea Giunta (Buenos Aires)
Fabricio Caiazza (Rosario)
Víctor de Zavalía (Buenos Aires)
Néstor Martínez Celis (Colombia)
Gabriela Gabelich (Rosario)
Diego Petrate (La Plata)
Ariel Gerardo Luquez (La Rioja)
Ana Gallardo (Buenos Aires)
Ana Laura Rivara (Buenos Aires)
Damián Selci (Buenos Aires)
Analia Regue (Rosario)
Grupo Analítica (Colombia)
Mayra Rojo (México)
Gene Ray (Berlin)
Franco Ingrassia (Rosario)
Bojana Piskur (Ljubljana, Slovenia)
Miguel Andrade Valdez (Lima)
Oscar Salamanca (Pereira, Colombia)
Alicia Benítez
Raul Antelo (Florianópolis)
Ricardo Arcos-Palma (Colombia)
Jimena Ferreiro (Buenos Aires)
Francisco Godoy (Madrid)
Teresa Velázquez (Madrid)
Fernando Pertuz (Colombia)
Luciana Ponte
Rachel Weiss (Chicago)
Maria Gabriela de la Cruz (Buenos Aires)
Roberto Amigo (Buenos Aires)
Rodrigo Peiretti (Buenos Aires)
Gustavo Buntinx (Lima)

DEBIDO PROCESO: Una exposición justa y necesaria, en la galería Enlace de Lima

2010-09-16T16:38:00.039-04:00

Este jueves, 16 de setiembre, la galería Enlace inaugura Debido proceso, una exposición justa y necesaria sobre la administración de justicia, tema decisivo para la consolidación de una peruanidad democrática y ciudadana, (post)moderna en el sentido superior del término. A continuación el texto que acompaña la muestra. Se reproducen los cinco grabados que le sirvieron de motivación, aunque no las varias otras obras que también la conforman.

JUSTO Y NECESARIO

El Perú, pareciera, vive una REVOLUCIÓN CAPITALISTA que dinamiza económicamente a la sociedad como probablemente nunca antes en su historia republicana. Jamás lo suficiente, claro, y con las consabidas INEQUIDADES. Pero esta exposición no se ubica bajo el horizonte remoto de UTOPÍAS sin mácula, sino en la brega inmediata por la dignificación gradual y FACTIBLE de nuestras existencias ciudadanas.

Las luchas por la CIUDADANÍA PLENA en un país donde las muchas renovaciones no siempre se ven acompañadas por un Estado letárgico, reacio ante los IMPERATIVOS HISTÓRICOS de sus propias reformas: la actualización urgente, pero una y otra vez postergada, de estructuras que se mantienen peligrosamente anacrónicas, COLONIALES casi, en contradicción con el contexto general de TRANSFORMACIONES múltiples.

Un Estado PRE-moderno en una sociedad sesgadamente POST-moderna. O al menos así parece percibirlo la imaginación popular. También cierto IMAGINARIO artístico, evidenciado en parte por esta exposición: la personal y subjetiva interpretación de nuestro sistema de ADMINISTRACIÓN DE JUSTICIA en la mirada de cinco artífices, incitados por el taller de artes serigráficas LLAVENELOJO, de CARLOS TRONCOSO, a participar en la especial carpeta de grabados comisionada por el estudio jurídico DEUSTUA & HALPERIN, Abogados.

El décimo quinto aniversario de ese bufete sirvió precisamente de motivación primera para una iniciativa que, sin embargo, se proyecta hacia CRITICIDADES más amplias. Para mejor perfilarlas, esta muestra suma a los cinco grabados otras obras de sus mismos autores, bajo un título que recoge cierta fórmula legal de ambivalencia inquietante: DEBIDO PROCESO. Una reivindicación histórica de los DERECHOS inalienables de toda persona inmersa en una situación judicial, sin duda. Pero también un recurso para MANIPULACIONES maliciosas que entrampan procedimientos e investigaciones buscando torcer la razón jurídica con dilaciones KAFKIANAS.

Un tema que en estos días ha adquirido escandalosa pertinencia por el decreto que consagra pretextos procesuales para obtener la IMPUNIDAD ante las violaciones de los derechos humanos. Algo significa el que la gran controversia resultante coincida con la apertura de esta exposición, programada meses antes. El AZAR no existe.

Menos aún la ARBITRARIEDAD: aunque en registros muy diversos, cada uno de los artífices aquí participantes ofrece sentidas y poderosas reinterpretaciones de las relaciones ciudadanas con la justicia.

A veces desde claves abiertamente SARDÓNICAS, como en la estampa de PIERO QUIJANO, inspirada en la “Tremenda Corte” de Leopoldo Fernández, el popular cómico Tres Patines. Y en el acompañamiento preciso de los cinco dibujos seleccionados del archivo interminable de las viñetas periodísticas que han hecho de su autor nuestro implacable cronista gráfico. Una suerte de DAUMIER peruano.

Piero Quijano. La Tremenda Corte. 2009-2010. Serigrafía sobre papel.

Ironías que adquieren pautas DRAMÁTICAS en las trasfiguraciones expresionistas con que la serigrafía de JORGE CASTILLA BAMBARÉN somatiza las desgracias del reo “empapelado” por demandas interminables e interesadas. Un DESBORDE de códigos insinuado también, con vocación distinta pero en interesante analogía, por el notable retablo anterior que en esta exhibición le sirve de correlato.

Jorge Castilla Bambarén. Sin título (a.k.a. El Empapelado). 2009-2010. Serigrafía sobre papel.

Un CONTRAPUNTO objetual, formulado con otras maneras e intenciones por la fuerte carga simbólica de una multitud de manos cerámicas reflejadas en negativo “bajo la mesa” y “a medias tintas”: son los elocuentes títulos escogidos para la serigrafía de CARLOS RUNCIE TANAKA, aquí reelaborada con las piezas que le sirvieron de modelo. Y con otra mayor que le otorga ominosa literalidad a la metáfora vulgar de la MANO ROTA por la corrupción.

Carlos Runcie Tanaka. Bajo la mesa (a medias tintas).2009-2010. Serigrafía sobre papel.

Atención a la enorme sutileza artística que asoma tras LA EXPLICITACIÓN DE LO EVIDENTE. Estrategias llevadas a otro extremo por SUSANA TORRES MÁRQUEZ en su opción radical por la sobria pero siniestra materialidad del ready-made: las fotografías de fichaje policial que, sin embargo, personalizan sus certificados de “buena conducta”. En el Perú es la INOCENCIA la que debe ser siempre demostrada. Burocrática y DUDOSAMENTE.

Susana Torres Márquez. Buena conducta. 2009-2010. Serigrafía sobre papel.

Pero hay inteligencia y SEDUCCIÓN tras ese frío despliegue documental. Como en la totalidad de una exposición en la que al repertorio de MISERIAS legales los artífices oponen el despliegue crítico de GOCES. Sensuales y conceptuales. Como en el (melo)drama CHOLO-POP en que los autorretratos de CLAUDIA COCA subvierten con sus MESTIZOS llantos propios a los COSMOPOLITAS de las chicas-Lichtenstein. También desde pensamientos gráficamente revelados que friccionan discursos EJECUTIVOS con coplas PLEBEYAS de Felipe Pinglo, “el hijo del PUEBLO, el hombre que supo amar”.

Claudia Coca. Las plebeyas. 2009-2010. Serigrafía sobre papel.

Como amamos nosotros esta libérrima capacidad lúdica y creativa y crítica de un arte que apuesta por una peruanidad nueva, por una CIUDADANÍA TOTAL.

Es JUSTO y necesario.

Gustavo Buntinx

MUSEALIDADES OTRAS: Hoy, 31 de agosto, conversatorio entre el Museo Travesti, el Museo Itinerante y Micromuseo. Centro Cultural de España, Lima, 19:30

2010-08-31T15:45:00.009-04:00

La revolución capitalista que el país viene experimentando, desde hace por lo menos una década, alcanza finalmente a nuestra escena cultural más amplia, y muy particularmente a los espacios múltiples de las artes visuales. Por doquier se encuentran signos flagrantes de ello. También en la nueva ambición estructural alcanzada por la institución-museo.

Contra el lamento resentido que esto suele provocar en ciertos sectores, consideramos que mucho hay por celebrar en tales desarrollos: en el Perú se necesita que también la musealidad convencional, oficial incluso, sea seria y digna y rigurosa, aunque en ocasiones se proponga al mismo tiempo como la feria de vanidades que sus modelos cosmopolitas inevitablemente implican. Precisamos un establishment sofisticado y culto que rete la complejidad y pertinencia de nuestros proyectos alternativos. Nuestras museotopías, articuladas desde la precariedad económica más impresionante –más impresionante aún cuando se la compara con las fortunas ahora movilizadas por el desembarco del gran capital en el ambiente plástico–. Esa debilidad monetaria, sin embargo, aguza el ingenio y la potencia de nuestras armas críticas. Aquellas que, desde el sinpoder absoluto, modifican tanto la práctica como el discurso de los quehaceres establecidos.

Modifican incluso el propio léxico: harto significativo es que el Centro Cultural de España haya escogido iniciar su bienvenido ciclo de foros públicos sobre el contexto del arte peruano con una mesa precisamente denominada "otras musealidades". Se confirma así la consolidación reflexiva entre nosotros de términos antes considerados extravagantes o incluso risibles. No es un logro menor el haber modificado el vocabulario con que se marca el sentido común de los tiempos.

Un logro compartido: son varias las iniciativas que pueblan el cada vez más amplio horizonte de las museotopías peruanas. La mesa que hoy 31 de agosto nos convoca reúne a tres de las más comprometidas con la reflexión teorética: el Museo Travesti del Perú, concebido por Giuseppe Campuzano; el Museo Itinerante por la Memoria, expuesto por César Ramos; y Micromuseo, representado por un humilde servidor.

Tal compañía nos honra: es mucho lo que con Ramos hemos interactuado sobre estos temas, y nuestra web acoge varias de sus propuestas específicas sobre la (post)modernidad popular. De igual manera son intensas las rutas compartidas con Campuzano, incluyendo el amplio espacio que hace poco Micromuseo le otorgó al Museo Travesti en la Trienal de Chile. Apenas la más reciente de una secuencia de complicidades iniciada con el acompañamiento textual a la primera presentación de su proyecto el año 2004. Y prolongada en 2009 con la exposición Alteridades, concebida precisamente como una alianza y lucha entre dos musealidades alternas.

Un intercambio de fluidos. Sin preservativos. También esta noche. A las 19:30.

Gustavo Buntinx

(Atención a las demás mesas de discusión convocadas por el CCE:

Miércoles 1 de setiembre:
La educación superior de arte en el Perú.
Participan: Herbert Rodríguez, Pedro Pablo Alayza, Guillermo Cortés.

Jueves 2 de setiembre:
El mercado del arte en el Perú.
Participan: Cecilia González, Alberto Casari, María Elena Alvarado).

TRINO NACIONAL: El notable video de Daniel Contreras y Sophia Durand gana el primer Concurso Nacional de Video Arte

2010-08-29T22:41:00.007-04:00

Vuelvo a esta bitácora tras varias semanas de silencio. Las luchas taquicárdicas por la subsistencia y las fragilidades del cuerpo –el mío y el de los míos– me impiden dedicarle a la web la atención que tantos otros pueden derrocharle. Mi admiración y envidia sana a quienes disponen de esos tiempos y tranquilidades virtuales.

Lo mío es la agitación demasiado terrena. Pero, por supuesto, la creciente indiferenciación de esas esferas hace inútil toda pretensión de excepciones personales ante el colapso de lo real. Precisamente el tema –uno de los diversos temas– en el provocador trabajo que hace poco obtuvo el primer premio en el primer Concurso Nacional de Video Arte, auspiciado en el Perú por la Fundación Telefónica.

Sus autores son dos estrechos colaboradores de Micromuseo: Daniel Contreras y Sophia Durand, ahora corporativamente identificados como el colectivo DCSD. No es su primera propuesta conjunta: baste recordar el proyecto Santos inocentes, un libro de veras notable que además dio lugar a dos muestras importantes el año pasado. O la exposición que a fines de 2009 curaron para Micromuseo en nuestro Paradero Habana: Takanakuy. Puñetes y patadas a 3600 m.s.n.m.

El video que ahora celebramos –Trino nacional– arroja nuevas calidades a su trabajo. Y complejidades otras. El agotamiento me impide comentarlo, más allá del señalamiento sobre la agudeza de sus intervenciones en los efectos comunicativos de la tragedia de Bagua. La inteligencia artística y tecnológica que hace de la pantalla el escenario de nuestras sensibilidades, o incluso vivencias. También políticas.

A continuación la ficha y la sinopsis oficial. El video mismo puede verse aquí. Atención también a las piezas que obtuvieron menciones honrosas, a cargo de Eliana Otta y Amapola Prada.

Honor al mérito.

Colectivo DCSD (Sophía Durand Fernández y Daniel Contreras)
Trino nacional
2010 – 4:14

"Acción de identidad que tiene lugar en el dominio digital de las redes sociales. Es un video narrativo sobre personas conectadas en disitintos lugares del país un mismo día y a la misma hora y que, a través de sus trinos (tweets), de pronto se unen al 'canto' del himno patrio. Mediante páginas como Twitter y Youtube, el video mostrará cómo el espacio virtual tiene su correlato en el físico, y viceversa".

MICROMUSEO EN ARTFORUM (Post número 100 de esta bitácora)

2010-06-14T18:58:00.022-04:00

El azar no existe: el post número cien (100) de esta bitácora coincide con la sorprendente atención prestada al proyecto de Micromuseo ("al fondo hay sitio") por el último número de Artforum, una de la revistas especializadas más reconocidas en el circuito euronorteamericano.

El artículo forma parte de una revisión más amplia de la condición museal y está firmado por Inés Katzenstein, directora fundadora del programa de arte de la Universidad Torcuato di Tella de Buenos Aires (entre los demás autores se encuentran curadores como el brasileño Adriano Pedrosa, artífices como la cubana Tania Bruguera, y el director del Museo Reina Sofía, Manuel Borja-Villel).

Katzenstein trabajó desde 2004 y hasta 2008 como curadora adjunta en el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA), entidad sobre la que también trata esta publicación, considerándola un factor decisivo de renovación y rigor en el ámbito de la musealidad formalmente establecida. Todo ello en contraposición a otros proyectos argentinos como el del museo que hace pública la colección de María Amalia Lacroze de Fortabat, apreciados por Katzenstein como fastuosos pero carentes de un proyecto crítico. Al otro extremo –el de la musealidad alterna y experimental– la autora ubica a Micromuseo y al Ferrowhite, un "museo que es un taller", cuyas "herramientas son las voces, la memoria y el hacer de los trabajadores ferroviarios y portuarios" de la ciudad patagónica de Bahía Blanca (tomo esas definiciones del sitio web respectivo). Una compañía que nos honra. En primer término por no tratarse de un museo de arte: batallando estamos por instalar la idea de que para ser genuinamente contemporáneo todo museo debe abandonar cualquier vocación exclusiva por el arte (la sola frase "Museo de Arte Contemporáneo" es una contradicción en términos). Pero también por las connotaciones de movilidad y movilización populares también presentes en la metáfora sobre el transporte público inscrita hasta en nuestro nombre.

Antes de reproducir la nota, tres comentarios:

1. Toda visión polar exige los matices necesarios. A los ya introducidos por la propia Katzenstein quisiera añadir que, desde nuestra perspectiva, la praxis del MALBA desafía su institucionalidad aparente, problematizando con frecuencia y del modo más creativo las propias concepciones establecidas de lo museal. Así lo demuestran, por ejemplo, exposiciones como la espléndida que allí se hizo sobre la histórica Sociedad Amigos del Arte (1924-1942), curada por Patricia Artundo y Marcelo Pacheco. Este último es además curador general del MALBA, logrando desde su mirada –una de las más inquietantes en la escena continental– identificar al museo con varias excentricidades brillantes (pero siempre marcadas por el rigor).
Aunque la mía, claro, es una opinión acaso sesgada por las oportunidades que he tenido de interactuar con el MALBA, por ejemplo al proponer y eventualmente curar allí la exposición Neocriollo de la artífice argentina Mónica Giron.

2. Me importa sobremanera que en el texto la autora haya privilegiado no la colección sino el proyecto crítico de Micromuseo, citando incluso frases varias de nuestro Manifiesto de viaje. (Versión inglesa aquí). Las ideas de musealidad mestiza, musealidad promiscua, por ejemplo. O la concepción pasional del museo no como cámara de tesoros y parangón de prestigios –sociales o académicos– sino como agente crítico de ciudadanía nueva. (Al respecto, vg., véanse las sucesivas entregas de "Batallas por la memoria" en nuestros post inmediatamente anteriores). Como ese mismo manifiesto formula, se trata de no sólo comprender la realidad sino además transformarla.

3. Ha sido en extremo feliz la decisión de ilustrar el ensayo con el impresionante cuadro que Sandra Gamarra generosamente aceptó realizar como comisión oficial de Micromuseo a su propia museotopía personal, el entrañable LiMAC. Se trata de El Museo de Arte borrado, la versión deliberadamente sobredimensionada y en untuoso óleo sobre tela de la pequeña (pero fundamental) ironía gráfico-conceptual impresa en 1970 por Emilio Hernández Saavedra. Dos configuraciones culminantes de nuestro pensamiento visual.

Podría dedicarle páginas enteras a esa conjunción, pero ya he empezado a hacerlo al destacarla como nuestra pieza del mes correspondiente al mes de octubre de 2009, a cuya publicación web remito.

A continuación, el artículo de Artforum (la traducción al inglés es de Jane Brody).

Sandra Gamarra / LiMAC. El Museo de Arte borrado (d’aprés Emilio Hernández Saavedra, 1970).
2008-2009.
Óleo sobre tela: 220 x 200 cm.
Micromuseo ("al fondo hay sitio").

Donación: Sandra Gamarra.
Obra especialmente comisionada al LiMAC (“Museo de Arte Contemporáneo de Lima”) por Micromuseo (“al fondo hay sitio”), para la exposición Lo impuro y lo contaminado III en la Trienal de Chile.

THE MUSEUM REVISITED

The dichotomy between the traditional museum and the “new” museum is not the same everywhere in the world. In Buenos Aires, one of the most culturally active cities in South America, for instance, a museum with a consistent exhibition program, a curatorial department, an education department, and professional management—things that would be taken as givens at any art institution in Europe or the United States—is still a novelty, a genuine accomplishment, something to strive for.

Thus, it was an enormous step in the historical development of local and regional arts institutions when Eduardo F. Costantini, the most important collector of Latin American art in Argentina, founded MALBA (Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires) in 2001. (I worked as a curator there from 2004 to 2008.) With its professional staff, coherent schedule of high-quality international exhibitions and careful exhibition design, and an acquisition program that is truly exceptional in Argentina, MALBA set a new standard for contemporary art institutions here. But if institutional or curatorial experimentation is what you are after, MALBA might not be the answer. In other words, despite being relatively new, it isn’t a “new” museum. Still, whatever faults and limitations it may have, MALBA has single-handedly raised the standards of the city’s art institutions; in any case, pretty much the only alternative to its museological approach in Argentina and other Latin American countries is that of the major public museum, typically beset by severe budgetary constraints and the pessimism and bureaucratic sluggishness that tend to pervade state-run institutions in this part of the world.

The past two decades have witnessed the opening of any number of “new” museums in Latin America. But, like MALBA, these institutions largely emulate the modern international museum rather than pioneer an institutional model geared to reflect recent artistic practices. Although these museums are welcome additions to our cultural life, they tend to accept the established institutional model as if it hasn’t for years been subject to questioning and critical revisions from within.

Another familiar problem is the new museum as crown—or cenotaph—of its founder. This model dictates that a fortune be spent on a major, emblematic building to house the donor’s personal collection; the museum will figure in the city’s tourist guides but may not matter culturally. In Argentina, for instance, one of the richest people in the country, María Amalia Lacroze de Fortabat, built a spectacular museum designed by Rafael Viñoly to house a collection of works acquired—and now exhibited—without any discernible criteria. To those who would argue that such vanity projects are harmless, one must point out that the resources could have been put to better use elsewhere; there’s also the fact that within institutionally weak contexts, like this one, such projects tend to mislead audiences in terms of what they should expect of a museum.

Despite such discouraging trends, a few innovative projects have emerged in Latin America that attempt to combat the institutional vacuum of their contexts. Strategically, I have chosen two examples in peripheral situations within the periphery itself, both of them achieved with little or no money. The Ferrowhite museum, located in the abandoned port of Bahía Blanca, an Argentine city that was once the principal point of departure for agricultural exports, documents the history of the region’s now-defunct railway system in relation to the country’s political history. It may seem beside the point to speak here of non-art museums, but given the critical tint of Ferrowhite’s curatorial vision, the intelligence and unexpectedness of its exhibition devices, and the heroic nature of such an unlikely endeavor, I believe it is eminently worth mentioning.

Peruvian critic Gustavo Buntinx launched his Micromuseo initiative in the 1980s, at a moment when the city of Lima had neither a museum of modern art nor a museum of contemporary art. Buntinx advocated for a “passionate conception of the museum not as a treasure chamber or paragon of—social or academic—prestige, but as a critical agent of a new citizenship.” Combination curatorial office, publishing house, improbable collection where popular and contemporary art intersect, website (www.micromuseo.org.pe), and device for the crossing of disciplines, Micromuseo is built on the idea that “to be truly contemporary, a museum must give up any exclusive commitment to art.” Anthropology, art history, and politics are bound into the interest of thinking critically about the current world of images.

One hopes that the region’s major museums will draw on these ideas and impetuses, since though our art institutions seem able to attract interesting artists, they often fail to harness their innovative spirit. At a moment like this one, a time of growing professionalism in the art world and growing populism in its institutions, what ideas might be capable of breaking the complacency of artists and the boredom of audiences? Perhaps the cultivation of curiosity, as opposed to the rigid pursuit of major “projects,” might give rise to a form of management conceived as investigation—that is, a management transformative by virtue of itself being constantly transformed by its cultural context.

Inés Katzenstein

BATALLAS POR LA MEMORIA IX: La Facultad de Artes Plásticas de la Universidad Católica se pronuncia contra la destrucción del monumento a la esperanza

2010-06-11T20:36:00.006-04:00

Rituales por la memoria en la inauguración del monumento, efectuada en 2007, al cumplirse cuatro años de la entrega del informe final de la CVR.

Llevado por la urgencia, cuelgo de inmediato y casi sin comentarios el valiente y significativo manifiesto emitido hace pocas horas por la Facultad de Artes Plásticas de la Universidad Católica, en respuesta digna a la destrucción del monumento a los desplazados por la violencia política en Villa María del Triunfo. Amplios detalles sobre esa vandalización ilícita en nuestros posts anteriores.

Son casi cincuenta los firmantes de esta comunicación, incluyendo a las principales autoridades y profesores de la facultad, así como a un nutrido grupo de alumnos.

PRONUNCIAMIENTO POR LA DESTRUCCIÓN DEL MONUMENTO EN HONOR A LA VERDAD PARA LA RECONCILIACIÓN Y LA ESPERANZA

FACULTAD DE ARTES PLÁSTICAS
DE LA PONTIFICIA UNIVERSIDAD CATÓLICA DEL PERÚ

El 28 de agosto del 2007, hace menos de tres años, se inauguró en el óvalo donde confluyen los distritos de Villa María del Triunfo, San Juan de Miraflores, y Villa El Salvador el “Monumento en Honor a la Verdad para la Reconciliación y la Esperanza”, obra del artista plástico Jaime Miranda Bambarén. El óvalo se denominó en honor al monumento “Óvalo de La Esperanza”.

Esta escultura fue la ganadora del concurso convocado en mayo del 2005, por el “Comité Cívico para que no se repita. Lima Sur”, de acuerdo con las municipalidades de los distritos antes mencionados. El jurado estuvo conformado por Michel Azcueta, Víctor Delfín, Eduardo Calmet, Cirilo Cárdenas; Washington Ipenza, por Villa María del Triunfo; Pablo Hinostroza, por San Juan de Miraflores y Jaime Zea de Villa el Salvador, entre otros. El premio fue otorgado por unanimidad y el artista, después de mucho esfuerzo y sin perder las esperanzas, venció todos los obstáculos hasta lograr ver realizado el proyecto. Su financiamiento estuvo a cargo de la empresa privada, el Banco de Materiales y algunas ONGs.

A la inauguración acudieron muchas personalidades así como también vecinos y amigos de la zona que acompañaron en esta fecha tan solemne acto que conmemoraba también el cuarto aniversario de la presentación del informe final de la Comisión de la Verdad y Reconciliación. Entre los presentes estuvieron representantes de los alcaldes de San Juan de Miraflores y Villa El Salvador, el alcalde de Villa María del Triunfo, José Castillo, el artista Jaime Miranda, la señora Rosa Villarán representante del comité, los monseñores José Gurruchaga y Carlos García, obispo de Lurín, el grupo Yuyachkani, y la doctora Beatriz Merino, Defensora del Pueblo, como madrina del monumento.

Nos sorprende la noticia de que el monumento ha sido destruido. Lo acontecido con este monumento, de quince metros de altura, constituye un agravio directo al símbolo que representa. Citando las palabras que dijera el monseñor Gurruchaga en su inauguración, “éste es un monumento vivo, vivo y muy vivo, que ofrecemos al Dios de la Vida Padre Nuestro y Señor Jesucristo. Para que no se repita más una cultura de muerte, alimentemos la vida con la vida, la libertad y la reconciliación”. Parece paradójico este final del monumento, si pensamos además la idea que lo generó.

Este atentado contra el arte en espacios públicos, es un eslabón más en la serie de actos que periódicamente se dan a conocer en nuestra ciudad. Se trata de la política de los hechos consumados, en general realizados por autoridades ediles. Lo preocupante es que sucede a vista y paciencia de todos los vecinos sin que nadie pueda impedirlo.

En honor a la verdad los abajo firmantes, profesores, alumnos y artistas de la Universidad Católica del Perú, pedimos una explicación y levantamos nuestra voz de protesta por este acto tan vergonzoso. Con la esperanza puesta en la reconciliación.

San Miguel, 8 de junio del 2010

Firmantes: DNI

Alejandro Alayza 06619730
Johanna Hamann 07884783
Marta Cisneros 07814265
Verónica Crousse 07255232
Sonia Prager 08231134
Joicy Bartra 06677554
Miguel Mora 06154025
Alberto Agapito 06702431
Máximo Antezana 09937880
Olga Flores 07945643
Miguel Mendoza 06068586
Gregorio Sifuentes Pinedo 40156130
Giancarlo León Waller 40160339
Carolina Salinas 25627768
Juan Peralta Barrios 06776875
Alonzo Costa 07801980
Gabriella Tubino 405205705
V. Chionwend Lhi Sánchez 09853453
Juan A. Gismonti Alegre 25594698
Mihaela Radulescu CE 000247254
Carlos Panta 07403132
Luis Roncalla Vera 09646674
Noél González R. CE 000037250
Manuel Larrea H. 09856145
Laura Allemant 10547605
Adolfo Cárdenas Rodríguez 10805864
Edward Venero Carrasco 43353191
Judith Ayala 06091550
Rosa Gonzales Mendiburu 07196997
Ángela Quispe del Pino 10005690
Miguel Cavallini 08835274
Jaime Romero 10802309
Rafael Pinto L. 06775358
Raúl Cuba P. 06639322
Manuel Vásquez Vela 08090020
Giuliana Migliori 07616642
Julia Navarrete 07708395
Natalia Iguíñiz Boggio 09852744
Moises Quintana 07974536
Miguel Nieri 09877566
Lucía Slater 08257639
Alicia Benavides 08255184
Antonio Ramos 10275872
Raura Oblitas 40150979
Carmen García Rotger 07905482
Rodrigo Tardito Warnken 41432822

BATALLAS POR LA MEMORIA VIII: La inscripción de los (otros) nombres

2010-06-11T00:15:00.004-04:00

En diversos foros continúa el debate sobre la pertinencia de la inscripción del nombre del alcalde de Miraflores sobre el remodelado monumento a las víctimas del atentado terrorista en la calle Tarata. Pero tal vez el comentario más emotivo sea el menos deliberado, efectuado incluso varios días antes que esa controversia tomara cuerpo. Me refiero a la ceremonia ritual efectuada en el memorial El ojo que llora, concebido por Lika Mutal como un homenaje a los caídos durante nuestra aún reciente violencia grande. Allí el 3 de junio varios artífices –incluyendo a los grupos Yuyachkani y Arena y Esteras– acompañaron con sus sones y sus danzas la reposición de las piedras simbólicas en que los nombres de las víctimas aparecían antes pintados y ahora grabados: incisos sobre la materia telúrica como una huella mnemónica en la historia misma. Un gesto de enorme carga simbólica.

Transcribo a continuación la información sobre el tema circulada por los organismos de derechos humanos.

Artistas participan en colocación de piedras en El ojo que llora

El día de ayer un grupo de artistas se hizo presente en el memorial El ojo que llora para participar en el proceso de recolocación de piedras con los nombres de las víctimas de la guerra interna. Cada uno de ellos cargó en sus manos una de las piedras, la que luego fue pegada en uno de los caminos del laberinto cuyas piedras se encuentran en proceso de restauración.

Al compás de la música y cantos de Yuyachkani, Carmen Ascarza y Norka Monzoni, los asistentes participaron de una emotiva actividad junto a los familiares de las víctimas, debido al ambiente especial elaborado por los artistas. El grupo Arena y Esteras dio un toque mágico al danzar en un mar de piedras, tomando gotas del agua de la fuente central, para limpiar delicadamente algunas de ellas.

Hasta el momento han sido colocadas 5800 piedras con los nombres restaurados, debiendo culminarse esta primera etapa en octubre alcanzando a los 10,000 nombres.

Una amplia jornada de colocación de las piedras se programa para el próximo 27 de agosto.
<http://spaces.live.com/spacesapi.aspx?wx_action=create&wx_url=/friends.aspx&mkt=en-us>

BATALLAS POR LA MEMORIA VII: Carta de tres vecinos de Tarata sobre las alteraciones en el monumento a las víctimas del atentado en esa calle

2010-06-10T00:14:00.005-04:00

Gracias a la acuciosidad de otra lectora –Anahí Vásquez de Velasco–

logré ubicar la carta a la que alude el comentario publicado en nuestro post anterior sobre las alteraciones al monumento erigido por las víctimas del atentado senderista en la calle Tarata. El documento se encontraba en el facebook de la Municipalidad de Miraflores, no en su sitio web, como esa acotación indicaba. Un error comprensible.

La misiva va firmada por tres personas que reivindican esa intervención urbana como respuesta edil a una petición vecinal. Manifiestan también que fueron los propios deudos quienes solicitaron que no se explicitaran los nombres de los fallecidos. Y entre otras consideraciones valoran como un reconocimiento debido el que la nueva placa destaque el nombre del actual alcalde distrital.

Quedan aquí registradas esas opiniones de Armida Sala, Luisa Mesa y Juana Muriano. Con ánimo de pluralidad cuelgo a continuación la carta completa, en imagen: no consigo copiar sus contenidos como texto para una mayor legilibilidad.

La discusión sigue abierta.

(Micromuseo organizó hace apenas dos años la exposición que rescató los impresionantes testimonios fotográficos y fílmicos de la tragedia de Tarata realizados por Ana María McCarthy y Kevin McCarthy casi inmediatamente después del atentado. Esos materiales dieron luego lugar a la publicación de un libro coeditado con Planeta. Amplia información sobre esa muestra aquí).

BATALLAS POR LA MEMORIA VI: Otra versión sobre la modificación del monumento a las víctimas del atentado en la calle Tarata

2010-06-09T18:30:00.008-04:00

A continuación cumplimos con publicar el siguiente comentario llegado a nuestra bitácora y firmado por la lectora identificada como María Teresa. Ella ofrece otra versión sobre las transformaciones del monumento a las víctimas de Tarata. No hemos logrado ubicar la carta a la que hace referencia. Y queda sin responder el tema más amplio, que va más allá de cualquier actitud del alcalde Masías pues afecta a toda la clase política. Me refiero a la manía de inscribir el nombre propio sobre cualquier obra –supuesta o real– con ansias de perennidad por lo general ilusas: la primera sacrosanta misión de todo alcalde nuevo es borrar la huella del anterior. Memorias del subdesarrollo.

Va la transcripción completa y textual del comentario de María Teresa:

"Sería bueno que te informes bien, hoy los vecinos de Tarata han publicado una carta donde aclaran todo. En primer lugar, Masias quiso colocar los nombres de las victimas y los deudos no quisieron, en segundo lugar, ellos mismos afirman que pidieron la pileta y en tercer lugar los deudos de tarata han pedido que antes de iniciar batallitas y campañas mediaticas, debieron preguntarles a ellos su opinión. Te paso el enlace: www.miraflores.gob.pe".

BATALLAS POR LA MEMORIA V: Alcalde de Miraflores se apropia de la paternidad del monumento a las víctimas de Tarata

2010-06-08T17:41:00.028-04:00

Nueva placa en la que el alcalde actual de Miraflores,
Manuel Masías,

impone su nombre al monumento de las víctimas
del atentado en la calle Tarata, inaugurado años atrás.

A propósito de la destrucción del monumento a las víctimas de la violencia en Villa María del Triunfo (ver posts anteriores en esta bitácora), Víctor Vich nos hace llegar una provocadora carta abierta sobre otro gesto, aparentemente opuesto pero igualmente irrespetuoso hacia la memoria. Se trata de la modificación del entorno y -sobre todo- de la placa del memorial levantado hace años en el punto preciso de la calle Tarata donde Sendero Luminoso detonó un coche-bomba el 16 de julio de 1992. Transcribo ese texto en su integridad. Para reflexionar y discutir.

UN NUEVO ATENTADO DE MANUEL MASÍAS:
MÁS DESTROZOS EN LA CALLE TARATA

¿Qué tienen estos alcaldes que se les da por clavar su nombre en cuanta obra realizan y en cuanto lugar restauran? ¿Son ellos quienes verdaderamente “realizan” esas obras o más bien deberíamos entender que todo lo que ejecutan lo hacen por encargo de sus votantes y entonces deberían concebirse a sí mismos no como protagonistas de los hechos sino como simples servidores de la población que los eligió? Pero, claro, eso es pedir “peras al olmo” pues ya sabemos que la política en el Perú se encuentra totalmente inmersa en la “sociedad del espectáculo” y que el poder y el ansia de figuración es lo único a lo que aspiran nuestros políticos criollos. Uno de ellos es el actual alcalde de Miraflores.

Aunque ya estamos acostumbrados (y hasta deprimidos) a que sigan sin aparecer líderes con nuevas formas de hacer política, llega un momento en que hay cosas que no pueden aceptarse desde ninguna posición política. Me refiero, en este caso, a la utilización de las muertes producidas por un atentando terrorista para sacar réditos políticos. De manera absolutamente obscena (no se qué otra palabra puede utilizarse), el alcalde Manuel Masías ha impreso su nombre en el monumento recordatorio al atentado de la calle Tarata. Se trata de una falta de respeto a las víctimas, de un narcisismo demencial y de un mal uso de nuestros recursos públicos.

Recordemos: luego del bombazo, la calle se volvió peatonal y ahí se erigió un monumento que destacaba por su sobriedad y elegancia; un lugar de memoria para nunca olvidar lo sucedido. Pero sucede que, de buenas a primeras, el alcalde Masías no sólo ha tenido el mal gusto de “reinaugurar” el monumento convirtiéndolo en una burda pileta turística (hoy los alcaldes optan por lo más fácil que es construir piletas por todos lados y son incapaces de convocar a concursos de escultura o de articularse con los artistas de sus distritos) sino que Masías ha colocado su nombre, en el centro mismo del monumento, a fin de asumir todo el protagonismo posible.

Parece increíble pero es cierto: ahí no figuran los nombres de las víctimas, ni la del escultor que realizó la obra, sino que sólo observamos el gran nombre de Masías. Increíble pero cierto. ¿Por qué el alcalde decidió restaurar ese monumento y no otros del distrito que sí están en muy mal estado como el mural de Ricardo Wiesse o a la magnífica escultura de Sonia Prager que continúa hongueándose en el malecón? ¿Cuál fue su interés? ¿Por qué en el coliseo del voley de Miraflores aparece su nombre por todos lados? ¿No está eso prohibido?

Esta ansiedad que Masías tiene por imponer su nombre es múltiple. Meses atrás no era raro descubrir viejas quintas miraflorinas que exhibían curiosos letreritos con la frase “Gracias Dr. Masías” casi en el estilo de la vieja cultura de las haciendas y de los peones frente a sus gamonales. De hecho, la religión católica nos ha enseñado que lo que uno hace con la mano derecha no debe saberlo la izquierda (Mt 6, 3), pero ya sabemos que algunas personas han convertido el cristianismo no en un reto ético sino en la pura defensa de sus privilegios e intereses.

No es posible que el nombre de Masías continúe inscrito en ese monumento que recuerda un hecho dramático que nos involucra a todos y donde no cabe ningún protagonismo. Debemos protestar colectivamente. Debemos censurar esa obscenidad.

Víctor Vich

El monumento a las víctimas de Tarata,

antes y después de las alteraciones.
Atención a la centralidad otorgada a la nueva placa
(con el nombre del alcalde Masías).

RAMÓN / RAMONA: TRANSMARICONIZANDO EL SUR

2010-06-03T15:50:00.012-04:00

Atrapado en las batallas por la memoria (ver posts anteriores) no he tenido oportunidad ni aliento para saludar la publicación de casí el último número de la revista bonaerense Ramona, travestida ahora en Ramón por sus editores invitados, el investigador argentino Fernando Davis y nuestro colega y paisano Miguel López. Como este mismo señala, el tema general escogido –Transmariconizando el Sur– marca un desborde adicional en los quiebres epistemológicos que subvierten las disciplinas de la reflexión cultural en regeneración continua.

Para acceder al contenido completo de esta edición, púlsese aquí. Y atención al denso diálogo allí recogido entre López y Giuseppe Campuzano sobre el Museo Travesti del Perú, una de las museotopías peruanas que Micromuseo más ha apoyado (al respecto véase nuestra "ruta" Alteridades).

Copio a continuación el post sobre Ramón publicado por López en la bitácora Arte Nuevo, seguido por el índice completo de este número.

Ramón 99. Transmariconizando el Sur
Miguel López

A propósito del tramo final de Ramona, no tuve tiempo de postear aquí el anuncio de Ramón 99 (Buenos Aires, abril 2010). Una edición para la cual el investigador argentino Fernando Davis y yo fuimos editores invitados, y cuyo dossier se tituló Micropolíticas Cuir: Transmariconizando el Sur. Se decidió hacer un número cuir, ásperamente posfeminista y transmarica dada la urgencia de tal discusión en nuestra ramona amiga. En un desborde del habitual debate, el eje de este 99 fueron algunos flujos estéticos sexopolíticos recientes que nos permiten pensar cómo el cuerpo insurrecto está alterando las epistemologías tradicionales de la historia del arte, y el lugar y las gramáticas de las luchas sociales. Ramona cómplice se prestó para el cambio de sexo y voilà!

Con el 99 ramón cerró un ciclo regular de dossiers, y el próximo mes edita su edición n. 101, su número final luego de 10 años de producción crítica sostenida. Triste pero feliz, y más maricona que nunca, ramona sale a deambular por las calles. He subido el pdf a este link para su lectura y libre descarga. Cabe decir, no obstante, que muy pronto el archivo entero de Ramona estará disponible online y con un servidor de búsqueda estupendo. Espero lo disfruten, pirateen y circulen.

Escriben en esta edición: Silvia Delfino, Flavio Rapisardi, Elizabeth Vásquez / Proyecto Trvnsgén3ro, Beatriz Preciado, Fernanda Carvajal, Inti Guerrero, Mujeres Públicas, Pablo León de la Barra, Giuseppe Campuzano, Felipe Rivas San Martín, Elisa Fuenzalida, María Galindo / Mujeres Creando, Víctor Manuel Rodríguez, Miguel A. López y Fernando Davis.

.......

INDICE

Micropolíticas Cuir: Transmariconizando el sur

Presentación
Fernando Davis y Miguel A. López

Cuirizando la cultura argentina desde La Queerencia, Centro criollo de políticas de la diferencia.
Silvia Delfino y Flavio Rapisardi

Manifiesto Ecuatoriano del Octubre Trans
Elizabeth Vásquez

La convulsión coliza. Notas sobre las Yeguas del Apocalipsis.
Fernanda Carvajal

Transfeminismo y micropolíticas del género en la era farmacopornográfica
Beatriz Preciado

Flavio de Carvalho: el “Laboratorio de erótica” y su New Look
Inti Guerrero

Veladas paquetas queer georgé
Mujeres Públicas

Diálogo sobre el Museo Travesti del Perú. Chamanes, Danzantes, Putas y Misses: El Travestismo Obseso de la Memoria.
Giuseppe Campuzano y Miguel A. López

¡Mi Culo es Revolucionario! Sobre el Journal Gay Internacional, Publicación Mensual de la Liga Eloinista, numero 02, 1980.
Pablo León de la Barra

Bordes impropios de la política: la nueva escena de la Disidencia Sexual en Chile.
Felipe Rivas San Martín

En el post del Posporno. Epílogo a la historia de una hija desnaturalizada.
Elisa Fuenzalida

Estado Patriarcal y Estado Proxeneta: La puta no tiene clientes, tiene prostituyentes.
María Galindo. Mujeres Creando

Eroiticica o Los muchachos de Oro de Babylonests
Víctor Manuel Rodríguez

Proyecto Heteronorma
Mujeres Públicas

BATALLAS POR LA MEMORIA IV: CNDDHH se pronuncia contra la destrucción del monumento a las víctimas de la violencia en VMT

2010-06-02T18:36:00.015-04:00

(La memoria por los suelos: el monumento caído en la mañana tras su derrumbamiento, realizado con nocturnidad y alevosía).

Impresionante la amplitud de reacciones contra la destrucción del monumento del distrito limeño de Villa María del Triunfo erigido en homenaje a la memoria y la dignidad de los desplazados a consecuencia de la violencia política. A los muchos comentarios personales recibidos sobre el tema (algunos de los cuales hemos colgado en nuestros posts anteriores), se le suman ahora comunicados institucionales como el de la Coordinadora Nacional de Derechos Humanos (CC.NN.DD.HH). Lo transcribo verbatim:

CNDDDHH CONDENA ATENTADO VANDÁLICO CONTRA LA CULTURA Y LA MEMORIA COMETIDO POR ALCALDE DE VILLA MARÍA DEL TRIUNFO

La Coordinadora Nacional de Derechos Humanos (CNDDHH), red de 78 organismos que defienden la democracia y los derechos fundamentales en todo el país desde hace 25 años, expresa su indignación y tajante condena contra el atentado vandálico contra la cultura, la memoria y el proceso de búsqueda de verdad, justicia y reparaciones, que ha cometido el alcalde de Villa María del Triunfo, Juan José Castillo, el 27 de mayo último, al destruir el conjunto escultórico ubicado en el Óvalo de la Esperanza de ese distrito.

Destruir una obra de arte es ya un comportamiento bárbaro; destruir además un memorial que busca contribuir a la reconciliación y al recuerdo público de lo sufrido por los peruanos en el terrible periodo de violencia política, sólo puede ser considerado como una renovada forma de violencia.

Este memorial fue construido sin fondos del Estado, con aporte de la empresa privada, y fue realizado como resultado de un concurso público convocado durante la gestión del anterior burgomaestre, como parte de las acciones a favor del cumplimiento de las recomendaciones de la Comisión de la Verdad y Reconciliación. Fue erigido en el conocido óvalo del cono sur de Lima, donde coinciden Villa María del Triunfo, San Juan de Miraflores y Villa El Salvador, tres distritos que sufrieron el terror en sus calles, pero que también acogieron a miles de personas desplazadas por la violencia, provenientes de Ayacucho, Huancavelica, Apurímac, Huánuco, Puno, que se refugiaron y reconstruyeron sus vidas en estos nuevos lugares.

Este memorial fue construido bajo la convocatoria del Comité Cívico Para Que No Se Repita de Lima Sur, y la propuesta ganadora correspondió al escultor Jaime Miranda. La obra estaba formada por un eucalipto muerto, desgarrado desde sus raíces, suspendido sobre una estructura metálica de tres pilares que simbolizan a los tres distritos.

La CNDDHH lamenta y condena este incalificable atentado a la cultura y el proceso de memoria y reconciliación cometido por el alcalde de Villa María del Triunfo. Por lo mismo, exige las mayores aclaraciones a su gestión, a su propia comunidad de vecinos, a las autoridades gubernamentales concernidas, empezando por el INC y la CMAN. Del mismo modo, expresa su solidaridad con la comunidad ofendida por este acto bárbaro, especialmente con las organizaciones de víctimas de la violencia.

CNDDHH, Lima, 31 de mayo de 2010

(El monumento en su esplendor nocturno, antes de la destrucción).

BATALLAS POR LA MEMORIA III: Municipalidad de VMT niega responsabilidad en destrucción del monumento a los desplazados por la violencia

2010-05-31T19:24:00.007-04:00

¿QUIÉN ENTONCES PUEDE DISPONER TRABAJOS DE ESA ENVERGADURA EN EL ESPACIO PÚBLICO DEL DISTRITO?

(El monumento en su plenitud. Fotografía tomada de la web del artífice Jaime Miranda Bambarén).

En declaraciones a la Coordinadora Nacional de Radio, el gerente de la Municipalidad de Villa María del Triunfo, Iván Domínguez, desconoce cualquier responsabilidad edil en la destrucción del monumento a los desplazados por la violencia política. Como él mismo señala, sin embargo, esa depredación implicó trabajos de envergadura, con soldadoras y maquinarias diversas utilizadas durante varias horas. Así lo demuestran las fotografías publicadas por el post anterior de esta bitácora nuestra. ¿Cómo explicar, entonces, que toda esa complicada labor se pueda haber realizado sin conocimiento o participación de la autoridad edil? Queda planteada la interrogante. De evidenciarse que la acción corresponde a terceros de inmediato lo señalameros. Mientras tanto, exigimos que la Municipalidad de Villa María del Triunfo y la policía nacional realicen las investigaciones del caso, pues según los argumentos ediles se trataría de un acto de vandalismo mayor sin autorización municipal.

A continuación el reporte con los descargos del gerente Iván Domínguez.

Lima, 31/05/2010 (CNR) -- La municipalidad de Villa María del Triunfo rechazó cualquier responsabilidad en la destrucción de la escultura denominada "El Árbol Desarraigado", que rendía homenaje a las víctimas de la violencia política (1980-2000).

A través de CNR, Iván Domínguez, gerente de referida comuna, negó que las obras viales que se desarrollan en las inmediaciones de la Avenida Pachacúte lleguen hasta donde se ubicaba el monumento.

El funcionario señaló que con el apoyo de los vecinos están indagando quienes son los autores de este acto y emplazó a quienes afirman que hubo representantes de la municipalidad coordinando la destrucción de la obra escultórica a que muestren las pruebas.

"Lo más fácil es decir que la municipalidad asuma la responsabilidad, pero eso no es así (...) para hacer un acto de esa magnitud se requiere de maquinaria pesada (...) se dice que hay fotos de funcionarios; he pedido que me las traigan".

De igual manera, informó que han cursado una carta notarial al diario "La República", el cual dejó entrever que los trabajos que desarrolla la municipalidad ocasionaron la destrucción del monumento.

"Eso es falso. La municipalidad (de Villa María del triunfo) no tienen ninguna injerencia en ese acto (...) para nosotros es claro que el árbol simbolizaba el horror que vivió el país a consecuencia de la lucha entre el terrorismo y las fuerzas del orden", enfatizó.

La escultura se ubicaba en la Avenida Pachacútec, a la altura del desvío a Nueva Esperanza, en el límite de tres distritos -San Juan de Miraflores, Villa El Salvador y Villa María del Triunfo- donde todos sufrieron el mismo fenómeno poblacional.

Fue construida en el 2008 y mostraba todo el tronco de un árbol suspendido por tres soportes metálicos donde resaltaban las grandes raíces expuestas. Hoy yace en pedazos y parte de la escultura, hecha de hierro, desaparecida.

Los miembros del Comité "Para Que No Se Repita" de Lima Sur presentarán una carta a la municipalidad de Villa María del Triunfo al respecto. Ellos afirman que se firmó un convenio en el año 2007, cuando Washington Ipenza era alcalde. En este convenio se señalaba que la municipalidad de Villa María haría el mantenimiento a la escultura.

BATALLAS POR LA MEMORIA II: Con nocturnidad y alevosía - Alcalde de Villa María del Triunfo destruye monumento vinculado a la CVR

2010-05-30T11:40:00.025-04:00

FOTOS EXCLUSIVAS PARA MICROMUSEO DE JESÚS DE LA CRUZ, ARTÍFICE Y ANTIGUO COLABORADOR NUESTRO.

En un acto de lesa memoria, con nocturnidad y alevosía, entre la noche del pasado jueves 27 y la madrugada del viernes 28 de mayo el alcalde de Villa María del Triunfo, Manuel Castillo, ha destruido el conjunto escultórico erigido allí a mediados de 2007 como un tributo a las víctimas de la violencia política en nuestro paía y en conmemoración del cuarto aniversario de la entrega del Informe Final de la Comisión de la Verdad y Reconciliación (CVR). Una manifestación adicional de la prepotencia edil que trastorna el entorno urbano sin advertencia ni consulta ciudadana alguna, como hace poco dolorosamente se manifestó en la destrucción de la glorieta histórica del Parque Cuadros de Chorrillos por otro alcalde vandálico, Augusto Miyashiro.

Pero este último nos tiene ya acostumbrados a sus indefatigables esfuerzos por arrasar todo lo que signifique naturaleza y belleza en sus ahora devastados predios. Fue durante el mandato del propio Castillo, en cambio, que ahora se erige el monumento que ahora clandestinamente derriba. ¿Tal vez porque su antecesor en el cargo ––Washington Ipenza–– fue parte del jurado calificador que seleccionó a este proyecto en un concurso público?

Efectivamente, en una situación excepcional para las intervenciones sobre el espacio público, esta escultura fue escogida en un certamen abierto, dirimido también por otros tres alcaldes (Michel Azcueta y Jaime Zea de Villa El Salvador, Paulo Hinostroza de San Juan de Miraflores) y el artífice Víctor Delfín. La convocatoria estuvo a cargo del Comité Cívico Para Que No Se Repita - Lima Sur y la propuesta ganadora, del escultor Jaime Miranda Bambarén, consistía en un gran eucalipto muerto que sin embargo elevaba sus raíces sobre los transeúntes gracias a una estructura metálica de tres patas. Éstas simbolizaban los distritos vecinos de Lima en los que se afincaron tantos migrantes andinos al ser expulsados –desarraigados– por nuestra violencia grande.

Increíblemente, fue el propio Castillo quien así lo explicó hace un par de años, cuando declaraba que "en las décadas de los 80 y 90, los tres distritos sufrieron la muerte de muchos pobladores por los terroristas. También vinieron muchos desplazados. Algunos no entienden la escultura por falta de cultura. Pero las raíces simbolizan la verdad. La madrina fue la Defensora del Pueblo, Beatriz Merino. Y el concejo no gastó nada porque la empresa privada la ha construido". El terreno abandonado que así se regeneró pasó a denominarse entonces "Ovalo de la Esperanza". Ahora podría rebautizárselo como baldío del olvido.

Publico a continuación la excepcional serie de fotografías lograda por Jesús de la Cruz, artífice constructor y antiguo colaborador de Micromuseo, quien pernoctó en la zona para captar con su celular estas dramáticas imágenes. Incluyendo, por cierto, las que registran las conmovedoras palabras incisas en la placa de mármol, hoy probablemente destruida para borrar toda huella de la ilusión y la esperanza que intentaron configurarse en el monumento ahora devastado.

(Para más información sobre el monumento, véase la página web de su artífice, Jaime Miranda Bambarén: http://www.jaimemiranda.com).

(P.D.: APENAS TRANSCURRIDAS UN PAR DE HORAS TRAS LA PUBLICACIóN DE ESTE POST SON YA VARIOS LOS COMENTARIOS QUE SE NOS HAN REMITIDO. A PESAR DE SU INTERÉS, NO ES FACTIBLE PUBLICARLOS POR INCLUIR IMPROPERIOS. ESTA BITÁCORA NO ACEPTA CONTRIBUCIONES QUE HAGAN USO DE INSULTOS, AÚN CUANDO LAS IDEAS CONTENIDAS EN ELLAS PRETENDAN EXPRESAR ACUERDO CON LAS AQUÍ PLANTEADAS. LA FORMA ES CONTENIDO Y TODA ARGUMENTACIÓN EN TÉRMINOS INJURIOSOS ES REGRESIVA).

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LA SOMBRA FASCISTA: MANIFIESTO CONTRA LA APROPIACIÓN CHAVISTA DE LAS COLECCIONES MUSEOLÓGICAS DE VENEZUELA

2010-05-22T21:25:00.018-04:00

Francisco Miranda, gran precursor de la independencia venezolana, otra vez encarcelado: el cuadro icónico que lo muestra en la prisión española de La Carraca, pintado en 1896 por Arturo Michelena, pareciera ahora una alegoría del control político del régimen chavista sobre la actividad museológica de ese país. (Óleo sobre tela: 196.6 x 245.5 cm. Galería de Arte Nacional, Caracas, Venezuela).

La teoría crítica viene alcanzando, durante los tiempos últimos, desarrollos notables y complejos en la discusión cultural internacional. Un proceso importante que nos estimula a todos y al que todos procuramos aportar. En pocas instancias, sin embargo, se aboca ella a las urgencias concretas de extremidades inmediatas. Por ejemplo las opresiones que en América Latina se viven bajo dictaduras como la decadente de Cuba o la aún reciente de Venezuela.

Ya nadie serio, es cierto, pretende reivindicar a la primera de esas instancias como modelo (hace pocas semanas también el Partido Socialista de Chile anunció su ruptura histórica con ese régimen hereditario). Pero la influencia del chavismo se deja todavía sentir en caudillismos irresponsablemente respaldados por alguna intelectualidad ilusa de nuestros países, a veces inconsciente de la sombra fascista que esos autoritarismos expanden sobre el continente. Algo, sin embargo, tan visible en la experiencia misma de lo que penosamente se evidencia dentro del propio proceso venezolano.

Más allá de ls absurda ruina económica de uno de los países más ricos del planeta (crisis energética en un océano inagotable de petróleo), preocupa sobre todo el afán totalizante y totalitario de un gobierno que se apropia del Estado y reprime a la sociedad civil en la búsqueda anacrónica de un poder absoluto. Ejemplo preciso de ello es el anuncio reciente del control impuesto ya no sólo a la administración de los museos sino incluso a sus colecciones, todas las cuales serán física y legalmente transferidas a una sola entidad, la Galería Nacional de Arte, para su control definitivo por parte del régimen.

Se trata de un gesto reaccionario más, a contrapelo de las grandes tendencias mundiales hacia la diversidad cultural y la pluralización de las expresiones. Con la extravagancia adicional de ofrecerse como un impulso revolucionario. Una triste comprobación de cómo los discursos liberadores de otrora han sido capturados, vaciados, degradados, por las fuerzas más regresivas.

Pero no todo se pudre en Dinamarca. O en América Latina: con celeridad impresionante, un manifiesto intitulado "Contra el despojo" ha acumulado ya casi mil firmas desde su circulación el pasado 18 de mayo, Día Internacional del Museo.
La nómina amplia incluye personalidades de distintas generaciones, incluyendo artífices, literatos, historiadores, músicos, cineastas. Entre los promotores y primeros firmantes se encuentran (en estricto orden alfabético, y sin privilegios de género): Priscilla Abecasis, Pablo Antillano, Alexander Apóstol, Guillermo Barrios, Alicia Alamo Bartolomé, Virginia Betancourt, Nicolás Bianco, Manuel Caballero, Rafael Cadenas, Alfredo Chacón, Simón Alberto Consalvi, Omar Estacio, Paulina Gamus, Patricia Guzmán, Víctor Guédez, Solveig Hoogesteijn, Rodolfo Izaguirre, Sofía Imber, Miguel Miguel, Ana Nuño, Federica Palomero, Graciela Pantin Sandra Pinardi, Luis Enrique Pérez Oramas, María Elena Ramos, Elizabeth Safar, Sonia Sanoja, Ana Teresa Torres y Clementina Vaamond.

Sus argumentaciones no precisan explicaciones mayores. A continuación reproduzco íntegro el documento.

CONTRA EL DESPOJO:
POR EL FORTALECIMIENTO DE NUESTROS MUSEOS

Nueva crisis de los museos venezonalos y el destino de sus colecciones

El reciente anuncio del actual Ministro del Poder Popular para la Cultura —en el sentido de que ha decidido trasladar todas las colecciones de obras de arte de los museos nacionales a los depósitos de uno de ellos— debe ser objeto de una cuidadosa evaluación y una inmediata atención por parte de la comunidad cultural del país.

Esta medida atenta definitivamente contra la razón de ser de los museos, como garantes y administradores de colecciones del más diverso tipo, que le permiten proyectarse a la sociedad como instituciones de servicio público de extraordinaria potencialidad e impacto social.

Desde las últimas décadas del siglo XX, a la par del surgimiento de un número significativo de instituciones del más variado espectro, el proceso de desarrollo y profesionalización de los museos venezolanos empezó a ser reconocido nacional e internacionalmente. Durante todo este tiempo, el museo venezolano se consolidó como referencia internacional, entre otros aspectos, por el crecimiento y continua articulación de sus colecciones, su dinámica expositiva y la sólida vinculación con su entorno.

Sin embargo, después de un período de sostenido aumento y diversificación de sus audiencias, hacia los últimos once años los museos venezolanos han estado a merced de cambios arbitrarios asociados a una tendencia de centralización de la gestión político administrativa del país. La pérdida de su autonomía funcional y programática y la progresiva sumisión a determinados lineamientos doctrinarios, muy alejados de sus funciones artístico patrimoniales, han desdibujado su misión, debilitando su capacidad de convocatoria, el impacto social de sus servicios, la calidad en sus exposiciones y su otrora valiosísima producción de materiales de apoyo a la educación. De manera injustificada, durante una década de ingentes recursos en el erario público, las colecciones de estos museos asediados por la centralización, se han estancado y desactualizado.

El vaciamiento de sentido de nuestras instituciones museísticas que hoy se intenta consumar con esta nueva medida centralista, tiene un antecedente en la promulgación por parte del Ministro Sesto de una Fundación Nacional de Museos en 2005, como instancia supramuseo que asumió desde entonces el control de las funciones de los museos nacionales y su programación.

Al unísono con la creación de esta supraestructura, se impusieron en los museos estrategias que debilitaron el trabajo de los especialistas, rechazando sistemáticamente las prácticas curatoriales, eliminando las juntas directivas y consejos consultivos, que velaban por el buen funcionamiento de las instituciones y el mantenimiento y constante impulso de sus infraestructuras y, muy importante, la conservación y complementación de las colecciones, de acuerdo al perfil de cada museo.

Según el ICOM, el Consejo Internacional de Museos de la UNESCO, la existencia de una colección es parte definitoria del concepto mismo del museo, base de su existencia. Una razón de ser que impulsa sus funciones definitorias: para conservarla, investigarla, comunicarla y exhibirla con fines de estudio, educación y deleite, como testimonios materiales del ser humano y sus valores identitarios. Alejar la colección del museo heriría gravemente su esencia. ¿Es posible concebir museos sin colección y colecciones museísticas sin museo?

Aparte de las sobradas razones que fundamentan la ineludible condición de que cada museo preserve y difunda el patrimonio del cual es responsable, existen sobradas razones tecnicas y de seguridad. No es funcional, ni conveniente, ni seguro tener los patrimonios de todos los museos en un solo depósito. Un incendio, inundación o terremoto resultaría una tragedia nacional. Pero, más cotidianamente, el movimiento frecuente de las obras las pondría en el riesgo seguro de los traslados mismos.

Además, si el Ministro actual ha reconocido públicamente que “el manejo de la Fundación fue pésimo, porque se creó un equipo por encima de los museos…”, ¿cómo puede pretender ahora dejar este valiosísimo patrimonio de los venezolanos a cargo de una estructura tan ineficiente?

Los museos deben recuperar la figura de Fundaciones de Estado que les fue arrebatada al colocarlos bajo la égida única de la FMN. Deben seguir siendo instituciones del Estado, no del gobierno, y las razones humanísticas, técnicas, artísticas, la historia de una cultura y de sus obras no debe estar nunca al antojo, autoritario y cambiante, de un gobernante temporal.

Para cumplir con su imprescindible misión de conservación y difusión del patrimonio cultural se debe garantizar a los museos tanto el manejo de sus colecciones —base de su identidad y fortaleza institucional— como una amplia libertad de creación, autonomía programática y sustentabilidad financiera.

Nuestro país requiere y exige que sus museos, orgullo de muchas generaciones, sean respetados como bastiones de nuestra identidad, diversidad y pluralidad cultural. En ese sentido es que los abajo firmantes alzamos nuestra voz de enfático rechazo a la decisión de despojar a los museos nacionales de sus colecciones y su traslado a los depósitos de la sede, aún inconclusa, de la Galería de Arte Nacional.

Exhortamos a las autoridades culturales a derogar esta medida y a tomar otras que permitan la recuperación y el fortalecimiento de estas instituciones fundamentales para la vida cultural del país.

(ADHESIONES A:
firmasmuseos@gmail.com)

BATALLAS POR LA MEMORIA I: Memoria museo memoria - En el Día Internacional del Museo, Luis Repetto opina sobre el Lugar de la Memoria

2010-05-18T22:40:00.007-04:00

MEMORIA MUSEO MEMORIA

Escribe Luis Repetto, presidente de ICOM-PERÚ

El 18 de mayo se celebra en todo el mundo el Día Internacional del Museo, fecha instituida por el ICOM-Consejo Internacional de Museos desde 1976 con la intención de sensibilizar a las comunidades respecto a la importancia y trascendencia de estos espacios culturales que cada vez se han convertido más en lugares para la memoria, el conocimiento, el esparcimiento y la interacción.

Cada año el ICOM propone un tema para propiciar la reflexión. Este año, el tema seleccionado se denomina: Los museos para la armonía social. Nuestro país está definido en la constitución del Estado como un pluricultural, pluriétnico y multilingue. Así, esta convocatoria está destinada a promover la interculuralidad, la tolerancia y el mutuo respeto.

El Perú cuenta con una larga tradición histórica, con asentamientos poblados de alrededor de 5000 años de antigüedad, con un mestizaje evidente que intenta autoafirmarse, con una extraordinaria diversidad natural y cultural. Pero no posee físicamente los espacios adecuados y el uso de estas instituciones culturales sigue siendo mal interpretado, mal utilizado y mal asimilado.

No sólo es responsabilidad del gobierno central, o de los gobiernos regionales y municipales, sino también de la sociedad civil y de las empresas privadas, así como de las universidades y la iglesia. Todas estas instituciones, entre otras, tienen ese inmenso encargo de promover la conservación de nuestro patrimonio cultural.

La ley faculta a las instituciones del Estado a promover el respeto y la conservación de los bienes culturales, entendiéndolos en su más amplia acepción, abarcando no sólo el paisaje y la naturaleza sino también los bienes producidos por el hombre que son testimonios de su evolución. En estos últimos tiempos, también de manera primordial se considera la preservación de las identidades locales a través de la promoción y conservación, así como del registro del patrimonio inmaterial. El pensamiento, la literatura oral, la música, la danza, la gastronomía y la artesanía, así como la medicina tradicional y el uso de las tecnologías tradicionales, deben ser respetados y preservados para las generaciones futuras.

Los museos no son más los edificios con colecciones encerrados en vitrinas o reservas técnicas. Los museos son espacios culturales para la transmisión del conocimiento y la memoria colectiva de los que nos precedieron, para ver el futuro con optimismo, para reconocernos, para autoafirmarnos, para celebrarnos de ser una civilización capaz de seguir aceptando y venciendo retos.

Los museos son espacios abiertos, son territorios con sus habitantes y los objetos que éstos elaboraron como respuesta a la adversidad. Son lugares donde se exponen las manifestaciones artísticas, no sólo de las bellas artes sino de todo aquello que es capaz de reconocernos en la diversidad y de identificarnos en el panorama del contexto internacional de naciones.

Existen grandes esfuerzos en los últimos tiempos por clarificar el uso de la memoria, se comenta mucho de su importancia y de su transmisión como testimonio de nuestra evolución histórica. Sin embargo, el ejemplo más evidente en el Perú lo constituye el debate generado a partir del Museo de la Memoria que finalmente intenta transformarse en el Lugar de la Memoria.

¿Dónde esta la diferencia? ¿Es que no seguimos viendo para qué sirven los museos? ¿Por qué temerle a esta palabra que viene desde la antiguedad, generada en Grecia como el templo de las musas y que en estos más de 2000 años no ha hecho otra cosa que transformarse en lo que hoy aspiramos?: la preservación y conservación del patrimonio en todas sus manifestaciones para las generaciones futuras.

Me parece que el debate que se llevó a cabo en nuestro país el año 2009 en
relación a este tema sirvió para madurar el concepto y asumir que es
indispensable contar también con estos espacios físicos para recordar, para
valorar el precio de la democracia y de vivir en orden y paz. Es una historia
negra que no debemos ocultar, que debemos conocer, que debemos valorar, que
debemos colocar en su verdadera dimensión.

Por eso este 18 de mayo será un tiempo y un espacio para la reflexión para
retomar este permanente tema de la memoria y los museos y la armonía social. Tal
vez la definición de museos más lúcida de los últimos tiempos la haya brindado
Maria Vargas Llosa cuando nos devela que:

"los museos son tan necesarios para los países como las escuelas y los hospitales. Ellos educan tanto y a veces más que las aulas y sobre todo de una manera más sutil, privada y permanente que como lo hacen los maestros. Ellos también curan, no los cuerpos, pero sí las mentes, de la tiniebla que es la ignorancia, el prejuicio, la superstición y todas las taras que incomunican a los seres humanos entre sí y los enconan y empujan a matarse. Los museos reemplazan la visión pequeñita, provinciana, mezquina, unilateral, de campanario, de la vida y las cosas, por una visión ancha, generosa, plural. Afinan la sensibilidad, estimulan la imaginación, refinan los sentimientos y despiertan en las personas un espíritu crítico y autocrítico. El progreso no significa sólo muchos colegios, hospitales y carreteras. También, y acaso, sobre todo, esa sabiduría que nos hace capaces de diferenciar lo feo de lo bello, lo inteligente de lo estúpido, lo bueno de lo malo y lo tolerable de lo intolerable, que llamamos la cultura".

REVOLUCIÓN EN LA REVOLUCIÓN XII: Twitter - Ese animal feroz (Columnista invitada: la heroica Yoani Sánchez)

2010-05-03T02:06:00.007-04:00

Copio íntegro, a continuación, un post reciente de la bitácora Generación Y, generada por Yoani Sánchez como uno de los más contundentes gestos libertarios en la lucha contra la interminable asfixia de la sociedad cubana. El texto resulta de particular interés por su demostración de lo inimaginablemente absurdos que pueden resultar los controles paranoicos de la dictadura en ese país (¿cuántos de los que en el Perú nos consideramos de izquierda toleraríamos un solo día de esas imposiciones?). Pero el informe es además importante por la explicitación del papel decisivo que las nuevas tecnologías pueden llegar a tener en las luchas por la democracia. Una gesta épica repartida en infinitos gestos mínimos, "relatando la Isla en trozos de 140 caracteres", como con tan callada elocuencia lo resume este escrito.

TWITTER: ESE ANIMAL FEROZ

Anoche me visitó un amigo que vive en Las Villas y que para llegar hasta la capital debe sortear los problemas de transporte y el círculo de vigilancia que lo rodea. Me contó que hace unas semanas estuvo detenido y le quitaron el teléfono móvil durante un par de horas, hasta que un oficial apareció, contrariado, con el pequeño Nokia entre sus manos. “Ahora sí que estás en problemas” le repetía una y otra vez el teniente de la Seguridad del Estado que lo tenía recluido en aquella estación. La razón para tanta alarma era que en su agenda telefónica había una entrada bajo el nombre de Twitter acompañada de un número en el Reino Unido*.

“Nadie te salva de los quince años” lo amenazó el policía mientras le confirmaba que enviar SMS a alguien con un nombre tan raro y que vivía tan lejos era un delito enorme. No sabe él que el camino para sacar nuestros tweets al ciberespacio es el rústico envío de mensajes de sólo texto a través del servicio celular. Tampoco imagina que en lugar de llegar a manos de un miembro de la inteligencia británica, nuestros breves textos van a parar a ese pájaro azul que los hace volar por el ciberespacio. Es cierto que se trata de una emisión a ciegas y que no podemos leer las respuestas o referencias que hacen los lectores, pero al menos estamos relatando la Isla en trozos de 140 caracteres.

Pensando siempre en conspiraciones, agentes y conjuras, no se han percatado que las tecnologías han convertido a cada ciudadano en su propio medio de difusión. Ya no son los corresponsales extranjeros quienes validan determinada noticia ante los ojos del mundo, sino que –cada vez más– nuestras incursiones en Twitter se convierten en referencia informativa. Mi amigo me lo cuenta a su manera: “Yoani, cuando veníamos hacia La Habana teníamos un gran operativo detrás. Yo redacté de antemano un SMS para advertir si nos detenían”. Quizás fue el brillo de la pantalla del Nokia o la convicción de que algo nuevo se interponía entre el perseguido y los perseguidores lo que evitó que lo metieran en la patrulla. Si lo hubieran interceptado, un breve clic en el botón de enviar habría sacado su grito a la Web, contando aquello que a la prensa internacional le hubiera llevado horas saber.

Lo despedí en la puerta y llevaba su móvil en la mano, como una linterna de tenue luz. En la carpeta de “borradores” un texto ya preparado lo protegería de las sombras que lo esperaban allá abajo.

* Entre los servicios que ofrece Twitter, está la posibilidad de publicar a través del SMS para quienes no tenemos acceso a Internet. Todo se hace a través de un número de servicio al que se mandan los mensajes que aparecerán inmediatamente ubicados en la cuenta del usuario.

VIRGINIA PÉREZ-RATTON: RECIBIR EL MAGÓN

2010-04-24T18:26:00.011-04:00

Transcribo a continuación las precisas palabras de Virginia Pérez-Ratton pronunciadas el pasado 18 de abril, al recibir el Premio Nacional de Cultura Magón, el más importante de su tipo en Costa Rica y (como ya he sostenido) acaso en toda Centroamérica. Para más información sobre su trayectoria y sobre este reconocimiento, véase mi post anterior.

RECIBIR EL MAGÓN

Agradecimiento inicial

Deseo comenzar con una calurosa felicitación a todos los galardonados. Me honra compartir esta noche con todos ustedes.

Con su permiso, robaré unos minutos de mis palabras como Premio Magón 2009, para compartir una reflexión a la luz del cambio de gobierno.

Quienes hemos estado en la función pública sabemos lo desagradecida que puede ser, y que para no sufrir críticas, lo más fácil es no hacer gran cosa. Y el sector cultura es particularmente complejo, porque posiblemente sea el área con más egos por metro cuadrado. Además, debe ser el espacio de la libertad, lo cual a veces entra en conflicto con ciertos aspectos de su gestión, y resulta difícil de manejar.

No hay gestión perfecta, y nadie está exento de errores, pero hay que tener la generosidad de reconocer el trabajo bien hecho. Por esto, quisiera en nombre mío y de una gran parte de la comunidad cultural, agradecer a María Elena Carballo por su dedicación, por su trabajo tesonero en modernizar la administración de la cultura, por aumentar de manera significativa el presupuesto del Ministerio, casi al mítico 1%, y por reconocer el aporte del sector independiente a la producción cultural y apoyarlo con un fondo importante.

Tenemos en nuestro próximo ministro, Manuel Obregón, un extraordinario catalizador y visionario, quien ha logrado consolidar grandes proyectos con músicos centroamericanos, ahora ampliados a América del Sur. Estoy segura de que con esa misma energía y visión asumirá el reto del Ministerio de Cultura, le imprimirá su propio sello, y sabrá además continuar apoyando iniciativas que además de beneficiar a los artistas, se proyectan hacia nuestras comunidades.

¡¡¡Muchas gracias a María Elena y muchos éxitos a Manuel!!!

Texto completo del discurso

El 12 de enero de este año, poco después de las nueve de la mañana, sonó el teléfono en mi casa, y una voz me felicitó por un premio que no esperaba. La noticia en verdad me sorprendió, pues no tenía el Magón ni ningún premio en la mente.

Hoy lo recibo con gran alegría por el reconocimiento que significa para el medio de las artes visuales contemporáneas, aún mal conocidas en el ámbito cultural costarricense. Lo recibo con gozo por lo que pueda beneficiar a los artistas que trabajan vinculados al contexto actual, y que mantienen una mirada que interroga el status quo. Lo recibo con esperanza, por lo que pueda colaborar en dar a conocer la labor de difusión e investigación que ha realizado TEOR/éTica desde hace más de diez años gracias a sus exposiciones, talleres, conferencias, centro de documentación, biblioteca pública, museo de arte y proyecto editorial con más de cuarenta títulos.

Los premios nunca han sido parte de mis metas personales. Sin embargo, recuerdo como algo constante desde mi juventud el deseo de dejar alguna huella positiva en el mundo que me había tocado vivir. Tal vez esto se origine en las historias que con gran admiración nos contaba mi papá sobre su abuelo, don Pedro Pérez Zeledón. Me impresionaba mucho lo que oía de mi bisabuelo, un señor que había hecho tanto por su país, que había convertido su exilio en oportunidad de desarrollo, y cuya fructífera labor quedó grabada en la memoria de las generaciones siguientes. En ese momento –yo era una “güila” escolar– me parecía una tarea heroica, inalcanzable. Y para mi sorpresa, hoy me encuentro aquí, casi cincuenta años después, recibiendo el premio cultural más preciado que da nuestro país, y que lleva el nombre de un contemporáneo de don Pedro, Magón, una de las figuras más brillantes de su tiempo.

Lejos de considerar el premio como una culminación, lo asumo con la humildad de quien tiene trabajo pendiente, y pensando en la posibilidad de dejar esa huella positiva. A pesar de la diversidad de cosas que he hecho en mi vida, de mi poca ortodoxia, y de las diferentes maneras de estar viva y activa en una comunidad específica, en el fondo siento que lo que me define es mí ser artista. Sin embargo, asumo la práctica artística desde varias perspectivas para experimentar la vida como un acto creativo, y no como un trámite de existencia. Creo que por eso, mi manera de ejercer la gestión cultural es también otra.

Además de hacer arte, es decir, de plantearme asuntos formales, conceptuales y estéticos desde lo personal, para construir un discurso en mi obra individual, algo me ha hecho reflexionar siempre sobre el lugar desde donde se desarrolla el arte. O sea, sobre las condiciones para que se pueda inscribir en una trama social, para que pueda tener vigencia tanto en nuestras localidades como en el amplio mundo que vivimos y para dar a conocer fuera de nuestras fronteras una realidad que muchas veces se oblitera internamente.

Mi carrera como artista, iniciada formalmente a inicios de los 80, se configura más claramente hacia 1994, cuando gané el Salón Abierto de la I Bienal de Escultura. Sin embargo, esa necesidad de dar a ver lo que sucedía en Costa Rica, y luego en la región, me convenció de aceptar la dirección del Museo de Arte y Diseño Contemporáneo que me proponía don Arnoldo Mora, y decidir ponerme el sombrero de la gestión y la curaduría. Me dejé una discreta boina para conservar un vínculo con mi taller.

¿Qué hace un curador? Se cree que nada más organiza exposiciones, que ejerce su poder para incluir o excluir artistas de ciertos eventos o que hace y deshace carreras. Hay algunos que ofician de esa forma. Para mí, la misión ha sido otra, pues asumo la curaduría como una construcción de sentido, y trato de ejercer ese poder como una dinámica que permita el beneficio colectivo. Trabajar desde Costa Rica y desde Centroamérica, es una tarea ardua. Ser curador es ser combatiente y activista cultural.

A mediados de los 90 Centroamérica entraba en un período de posguerra. Desde fuera, difícilmente se definía como un espacio de creación, sino más bien uno de conflicto. Por ello, mi trabajo se enfocó, desde dentro, hacia la conformación de un ‘’lugar’’ donde parecía no haber ninguno, y hacia las posibilidades de insertar una labor curatorial en un tiempo y un espacio particular, para abrir la región centroamericana a reflexionar sobre diversos aspectos de sí misma y a reconstruirse culturalmente. Había que trabajar de forma conjunta para eliminar el sentimiento de ghetto, y como dice Paulo Herkenhoff, “desmantelar las prácticas heredadas de un sistema redundante basado en la auto conmiseración”; dicho de otro modo, dejar de plantearnos como menesterosos artísticos, y erigirnos como iguales ante los centros de poder y prestigio.

Era preciso darle existencia a ese lugar invisible que era Centroamérica, poniendo en marcha iniciativas artísticas que funcionaran como procesos de conocimiento, como elementos discursivos.

Era preciso acabar con las mediocres representaciones de nuestra producción que apaciguaban conciencias con falsos procesos de inclusión, o que cumplían con compromisos políticos.

Era preciso interrogar este lugar, estos lugares centroamericanos, en proceso de formación de una cultura propia, comprender la incidencia de los procesos poscoloniales en las instancias de producción cultural y tratar de paliar la atomización causada por un conflicto de décadas.

Era preciso analizar cómo un lugar inconcluso podía estar presente de manera digna en un mundo globalizado. ¿Qué sentido tenía buscar una inclusión en los ámbitos comerciales y económicos, si no se superaban los antiguos esquemas en la difusión y exportación de nuestro arte? Había que romper las barreras de lo local, de lo nacional, de lo chiquitico y provinciano, y ver hacia el mundo sin perder de vista que estamos en la cintura de América, que no somos más pero tampoco menos que nadie.

Era preciso para ello demostrar capacidad de gestión y de pensamiento crítico, tanto frente a las instancias locales cuanto de cara hacia el mundo global – había que romper el círculo de la desconfianza y el desconocimiento, convertir nuestro supuesto atraso en oportunidad y asumir las limitaciones como retos.

Era preciso evitar el narcisismo y el poder personal, trabajando de manera conjunta, asociativa, regional, hacia un proyecto común que aglutinara a todos los centroamericanos. Había que luchar contra el borramiento, contra la invisibilización, contra el status quo artístico, que es a la vez social y político. Había que visibilizar las historias ocultas de sociedades cómplices con abusos de todo tipo, había que evidenciar la figura de la mujer como factor de cambio en una sociedad de interminable posguerra.

Era preciso ejercer la selectividad, para dar a ver la obra artística que investigaba nuevos lenguajes, para cuestionar y leer la realidad con otros ojos, que buscaba su pertinencia en un contexto, en una historia, y no se conformaba con la acostumbrada gloria local y un mercado sobrevaluado.

Había que sobreponerse a los estereotipos que nos rodean, y ver la realidad a la luz de nuestra época. Pero también, era preciso iniciar una relectura de la modernidad regional desde nuevas perspectivas, para valorar el aporte del pasado y reconocer a los ignorados.

Para todo esto, era preciso dejar testimonio: provocar la reflexión, el diálogo, la confrontación y la escritura crítica. Dejar el panegírico y el ditirambo, y entrar en el análisis. Entonces, había que escribir, editar, y publicar, para dejar un archivo documental hacia el futuro.

Había mucho que hacer, pero gracias a los colegas y artistas de toda la región, y más allá, y a los colaboradores cercanos que he tenido en estos casi veinte años, el resultado ha sido una presencia que nunca antes se había tenido en la arena artística. Después de mas de 100 años de indiferencia, ignorancia y silencio en un evento como la Bienal de Venecia, Centroamérica tiene tres premios entre el 2001 y el 2005 y tuve el honor de ser la primera latinoamericana en participar en el Jurado Internacional de dicha Bienal. Esto volvió la mirada de los centros hacia nuestras latitudes, y esta vez no por la guerra sino por el arte.

Centroamérica es hoy una realidad artística innegable. La presencia reciente de nuestros artistas en eventos, colecciones y museos internacionales de gran prestigio ha abierto una ventana hacia una producción que hace apenas quince años no existía en la mente de nadie. Que a raíz de una publicación de TEOR/éTica sobre tres mujeres centroamericanas del siglo 20, la obra gráfica de Emilia Prieto, producida en los años 30, participe en el 2010 en la Bienal de Pontevedra en España y en una gran exposición en el Palacio de Bellas Artes de México, titulada “América Latina: arte y confrontación, 1910-2010”, es motivo de celebración para todos.

Estoy en deuda con muchas personas que han marcado mi vida desde muy joven y otras que me han apoyado en los años de madurez. Sin embargo quiero mencionar a mis mentores más recientes. Rolando Castellón me enseñó a ver arte en los lugares más inesperados. De Gerardo Mosquera, figura emblemática en la fundación de la Bienal de la Habana, aprendí a ir y ver “más allá de lo fantástico”, a trabajar desde adentro hacia fuera, con una mirada global desde lo local, y a cultivar el humor y la ironía. De Paulo Herkenhoff, curador brasileño, he comprendido el alcance de la antropofagia cultural, he ingerido el factor poético en la crítica y aprendido como provocar el diálogo y la tensión entre las obras en un espacio, pero también comprendí el sentido de la estrategia y de la oportunidad positiva. El suizo Harald Szeemann, artífice de la histórica Documenta de 1972, y que nos dejó demasiado pronto, me marcó con su pasión desbordada y con su certeza del valor de la intuición en las decisiones como curador.

Para concluir, hago mías las palabras de Harald Szeemann escritas a fines de los años 80:

“Soy privilegiado.
No temo transpirar
No le temo a la estética
No le temo a los amigos
No le temo a los enemigos
No le temo a los conceptos
No temo al contacto
No le temo
a la mano helada de los años 70
No le temo
a la ruina de los años 80
No temo envejecer
en los años 90
Porque estoy por el error
Porque estoy por el riesgo
Porque estoy por el otro”

Muchas gracias.

Virginia PÉREZ-RATTON
SAN JOSE, 19 DE ABRIL 2010

VIRGINIA PÉREZ-RATTON RECIBE EL MÁS IMPORTANTE PREMIO DE COSTA RICA (ACASO DE CENTROAMÉRICA)

2010-04-22T17:15:00.007-04:00

(Virginia Pérez-Ratton, diosa pop. Imagen tomada de la revista Perfil).

Artífice, curadora, museóloga, historiadora, mente ágil y pensante de la cultura latinoamericana. Es difícil encasillar a Virginia Pérez-Ratton en cualquier definición profesional o vocacional vinculada al arte visual, porque ella las abarca todas. Y hasta les ha logrado una magnífica y conjunta expresión institucional en TEOR/ética, ese espacio singular en Centroamérica que ella crea en 1999 para nunca dejar de evolucionar. En tributo a tantos atributos, el Estado de Costa Rica acaba de entregarle el Premio Nacional de Cultura Magón, sin duda el reconocimiento mayor que en ese país –y acaso en toda Centroamérica– se le concede a estos menesteres.

Para Micromuseo Virginia es, claro, una amistad preciada desde hace más de una década. Pero además es un referente y un estímulo en la ardua e incierta tarea de construir institucionalidades alternas. Junto con el Museo del Barro (de Asunción), TEOR/ética ha demostrado con el ejemplo –y con grandes sacrificios personales– la posibilidad fáctica de generar espacios autónomos para una criticidad nueva, independiente de los poderes y del Poder. Del Estado y del mercado, de los políticos (de cualquier signo) o del gran capital (de cualquier procedencia). Honor al mérito. E inspiración total.

Reproduzco, a continuación, la breve entrevista que se publicó en la versión web de la revista Su Casa cuando se anunció el galardón.

VICKY PÉREZ-RATTON:
BOCETO DE ARTISTA INDEPENDIENTE

Virginia Pérez-Ratton no quiere que le pregunten, por ejemplo, cuántos pares de zapatos tiene. Sin embargo, hasta esa podría ser una pregunta pertinente para quienes le siguen la pista a la ganadora del premio Magón 2009: los suyos han sido pasos regionales.

No es que Virginia se niegue a responder cuántos pares de zapatos tiene, es que se niega a que se lo pregunten. Apuesto a que nadie le preguntó eso a Felo, el año pasado, cuando le dieron el Magón, dice, medio en serio y medio en broma, a propósito de cierto tipo de acoso periodístico. Con o sin zapatos, ella es una mujer que sabe plantarse, como prueban los hechos. Artista plástica, curadora, primera directora del Museo de Arte y Diseño Contemporáneo (MADC), investigadora, traductora y sobre todo instigadora del arte regional de los últimos tiempos, Virginia Pérez-Ratton conoce prácticamente todos los caminos que, en Costa Rica, conducen a la gestión cultural pública y privada. Desde el pasado 12 de enero, cuando le anunciaron que había ganado el Premio Nacional de Cultura Magón, Virginia Pérez ha estado dispuesta a confirmar que, ciertamente, su nombre y el de su Fundación Teorética son referentes culturales en este lado del mundo: si alguien ha dotado de un discurso a las artes visuales centroamericanas contemporáneas, ha sido ella. O gracias a ella. Ahora el Estado costarricense le devuelve los favores, si es que eso es posible.

-¿Cuándo supo que era considerada para el premio Magón?

-El Ministerio de Cultura me pidió mi currículum en varias ocasiones, para diversas cosas, y la última vez fue como en octubre o noviembre, pero la verdad es que yo no pensé que me estaban considerando para nada en particular; no sé, no tengo costumbre de pensar en premios.

-¿Qué piensa de los premios, en general?

-Creo que los Premios Nacionales se crearon en un momento en el que no había ningún tipo de estímulo para la gente en cultura, y tienen su razón de ser. Sin embargo, me parece que necesitan una refrescadita, y que la ley cambie para actualizarlos. Creo que hay demasiados, sería mejor uno por disciplina y mejor dotado para que la gente pueda hacer algún proyecto luego. En relación con los premios, es decir, cualquier premio, es algo estimulante y que complace al ego definitivamente, pero hay que pensar que cada vez que se da un premio es una decisión subjetiva pues es un jurado, y si fuera otro, pues posiblemente otro sería el premiado. Creo que hay que agradecerlos, aprovecharlos, pero tampoco desvelarse por ellos.

-¿Qué piensa de su premio, en particular?

-Que me ha hecho ver cuánta gente aprecia el trabajo, pero por otro lado también cuánta gente ignora lo que uno hace y le encaja roles que no tiene. Por esto ha habido gente que se ha opuesto, pensando que han premiado a una galerista...

-Como primera directora del Museo de Arte y Diseño Contemporáneo le dio prioridad al arte regional. ¿Por qué?

-Creo que era el momento de quebrar ese sentimiento nacionalista de que Costa Rica era el ombligo del mundo, y ver para afuera, y recuperar un espacio que existía desde tiempos prehispánicos como área cultural. Además, somos demasiado pequeños y el MADC podía asumir una labor más amplia. Por otro lado, era necesario dar a conocer tanto aquí como fuera del istmo lo que somos, lo que hacemos, lo que producimos y lo que necesitamos.

-¿Reconoce diferencias entre su labor en el MADC y en Teorética?

-Sí, en el MADC estaba amarrada por la burocracia, aunque era mil veces menos complicada que ahora, y uno tiene una responsabilidad como funcionario público y como subordinado de un ministro. En TEOR/éTica las decisiones se toman más ágilmente, se trabaja con menos dinero pero con más eficiencia y se tiene una libertad total.

-¿Se puede actuar en el ámbito público y el privado bajo los mismos principios?

-Si se trata de ética, creo que son los mismos, pero hay cosas legales que no son iguales: por ejemplo, en la función pública solo se puede hacer lo que la ley permite, y en la función privada se hace todo lo que no está prohibido. En la función pública hay que mantener claro que uno tiene una responsabilidad ante la comunidad pues la infraestructura se mantiene con el dinero del pueblo, y en el ámbito privado, uno mismo se arma la comunidad con la que quiere trabajar.

-¿Cuál debería ser el futuro del MADC?

-Creo que el MADC va por buen camino, pues se sigue trabajando a nivel regional, pero hay que cuidar la colección y completarla con obras mayores de los años 90 a 2010, que aún están disponibles, y proceder a una rigurosa catalogación. El futuro del MADC es poder consolidar su trabajo de los primeros 15 años y ampliarlo a más proyección latinoamericana, de intercambio por ejemplo, de generación de exposiciones itinerantes, de investigación. Pero creo que todo esto está en la carpeta de Fiorella...

-¿Es cierto, como afirmaba una revista local, que es usted una de las mujeres más influyentes de Costa Rica?

-Eso no lo puedo ni afirmar ni negar, es una percepción de los otros, y ¡yo no tengo mi propia percepción separada de mí! Sin embargo, es cierto que uno maneja una cierta cuota de poder, y eso puede influir en la gente. Lo que es importante es saber cómo usar el poder para cambiar las cosas...

-¿Qué es lo primordial que toda persona debería saber sobre el arte?

-Que no hay reglas para definirlo.

-¿Cómo se distingue una obra de arte contemporánea de un objeto de bisutería?

-Por la intención.

-¿Cuál es la pregunta existencial más recurrente en su cabeza?

-Cuánto tiempo tengo.

*Adaptación para Revistasucasa.com, el artículo completo se encuentra en la revista impresa.

MELANCOLÍAS DE LA VIOLENCIA - MICROMUSEO EN BOLIVIA: EXPOSICIONES, CONFERENCIAS, CLÍNICAS DE OBRA

2010-04-16T10:23:00.021-04:00

Chiara Macchiavello. Exilio. 2008. Video transferido a DVD. Color. Mudo. 03:24”. Colección MICROMUSEO ("al fondo hay sitio").

El pasado martes 13 de abril, en la Fundación Simón I. Patiño de la ciudad boliviana de Santa Cruz, MICROMUSEO estrenó su más reciente proyecto curatorial, con intervenciones que incluyen conferencias, discusión de portafolios, proyecciones fílmicas… Y una exposición inédita, presentada bajo el título de Postfacio: melancolías de la violencia. Video peruano: post-guerra, tras-dictadura (2000-2009).

Se trata de un desarrollo adicional para las reflexiones continuas que desde la década de 1980 venimos articulando sobre las transformaciones culturales que en el Perú acompañan las experiencias traumáticas de la guerra civil, primero, y luego de la dictadura encabezada por Alberto Fujimori y Vladimiro Montesinos. Pero la mirada esta vez se pone sobre las derivas anímicas de todo ello durante lo que va del nuevo siglo. La resaca melancólica de todo lo vivido, en cierto registro sensible capturado desde el video arte nacional. Y en una película culminante. Y en un documental involuntario.

La muestra reúne videos de Miguel Aguirre, Luz María Bedoya, Angie Bonino, Patricia Bueno, Íntegro (Óscar Naters, Ana Zavala), Diego Lama, Chiara Macchiavello, José Luis Martinat, Susana Torres Márquez y Moico Yaker. Friccionados todos por la intrusión cinematográfica de Claudia Llosa (con La teta asustada, justamente) y por la perturbación política del Vladivideo Nº 1460, el famoso video Kouri-Montesinos. Esta opción curatorial última ya generó polémica en Lima cuando fue anunciada durante un conversatorio propiciado por El Comercio, pero en realidad es un acto más de coherencia con las estrategias friccionarias articuladas desde hace años por la teoría y la práctica de MICROMUSEO.

La proyección de la película de Llosa se efectuó el miércoles 14 con un lleno completo que incluso dejó a decenas de personas en la calle. También ante un público nutrido, el jueves 15 la conferencia Que la diferencia refulja presentó el proyecto crítico de MICROMUSEO en la amplitud de sus luchas por una musealidad mestiza, una musealidad promicua, una musealidad plebeya. Además se realizaron, el mismo jueves 15 y el viernes 16, clínicas para la discusión de la obra de artífices especialmente convocados desde las distintas regiones de Bolivia.

Una sumatoria de esfuerzos que confirma a MICROMUSEO como una plataforma importante para el intercambio de fluidos entre la escena artística peruana y la internacional. Así lo demuestran sobre todo (pero no exclusivamente) las enormes exposiciones nuestras recientemente acogidas por la Bienal de Valencia y la Trienal de Chile.

Como fruto del intercambio de fluidos con Bolivia se fantasean ya otras reciprocidades. Y la colección de MICROMUSEO incorpora ––donación mediante–– sendas pequeñas obras mayores de Alfredo Román y Raquel Schwartz, dos de los artífices más incisivos de la escena boliviana.

A continuación reproduzco el texto introductorio instalado en el ingreso de la exposición. Se trata del extracto de un ensayo mayor que pronto publicaremos también en nuestra web. Las exaltaciones tipográficas responden a un criterio museográfico.

(La generosa invitación de la Fundación Simón I. Patiño se dio en el marco de una serie de actividades relacionadas al Perú que incluirán, la próxima semana, una conferencia sobre César Vallejo –a cargo de Alba María Paz Soldán– y un concierto de música urbana, a cargo del grupo Del Pueblo y del Barrio. Agradecemos también a la galería Kiosko por sus alientos y apoyos en la concepción de este proyecto).

Vladimiro Lenin Montesinos Torres. Video Kouri-Montesinos (Vladivideo No. 1409). 5 de mayo de 2000. Ready-made: Video transferido a DVD. Color. Sonido. 56:02". Colección MICROMUSEO ("al fondo hay sitio"). (Tomado de su primera transmisión televisiva, realizada el 14 de setiembre de 2000 por el canal N, Lima.

POSTFACIO
Melancolías de la violencia

Y si después de tantas palabras,
no sobrevive la palabra

CÉSAR Vallejo

La palabra POSTFACIO proviene del latín post y del verbo fari (hablar). Como OPUESTO complementario de prefacio, alude a lo que se dice después de lo DICHO. O después de los HECHOS.

Ambos sentidos son pertinentes para esta selección de videos peruanos. No un muestrario sino un RECORTE sesgado: la exploración de cierto registro sensible, parcial y TÁCITO, en un país que durante los últimos diez años EMERGE transformado, TRASTORNADO, tras dos décadas atravesadas por la GUERRA y por la DICTADURA. Por las luchas también artísticas para DERROTAR esos tiempos.

Pero, a diferencia de otros proyectos de MICROMUSEO, lo que aquí se hurga no es la HUELLA explícita del conflicto sino su efecto DIFERIDO. PÓSTUMO: una suerte de DEPRESIÓN post-parto tras los arduos triunfos CÍVICOS sobre la vocación de MUERTE y el AUTORITARISMO.

MELANCOLÍAS DE LA VIOLENCIA es el subtítulo que ancla los sentidos múltiples del conjunto así formado por una película (a ser proyectada separadamente) y diez videos de origen artístico. Y otro concebido con finalidades DELICTIVAS, pero RECUPERADO para esta exposición como ready-made.

HISTÓRICO: ese video Kouri-Montesinos (así inmortalizado por los apellidos de sus protagonistas principales) es un primoroso ejemplo del ARTE CONCEPTUAL INVOLUNTARIO. Un gesto de lo REAL que, sin quererlo o saberlo, pone en evidencia cómo la realidad misma es piedra de escándalo. Es el caso de esta cinta FLAGRANTE, el primero de miles de documentos similares que, contra su propia voluntad, hicieron clamorosamente pública la práctica sistemática del SOBORNO y la EXTORSIÓN por el régimen de Alberto FUJIMORI y Vladimiro MONTESINOS. Todo minuciosamente registrado para comprometer incluso a los INSTIGADORES de esos delitos y de las grabaciones mismas. Una PULSIÓN visiva que inscribe al Perú en la (post)modernidad más PERVERSA (Sex, Lies and Vladitapes). Y cuya REVELACIÓN masiva el 14 de setiembre del año 2000 marca para siempre la década que entonces se inicia, interfiriendo la condición existencial y MEDIÁTICA del país. Modificando incluso su percepción ARTÍSTICA.

De allí la presencia también sonora de esa cinta en una instalación que deliberadamente ACALLA casi todas las demás obras, audibles sólo mediante auriculares. La excepción se ubica fuera de sala, en este ingreso, como introducción LÚDICA y DRAMÁTICA del conjunto entero: la edición digital que borra los personajes de las FESTIVAS escenas BÉLICAS en un episodio de Bugs Bunny.

Atención a las iniciales y últimas tomas de ese video ALTERADO: las fortificaciones ENFRENTADAS, la naturaleza DEVASTADA. Y un camino para NADIE, conducido a la NADA, sobre el que se cierra el círculo NEGRO de la pantalla. O de la HISTORIA.

“¡Y si después de tanta historia”, escribía VALLEJO en el poema que nos sirve de epígrafe, “sucumbimos, no ya de ETERNIDAD, sino de esas cosas sencillas, como estar en la casa o ponerse a CAVILAR!”.

La melancolía.

José Luis Martinat. Guerra. 2006. Video transferido a DVD. Color. Sonido. 02:40”. Colección MICROMUSEO ("al fondo hay sitio").
(Intervención de materiales extraídos de un capítulo de la serie animada Bugs Bunny, episodio Bunker Hill Bunny.

POR UNA MUSEALIDAD PLEBEYA (in memoriam, Jesús Vásquez)

2010-04-07T01:47:00.013-04:00

(Jesús Vásquez canta El plebeyo en la película El guapo del pueblo, producida en 1939 por Amauta Films. Creación heroica).

Muere Jesús Vásquez, esa histórica cantante criolla del Perú. En coincidencia curiosa con otras circunstancias actuales. Culturales y políticas. El azar no existe.

Rescato aquí lo que pareciera ser su primera difusión masiva, en una también histórica película de 1939, El guapo del pueblo, producida por Amauta Films cuando aún parecía posible un cine popular peruano. La escena registra la interpretación de El plebeyo, el valse paradigmático de Felipe Pinglo que hasta ahora resuena como ideal romántico –incluso cursi– de igualdades todavía por alcanzar. Que sirva también de himno para las museologías alternas que tan arduamente fantaseamos. Una musealidad mestiza, una musealidad promiscua. Una musealidad plebeya. (Atención al verso final).

ÚLTIMO MINUTO: Mandato judicial contra la censura de la exposición en Bangladesh

2010-03-31T19:54:00.009-04:00

No todo se pudre en Dinamarca. O en el planeta: transcribo la feliz noticia compartida por José Carlos Mariátegui sobre la reapertura de la exposición censurada en Bangladesh debido su temática comprometida con la denuncia de las ejecuciones extrajudiciales en ese país. La muestra fue curada por el peruano Jorge Villacorta en su condición de director académico de Alta Tecnología Andina (ATA) y en virtud de los convenios de esa asociación con la Fundación Príncipe Claus.

He aquí el mensaje, cuya euforia compartimos:

¡Victoria! DRIK reabre sus puertas
¡Exhibición de Fotos de Shahidul Alam y curada por Jorge Villacorta reabrió finalmente sus puertas en Dhaka!

A continuación, la traducción de la carta de Shahidul Alam:

"Acabo de volver de la corte. ¡Difundamos la gran noticia!

Los abogados del gobierno confirmaron ante tribunal de la Audiencia Nacional que hoy la policía que se habia desplegado frente a la Galería DRIK se retiraría y que no habría ningún obstáculo, de ahora en adelante, para la exposición Crossfire.

- Shahidul Alam"

Como se sabe el pasado lunes 22 de Marzo a las 3pm, el gobierno de Bangladesh no permitió la inaguración de Crossfire (fuego cruzado), una muestra frotográfica sobre las matanzas extrajudiciales en las que el Batallón Especial de Bangladesh (el "RAB") es acusado de dichas muertes. La muestra ha sido curada por el presidente de ATA, Jorge Villacorta.

REVOLUCIÓN EN LA REVOLUCIÓN XI: Trinos y bitácoras desestabilizan a la dictadura cubana

2010-03-28T02:11:00.012-04:00

(Yoani Sánchez: apenas una punta del iceberg bloguero que hunde al Titanic de la dictadura cubana)

LA RED-VOLUCIÓN: TECNOLOGÍA CONTRA LA TIRANÍA

¿Qué del marxismo queda? Contra lo que en general pareciera, varias importantes formulaciones teóricas. Casi todas ellas, sin embargo, en contradicción creciente con los intentos por justificar desde esa escuela de pensamiento prácticas estatales siempre culminantes en fracasos. Como los esfuerzos inútiles de ciertas dictaduras por contener el potencial liberador de las nuevas tecnologías.

Esta actitud represiva podría motivar la realización paradójica de aquellas formulaciones marxistas según las cuales las revoluciones surgen de las contradicciones entre fuerzas de producción que se renuevan y relaciones de producción anquilosadas. El conflicto entre Google y la autocracia china apunta a convertirse en una instancia privilegiada de ello. Pero más cercano –y más inmediato en sus consecuencias– nos es el despertar revolucionario facilitado en Cuba por el manejo de internet, a pesar y en contra de la censura. En esa isla estalinista, una juventud rebelde logra sortear todos los obstáculos al desestabilizar al régimen mediante el simple ejercicio de la libertad facilitado por la web 2.0. Trinos y bitácoras –twitters y blogs– rompen el cerco informativo.

Reproduzco a continuación el artículo del diario limeño La República que da cuenta de esta revolución en la revolución:

Cuba: internet acelera el ‘fin’ del régimen

Oposición. 24 periodistas permanecen encarcelados. Instan a embajadas y consulados en la isla a instalar WiFi sin clave para libre acceso de cubanos.

EFE. Internet y la telefonía móvil están precipitando “el ocaso” del Gobierno de Cuba porque ayudan a los ciudadanos a conseguir la libertad de información y de opinión, dijo en Madrid el escritor cubano Pablo Díaz.

Este periodista y otros colegas en el exilio, como Raúl Rivero, Carlos Payá o Antonio Guedes, participaron el viernes en Madrid en el foro “Europeos en solidaridad con Cuba”, auspiciado por la Fundación Walesa.

Los ponentes coincidieron en destacar la utilidad de las nuevas tecnologías para contar al mundo lo que sucede en el interior de la isla, una situación que contrasta, como apuntó Díaz, “con la forma minuciosa y sistemática en la que el régimen ha controlado desde el inicio el control de la comunicación y ha destruido la sociedad civil”. Según este periodista, la revolución de las nuevas tecnologías “ha venido a marcar el fin de la Revolución cubana”.

El escritor insistió en que ninguna de las imágenes que pueden salir de Cuba hubiera sido posible hace apenas unos años y agregó que la tecnología “ha llegado para grabar las pruebas del delito y para ayudar a proteger a quienes están sufriendo dentro y a informar a los que están fuera” de la isla.

Antonio Guedes, por su parte, aseguró que las nuevas tecnologías son “armas fundamentales para la lucha pacífica contra la tiranía” y animó a las embajadas y a consulados en Cuba a instalar antenas WiFi descodificadas para que los cubanos puedan acceder a internet desde sus inmediaciones.

POLICÍA DE BANGLADESH INTERVIENE EXPOSICIÓN PROPICIADA POR ALTA TECNOLOGÍA ANDINA (ATA)

2010-03-26T23:58:00.007-04:00

No es sólo el planeta el que en Bangladesh muere (ver mi post anterior). También cientos de personas ultimadas durante los últimos años por lo que parecen ser ejecuciones extrajudiciales a cargo de destacamentos policiales. El tema ha dado motivo a la exposición Crossfire (Fuego cruzado), del fotógrafo Shahidul Alam, en la Drik Picture Library. La muestra está curada nada menos que por nuestro colega y amigo Jorge Villacorta, en virtud de la dirección que él ejerce en Lima de Alta Tecnología Andina (ATA) y los acuerdos de esa asociación con la Fundación Príncipe Claus.

José Carlos Maríategui, fundador de ATA, me transmite las noticias de la intervención policial que impidió el acceso del público a la galería el día de la inauguración. La fotografía registra la protesta del artífice y otras personas vinculadas a la exposición (incluyendo al curador). Por cierto, los preparativos para la exposición habían sido ya comentados en El Comercio por Eduardo Lores.

Estaremos atentos a las novedades que puedan surgir sobre el tema.

LA TIERRA MUERE II: El mar desaparece una isla en litigio entre la India y Bangladesh

2010-03-25T02:57:00.005-04:00

La sumergida isla New Moore. Fotografía: AP.

Reproduzco a continuación la noticia que El Comercio recoge sobre el instructivo final de al menos una de las absurdas disputas internacionales sobre territorios que están dejando de existir. Como de existir dejarán las torpes nociones establecidas de la política ante el drama mayor de la crisis de equilibrios naturales en el planeta.

El calentamiento global acabó con una disputa territorial entre la India y Bangladesh: una isla desapareció

El islote rocoso que por 30 años se disputaron ambos países quedó sumergido debido al incremento del nivel del mar
Miércoles 24 de marzo de 2010 - 06:58 pm

Nueva Delhi (AP). Durante casi 30 años, la India y Bangladesh se disputaron el control de un islote rocoso en la Bahía de Bengala. Ahora el nivel creciente del mar ha resuelto la disputa: la isla ha desaparecido.

New Moore, del archipiélago Sunderbans, ha quedado completamente sumergida, dijo el oceanógrafo Sugata Hazra, profesor en la Universidad Jadavpur en Calcuta. La desaparición ha sido confirmada por imágenes de satélite y patrullas marinas, agregó.

“Lo que los dos países no pudieron lograr en años de conversaciones ha sido resuelto por el calentamiento global”, dijo Hazra.

Científicos en la Escuela de Estudios Oceanográficos de la universidad notaron un aumento alarmante en la tasa de nivel marino durante la última década en la Bahía de Bengala.

Hasta el 2000, los niveles del mar subían unos 3 milímetros por año, pero en la última década han aumentado unos 5 milímetros por año, precisó.

Otra isla cercana, Lohachara, quedó sumergida en 1996, lo que obligó a sus habitantes a mudarse a tierra firme, mientras que la mitad de la isla de Ghoramara quedó bajo las aguas, agregó. Por lo menos otras diez islas en el área están en riesgo de desaparecer, dijo.

“Habrá un mayor número de desplazados de las Sunderbans a medida que más islas queden sumergidas”, sentenció Hazra.

Bangladesh, una nación de 150 millones de habitantes sobre un delta en terreno de baja altura, es una de las naciones más afectadas por el calentamiento global. Las autoridades calculan que el 18% del área costera quedará sumergida y 20 millones de personas se verán desplazadas si el mar sube un metro para el 2050 según las proyecciones meteorológicas.

India y Bangladesh se disputaban la inhabitada New Moore, de 3,5 kilómetros de largo y 3 kilómetros de ancho. Bangladesh la llama Talpatti del Sur.

No había estructuras permanentes en New Moore, pero India envió algunos soldados paramilitares a sus costas rocosas en 1981 para izar la bandera nacional.

La demarcación de los límites marítimos -y el control de las islas restantes- se mantiene sin solución entre los dos países, y la desaparición del islote no contribuye en absoluto a resolver el asunto, dijo un funcionario en la cancillería india, que habló con la condición del anonimato por no estar autorizado a hablar sobre disputas internacionales.

Miércoles 24 de marzo de 2010

REVOLUCIÓN EN LA REVOLUCIÓN X: Referentes internacionales de la lucha por los derechos humanos exigen la liberación de los presos políticos en Cuba

2010-03-20T21:02:00.005-04:00

SON YA MÁS DE 30,000 LOS FIRMANTES DE LA DECLARACIÓN POR LA LIBERTAD DE LOS DISIDENTES CUBANOS. Para sumar su nombre a esa campaña cívica y humanitaria, pique aquí.

Crecen las exigencias de la comunidad internacional a la dictadura cubana. A la ruptura pública del Partido Socialista de Chile (ya reseñada en esta bitácora) se le suma ahora una impresionante nómina de personalidades identificadas con las luchas por los derechos humanos en todo el mundo –y particularmente en América Latina. A continuación el artículo de la editorial argentina Perfil en que se resumen estos desarrollos últimos.

Referentes de los DD.HH., la política, la cultura y el periodismo firmaron una declaración que condena la implacable persecución a opositores del régimen cubano.
Tomado de Perfil.com

Referentes de los derechos humanos, como Julio César Strassera, Graciela Fernández Meijide, Patricio Aylwin y Ricardo Gil Lavedra, intelectuales como Guillermo O' Donnell, Santiago Kovadloff y Beatriz Sarlo y también periodistas, como Andrew Graham-Yooll, Pepe Eliaschev, Daniel Muchnik y Sylvina Walger, junto a personalidades argentinas e internacionales del mundo de la cultura y el pensamiento impulsaron con su firma una Declaración en apoyo a los opositores del régimen castrista y como reclamo por su liberación, que se dio a conocer ayer.

La Declaración, dirigida "a los gobiernos democráticos de América latina", tiene como objetivo solicitarle a los mismos que reclamen ante Cuba "la liberación de todas las personas que, en ese país, se encuentran encarceladas por delitos que, de acuerdo con los estándares internacionales, son derechos básicos".

"En Cuba existe una política de estado que expresamente viola las libertades fundamentales", dijo el documento que impulsó el Centro para la Apertura y el Desarrollo de América Latina (CADAL). En el mismo se señaló que "la Constitución de Cuba, su Código Penal, leyes especiales como la número 88 y las sentencias de los tribunales populares, son una evidencia irrefutable de las violaciones a los derechos humanos en ese país".

Según un Comunicado que dio a conocer CADAL, la Declaración es "una petición a los gobiernos de América latina, como muestra de solidaridad democrática regional y con la aspiración que la misma logre incidir en una pronta apertura política en Cuba".
El documento señaló como "preocupante" que América latina se muestre "tan indiferente frente a estas injusticias que sufre el pueblo cubano y tan complaciente con su ilegítimo gobierno", sobre todo en países que "han sufrido terribles dictaduras, recibiendo en esos años de plomo importantes muestras de solidaridad democrática internacional".

"Es hora que América latina se ponga del lado de los demócratas cubanos y le exija al régimen de los hermanos Castro que inicie una apertura política garantizando derechos muy elementales como la libertad de asociación y expresión, lo cual posibilitaría la liberación de muchos presos políticos por el principio de la vigencia de la ley más benigna", añadió.

La Declaración, que lleva el título "El ejercicio de los derechos no es delito", está firmada, entre otros, por el fiscal del Juicio a las Juntas Militares Argentinas, Julio César Strassera; el ex presidente de Chile en el inicio de la transición democrática, Patricio Aylwin; la ex integrante de la Asamblea Permanente por los Derechos Humanos, secretaria de la CONADEP y ex ministra de Desarrollo Social, Graciela Fernández Meijide; el diputado nacional, presidente de la Comisión de Justicia, ex ministro de Justicia y ex juez de la Cámara Nacional de Apelaciones en lo Criminal y Correccional de la Capital Federal, en cuyo carácter participó del Juicio a las Juntas Militares, Ricardo Gil Lavedra. También suscribieron la misma, los intelectuales Guillermo O' Donnell, Santiago Kovadloff, Beatriz Sarlo, Emilio de Ípola, Vicente Palermo, Daniel Sabsay, Sergio Fausto, Marcos Novaro, Claudia Hilb, Patricio Navia, Guillermo Rozenwurcel, Rafael Rojas, Heinz Sonntag, Demetrio Magnoli, María Matilde Ollier, Eduardo Viola, Héctor Leis, Gabriela Ippólito, Romeo Pérez Antón y Gabriel Palumbo.

Entre los periodistas firmantes se cuentan Andrew Graham-Yooll, Pepe Eliaschev, Carlos Lauría, Ricardo Uceda, Daniel Muchnik, Andrés Cañizález, César Ricaurte, Eduardo Ulibarri, Sylvina Walger, Dilmar Rosas, Claudio Paolillo y sus colegas Alejandro Nogueira y Hugo Machín, ex presos políticos uruguayos. Además, suscribieron el Documento dirigentes sociales como Silvia Uranga, Carlos Facal, Roberto Eisenmann, Paulo Uebel, Paola Silva y Carlos Bascuñán y los diputados argentinos Juan Carlos Vega, presidente de la Comisión de Legislación Penal y Fernando Iglesias, vocal de la Comisión de Relaciones Exteriores.
La declaración se hizo pública durante la realización de la conferencia "Una mirada progresista sobre la situación de los derechos humanos en Cuba".

Al borrador inicial se la agregó una mención sobre la trágica muerte de Orlando Zapata Tamayo, acaecida el 23 de febrero último, luego de una prolongada huelga de hambre, dijeron los organizadores. "En CADAL estamos convencidos que la permanencia de una dictadura en Cuba, sin reclamos firmes de apertura política, representa un límite democratizante para América latina y también consideramos que este reclamo lo tienen que liderar personas con trayectoria en la defensa de la democracia y los derechos humanos", explicó el Comunicado.

Fuente: DYN

REVOLUCIÓN EN LA REVOLUCIÓN IX - El Partido Socialista de Chile enfrenta a la dictadura cubana

2010-03-19T10:07:00.008-04:00

En un hecho histórico, el Partido Socialista de Chile se enfrenta por primera vez a la dictadura en Cuba publicando hace dos días un manifiesto que exige "la inmediata e incondicional liberación" de los presos de conciencia en esa isla. El remate particularmente enérgico del comunicado demanda además que las autoridades del régimen "sujeten su accionar conforme a los principios generales del Derecho Internacional de las naciones civilizadas", admitiendo tácitamente el carácter anacrónico y de barbarie asumido desde hace ya mucho tiempo por la dictadura vitalicia y hereditaria de los hermanos Castro.

La agencia de noticias EFE recoge además las opiniones del jefe de los diputados socialistas, Sergio Aguiló, quien reconoció que "ésta es primera vez en estos veinte años de democracia chilena que los socialistas nos pronunciamos críticamente sobre este tema". "No lo habíamos hecho antes", admitió.

Estas manifestaciones se suman a la votación igualmente histórica en la que el mismo 17 de marzo el Senado chileno en pleno condenó las violaciones de los derechos humanos en Cuba, clamando por la excarcelación de los disidentes. ¿Qué debemos hacer para lograr una declaración parecida del Congreso peruano? Y sobre todo de las organizaciones que se reclaman de izquierda: no hay liberación sin libertad, y son las voluntades progresistas las que deben asumir en todo momento el protagonismo en las luchas por la democracia y la ciudadanía plenas. En el mundo todo.

A continuación el texto íntegro del comunicado suscrito por los diputados del Partido Socialista de Chile:

DECLARACION DE LA BANCADA DE DIPUTADOS SOCIALISTAS SOBRE SITUACION DE DD.HH. EN CUBA
2010-03-17
Secretaría de Prensa - Partido Socialista de Chile

La Bancada de Diputados del Partido Socialista de Chile, ante las sistemáticas denuncias efectuadas por diversos organismos de derechos humanos por la situación que afecta a los denominados presos de conciencia en Cuba, agudizada recientemente por la muerte de Orlando Zapata Tamayo, cree neceserio efectuar las siguientes reflexiones:

1º Cabe hacer presente, el reconocimiento público a las innumerables muestras de solidaridad que el pueblo cubano y sus autoridades han manifestado hacia el pueblo chileno en diversas circunstancias históricas.

2º Que lo anterior no supone, que debamos o podamos inhibirnos de efectuar una crítica justa a una situación especialmente delicada y sensible para el mundo de los derechos humanos a nivel internacional, específicamente a partir de los hechos antes descritos.

3º Que nuestro afecto por Cuba, no nos hace olvidar que los derechos humanos proclamados y consagrados en la carta de 1948, son la primera prioridad, y son la respuesta a los campos de exterminio y a la desaparición forzada de personas. Este criterio es indispensable para asegurar el más pleno e irrestricto respeto por los derechos fundamentales a todo nivel de los ciudadanos de la isla caribeña, especialmente en la libre expresión de ideas.

En virtud de lo expuesto, los Diputados Socialistas vienen en solicitar al embajador de Cuba en Chile, la preocupación por la situación de los prisioneros de conciencia, solicitando su inmediata e incondicional liberación; asimismo es muy importante que las autoridades cubanas, sujeten su accionar conforme a los principios generales del Derecho Internacional de las naciones civilizadas.

Bancada de Diputados
Partido Socialista de Chile